La víspera de mi tuberculosis [BLOG CERRADO]

Un acto cobarde

2007-11-16T19:18:00.000+01:00

Pulse en la imagen para navegar hasta el cementerio marino.
Otro tipo de tortura con el mismo ejecutor.

Tengo una buena noticia y una mala. Voy a dar las dos al mismo tiempo. La buena noticia es la excelente marcha de muchos proyectos laborales que conciernen, y aunque siempre anclados a la cuestión monetaria, la dedicación está siendo plena. Aquí tienen un buen adelanto de uno de tantos y tantos. La mala noticia es esa misma: la ocupación consume un tiempo considerable y, para el caso, me lo resta de dedicarle más tiempo a esta víspera de tuberculosis. Tambien hay una sensación pesimista bajo esta capa de alegría, que viene dada por un proceso que me aterra: la creciente tendencia a actitudes astracanadas que Roberto Alcover Oti explicó mejor que yo. Si bien creo firmemente en iniciativas como Elitevisión, tambien me conviene desearles la mayor de las suertes, a ellos y a todos los que dedican tanto tiempo a inferir con pasión, criterio y dos cojones. No está todo perdido ni es una simple pataleta, amenazo con volver, porque siempre lo hacemos, nos emperramos en levantar la voz ante la masificación de las opiniones; y aun así, no me voy del todo, pero me ciño a un terreno más personal. Dicho terreno tiene bien en llamarse El cementerio marino, como el poema de Paul Válery, y consiste en una versión mucho más sencilla (que no simple) de la mecánica de un blog: una foto, pocas lineas, algún link. No nos dejamos de leer, lo hacemos de forma distinta.

El Cumpleaños

2007-11-15T15:34:00.000+01:00

Uno de los grandes males del actual cine fantástico reside en cierta falta de exigencia del público cara el producto; funcionan mejor productos que repiten esquemas obsoletos y sus aportes carecen de cualquier interés que propuestas mucho más originales y transgresoras. La solución es complicada, es pedirle al grueso del respetable que apoyen una serie de cintas cuyas premisas van más allá de lo convencional, pero… ¿Qué pasa cuando es la película la que exige al público y no al revés?.

En España, el mundo del cortometraje goza de buena salud, pese a que los que lo seguimos de cerca nos quejemos constantemente: tenemos una producción cuantiosa, y entre ella, surgen algunas de las ideas más llamativas de la actualidad audiovisual, que, merecidamente, reciben multitud de premios internacionales que recompensan esa labor. Sin embargo, hay un tipo específico de cortometraje, más frecuente en otros países y que aquí rara vez se contempla, es el de la pieza promocional, que busca más impresionar a futuros inversores en largometrajes que producir una narrativa que camine entre el circuito festivalero, pero sin descartar en ningún momento esta última salida. Esta arriesgada práctica comercial, mucho más extendida en Estados Unidos, tuvo su correspondiente tótem patrio en Fundido [Fade, 2001] donde Eugenio Mira proponía una surrealista historia con ecos de Alex Proyas y el dúo Jeunet-Caró. Hay que esperar tan solo tres años más para que nazca The Birthday [2004] y con ella, la gran polémica sobre dicha cinta.

The Birthday narra los 117 peores minutos de la vida Norman Forrester, y eso es todo lo que hay que saber sobre la cinta. La película de Mira plantea un juego con unas normas tan específicas como inflexibles, y es tal el perfeccionismo por cumplir este objetivo que puede enervar al espectador que busca el momento de fuga. El seguimiento continuo del personaje interpretado por Corey Feldman produce una enorme pérdida de información, evitando al espectador cualquier reflejo de omnisciencia o, incluso, en sus minutos finales, haciendo que el propio Norman se adelante al espectador poseyendo una información que nosotros no alcanzamos a oir.

En la narración cinematográfica y su interacción con el espectador, existen dos hipótesis básicas que sustentan la atención: la hipótesis de suspense es aquella que juega a crear una tensión sobre hechos futuros, lo que ocurrirá a continuación o como se resolverá el conflicto; mientras, la hipótesis de curiosidad se sustenta en especular sobre hechos pretéritos y como afectan estos a la trama principal. En el caso de The Birthday, nos encontramos con un dilema, ya que la acotación espacio-temporal de la cinta (117 minutos y un hotel) no deja espacio para hechos pasados ni resoluciones futuras, obviando el “que ha pasado” y el “que pasará” para centrarse en un acto presente de confusión constante: el “que está pasando”.

Absolutamente todo está al servicio de esa confusión, desde las abigarradas interpretaciones hasta el importantísimo sonido terminan conduciendonos a un climax tan inesperado que nos hace plantearnos seriamente en que ha derivado lo que comenzaba como una simple comedia de adolescente tardío. Y es que Mira obvia por completo la curva de credibilidad, diferenciando su historia en dos relatos complementarios pero muy diferentes y pasa de uno a otro sin dejarnos respirar, provocando que dudemos seriamente sobre si dicho cambio ha tenido lugar o no.

En resumen, The Birthday es una película que ha despertado muchas fobias, pero a la que no se le puede negar su valentía, su increíble puesta formal y su originalidad. Una cinta a descubrir con el tiempo y la paciencia y la mente abierta.

Shoot' Em Up: Duck! Rabbit! Duck!

2007-11-09T09:15:00.000+01:00

Hay una diferencia sustancial entre los cortometrajes animados de Bugs Bunny que dirigía Chuck Jones y los del resto de directores que tuvieron al Conejo de la Suerte como compañero: en los cortos de Jones, Bugs jamás atacaba sin ser atacado y eran los villanos los que jugaban sucio, mientras que en el resto de sus apariciones el conejo era visto como un embaucador sin mayor intención que la de volver locos a sus antagonistas. Shoot' Em Up reivindica mucho más los cortometrajes de Jones que el cine de John Woo, empezando porque prescinde de la parte más dramática del director hongkonés y porque convierte sus escenas de acción más en elaborados gags de catarsis que en climax tensos y coreografiados, huye de la plasticidad cercana al ballet que tienen los tiroteos de Woo para acercarse más a los bandazos entre Bugs Bunny y un Pato Lucas o un Elmer Gruñón.

La zanahoria es quizás el elemento más significativo de este planteamiento, que sustituye a la cerilla de Chow Yun Fat y deja aún más claro la similitud con Bugs Bunny, pero tambien hay que recordar que en el caso del conejo animado, esta era un sustituto del cigarro de Groucho Marx y Clark Gable ya mascaba una zanahoria con pasividad en Sucedió una noche (Frank Capra, 1934). Es pues un símbolo de "tipo duro" y de vuelta de todo, y si no me creen, prueben a masticar zanahorias crudas.

Otro punto a tener en cuenta es el humor: Shoot' Em Up no elige la vía rápida de la (auto)parodia vacía si no que transcurre por caminos más elaborados, abordando las constantes del género como tópicos que se asumen en un código entre espectador y película. Son los propios matones de Paul Giamatti los que se sorprenden de que este siempre sepa seguir al protagonista sin aparentemente pistas, y es Giamatti quien le resta importancia al asunto sin explicar nada, esto es, no sólo prescinde de tener que dar lógica a lo que no tiene porqué tenerla, si no que directamente se cuestiona si es necesario perder el tiempo en explicaciones cuando el público lo que ha venido a ver son tiroteos extravagantes. Retomando la postura de Looney Tunes de carne y hueso, los dibujos de Chuck Jones, en su intento por dignificar los dibujos animados en un Hollywood pantagruélico, huían de las caricaturas hiperbólicas que si practicaban con gusto compañeros como Tex Avery, y por ello dotaba Jones a sus personajes de una muy concreta pero comprensible vestimenta. Ahora bien, la presencia de Denise Cronenberg en la cinta que nos ocupa doy por sentado que no es casual.

En conclusión, Shoot 'Em Up pertenece a esa clase de películas que resultan tan intricadamente inteligentes que ni siquiera tienen que parecerlo, pero al margen del subtexto es, ante todo, un producto de entretenimiento sin descanso que no pretende vender más de lo que es necesario, asi pues, en uno de los puntos culminantes de la cinta, cuando asoma el único pretexto argumental que sería excusa perfecta de un episodio de 24, el personaje de Clive Owen elige una opción que deja a Jack Bauer a la altura de monaguillo: 'muerto el perro, se acabó la rabia'. Un tiro en la cabeza y pasemos a la siguiente pantalla. ¿Para que aburrir al espectador con intrigas falsamente elevadas?. ¿Para que justificar nada?. Uno casi tiene la sensación de estar leyendo a Garth Ennis. Simple y pura pornografía del cine de acción, como debe ser.

1729 Películas (10/1729): Flores Rotas

2007-11-04T19:02:00.000+01:00

En 1927, el escritor austríaco Stefan Zweig dejó para lo posteridad uno de los relatos de amor más angustiosos y oscuros jamás escritos: "Carta de una desconocida" es un relato imprescindible para entender como el retrato psicológico de los personajes y la dosificación de la información son capaces de calar hondo en el lector. En esta breve historia, se nos narraba el recibimento por parte de un cuarentón escritor de Viena de una carta sin remitente, llegada el día de su cumpleaños. A continuación nos sigue la transcripción de dicha carta donde poco a poco desvelamos las claves del misterio, descubriendo tanto el origen de la carta como sus motivaciones y pasando del relato policíaco al poema amoroso y al puro terror en pocos párrafos.

Sin desvelar mucho más del contenido del relato, no se me ocurre mejor paralelismo literario con Flores Rotas, la hasta ahora última película de Jim Jarmusch donde, de nuevo, un mujeriego otoñal, apagado por su propio éxito, recibe una carta sin remitente, tambien de una mujer, tambien de una madre y tambien de un pasado olvidado. La intención de ambas cartas es la misma: despertar no tanto un sentimiento de culpa como encender la memoria del destinatario. Imaginemos por un momento que las mujeres con las que Bill Murray se encuentra a lo largo de la película fuesen en realidad la misma, en distintas etapas de su vida, como si un juego de viajes en el tiempo se tratase; y que su viaje fuese incluso más metafórico de lo que ya es, siendo un viaje verdaderamente interno, por su memoria, fictio, virtual. Mientras que el relato de Zweig aboga por retratar al Don Juan desde el punto de vista de la amante despechada, la película de Jarmusch define a las mujeres con los ojos del conquistador intrigado. Es cierto que el realizador norteamericano hace su inciso literario más obvio en Lolita, pero tampoco es menos cierto que 25 años antes de que Nabokov escribiese su famosa obra, Zweig ya trataba ese atracción preadolescente en el relato que hoy nos ocupa. Ambas historias hacen de la deducción un mcguffin para terminar en el mismo punto: el vacío emocional de quien no supo apreciar o no quisieron ver lo que tenían.

Nota: Este post era originalmente para hablar de Shoot' Em Up, pero lo he considerado innecesario ante las siempre acertadas palabras de Jordi Costa y John Tones. Luego he tenido que improvisar esta disertación. Si me animan, quizás sea el próximo post.

Feliz Año Nuevo

2007-10-30T23:21:00.000+01:00

"Eyes here! Eyes here!" cried Coppelius, in a hollow sepulchral voice

Debido a las festividades del tiempo de Samaín, este espacio no se actualizará hasta el próximo lunes día 5. Mientras tanto, pulse aquí y asómese al arte suprarrealista de Kris Kuski.

La melancolía de Haruhi Suzumiya: Parker Lewis meets Ubik

2007-10-28T16:36:00.000+01:00

En la necesaria nueva ola de madurez que afronta, por enésima vez, el anime de estos últimos meses, se colaron propuestas muy interesantes que planteaban caminos más adultos y guiones terriblemente intrincados; sin embargo, el verdadero fenómeno de nuestro tiempo ha venido de una serie en apariencia más humilde, sencilla y convencional… la novedad era esa: que era pura apariencia. La melancolía de Haruhi Suzumiya proviene de una colección de novelas ligeras y en ningún momento ocultan su origen literario, recordándonos constantemente su carácter episódico o con la incesante voz de Kyon, protagonista y narrador, adelantando acontecimientos o perdiéndose en su propio discurso, siempre, eso sí, cargando de cinismo y mala leche todos sus comentarios, todo un punto a favor de los que se enfrenten a esta serie con ciertos prejuicios.

Se podría decir que La melancolía de Haruhi Suzumiya tiene su mayor gloria en el sorprendente giro temático que da su trama principal sin que esto repercuta a la base inicial en la que se cimentaban sus comienzos. Sin querer desvelar demasiado, podría decirse que nos enfrentamos a unos personajes de novela de Salinger que de repente se descubren a si mismos dentro de un relato de Dan Simmons, pero, y aquí viene el verdadero acierto, ellos siguen siendo los mismos personajes. En líneas generales, la historia se nos presenta en torno la figura de Haruhi, una adolescente repelente, creída, maleducada, irritante y autoritaria que al conocer a Kyon, el descreído protagonista, tiene la brillante idea de fundar un club para escapar de su monótona existencia y tener contacto con “alienígenas, viajeros del tiempo y gente con superpoderes” (sic). El único problema es que ni Kyon quiere formar parte del grupo ni lo que buscan existe… pero Haruhi decide ignorar esos obstáculos y hacerlo de todas formas.

Parte del encanto inicial de la serie son sus personajes: estereotipos de las comedias de instituto del anime cuyo mayor anhelo es convertirse en… estereotipos de las comedias de instituto del anime. Para ello, optan por forzar las situaciones dramáticas, con lo que el metalenguaje narrativo está servido: existe un doble capítulo exclusivo para hablar de las situaciones de “círculos cerrados” donde los protagonistas esperan que en condiciones de aislamiento se den sucesos extraordinarios, y si para ello tienen que incluir a personajes en su club que cumplan todos los tópicos, se les fuerza a ello. Asimilando estos conceptos la serie podría ser, como mínimo, simpática, pero para convertirse en toda la corriente cultural que ha sido, guarda un as en la manga. Bajo esa capa de aparente banalidad esconde todo un entramado de psicología, filosofía, teología y ciencia en torno al personaje de Haruhi; la mejor muestra de ello es su opening, aparentemente intrascendente y normativo, con sus música animada y sus personajes sonrientes danzando de un lado a otro de la pantalla, sólo un examen exhaustivo nos descubre que tras los personajes se pueden leer fórmulas matemáticas, referencias a los agujeros de gusano o semiótica del budismo. Y es que pocas series pueden presumir de basar toda su trama principal en un concepto tan complejo como el principio antrópico.

Otro factor es su elevado factor crítico con su propio género, el anime. No escatiman en referencias más o menos sutiles a otras series de las que se burlan sin rubor, desde Monster (Haruhi preguntando si la casa a la que van se llama “Mansión de las rosas rojas”) a Detective Conan (la repetición de la coletilla promocional durante unos ejercicios de vocabulario). A tanto llega eso, que uno de sus episodios está en realidad escrito, protagonizado y rodado por ¡los propios personajes!, un episodio completo donde pretenden crear su propio anime a partir de lo que resulta una mezcla entre Card Captor Sakura y DNA², riéndose incluso de su erotismo softcore cuando los protagonistas deciden omitir el rodaje de una escena de cambio de vestuario (dando una vuelta de tuerca al concepto de elipsis narrativa al explicar el narrador que en realidad, no pasó nada mientras la cámara no grababa), dentro de ese mismo episodio se pueden contemplar un montón de bromas y guiños a aquellos que alguna vez se hayan puesto tras la cámara: los errores de salto de eje, emparejamiento de miradas o raccord se dan por doquier, la gracia es que lo hacen dentro de una serie de animación, lo cual es totalmente ridículo, aunque no imposible.

Y para acabar, el último punto sorprendente de la serie: se emitió desordenada. Así, el primer capítulo correspondería al número 12 (de un total de 14) y el noveno sería en realidad el último de la temporada. En principio resulta algo chocante seguir una serie donde en su primer episodio no se nos han sido presentado los personajes ni la acción (y de hecho, la acción que se desarrolla nada tiene que ver con la serie), y donde en cada episodio siguiente, aparecen y desaparecen personajes o se nos narran hechos que aún no han ocurrido. Este pequeño desorden suma en lugar de restarle valor a la serie: por un lado, el aspecto enérgico y caótico de Haruhi va en consonancia a este desorden, por otro, se asume perfectamente cuando se nos desvela que quizás muchas de las cosas que hemos visto o veremos sean discutibles en cuanto a su veracidad y finalmente, porque permite combinar sin dificultad la trama principal con capítulos más relajados o meramente explicativos, elevando la tensión cuando nos damos cuenta que el misterio no se resolverá en el siguiente capítulo porque vamos a ver algo que ya ha ocurrido. Sin duda, un fenómeno más que merecido y a la espera estamos de su anunciada segunda temporada.

Bonus Track: El ending de la serie ha batido todos los records, entre la pegadiza canción y el espasmódico baile, así como su relevancia en la trama posterior, lo ha convertio en poco menos que un símbolo. Por ello, ya ha sido asimilado en la cultura pop con un efecto explosivo, aquí sólo una pequeña muestra de ello.

Bat for lashes - What's a girl to do

2007-10-25T21:25:00.000+02:00

Estoy completamente fascinado por la obra del director Dougal Wilson, si hace tiempo colgaba ese canto a la suspensión de incredulidad que es Don't let him waste your time, ahora me sorprendo buscando el método de esta maravilla hipnótica, de ecos richardkellyanos, que me tiene tan absorvido como el tema que representa. Bat for Lashes es una banda íntegramente femenina liderada por la británica Natasha Kan, que con su álbum "Fur and Gold" han conseguido crear una atmósfera tan impactante como sórdida y encantadora, un auténtico viaje al País de las Maravillas desde una perspectiva indie. El ejercicio rítmico de "What's a girl to do" se transforma en un entramado de muñecas rusas de perspectiva imposible y regusto al mejor american gothic. Sin duda un ejercicio que no puede pasar desapercibido.

Velasco Broca. Una aproximación.

2007-10-23T21:34:00.000+02:00

La siguiente entrevista viene de lejos, concretamente, de un año atrás en el tiempo; en el transcurso de los meses, tanto la vida del entrevistado como del encuestador han tomado nuevos matices y esta continua evolución, sumada a la incompatibilidad de dos agendas muy apretadas, han provocado la tardanza de esta cita, creo que la espera ha merecido la pena. Lo que no se debe dudar, es que el cine de César Velasco Broca (Amurrio, Álava, 1978) es lo suficientemente peculiar para despertar filias y fobias a su alrededor, es curioso que en principio, esta entrevista se hubiese planteado como un modo de dar a conocer a uno de los cineastas patrios más interesantes de la actualidad, pero se ha vuelto ha demostrar la máxima de que los talentos ocultos no permanecen en ese estado demasiado tiempo y tras su éxito en los festivales de Slamdance, Escorto, Sitges y la Quincena de Realizadores de Cannes, Cameo acaba de editar un dvd recopilando toda su obra bajo el título “Echos Der Buchrüken”. Pocas modificaciones hay entre las preguntas planteadas hace un año y las respondidas hace tan sólo unos días, el lector tendría entonces derecho a quejarse de los temas que no se tratan o de lo poco profundo de los que sí se presentan, pero considero más oportuno que la entrevista se mueva en estos términos, más inocentes y pretéritos, quizás como ejemplo de determinismo. Quien sabe donde estaremos nosotros dentro de un año…

- Antes de nada, creo que es conveniente presentarse. Nosotros ya nos conocemos, pero probablemente hay mucha gente que se pregunte quien es César Velasco y porqué cree este que sus respuestas a esta entrevista pueden interesarle.

César Velasco es un chaval que conocí pero que no se conocía. Poco queda de él. Nada de lo que yo pueda decir le interesará a nadie y mucho menos a él.

- Cuando me enfrenté por primera vez a su obra fue con el visionado de “Kinky Hoodo Voodoo” (2004). Tengo que reconocer que las primeras referencias que cruzaron mi mente fueron algo a medio camino entre Luis Buñuel y Corey McAbee. Conozco lo difícil que sería responder a una pregunta sobre sus influencias, por ello, creo que es más fácil responder con que directores o películas cree que resultaría más fácil relacionar su obra.

Bresson es probablemente el director que de manera consciente más me haya influido. Los planos que por problemas de producción, más rápido tuve que rodar, fueron salvados gracias a una pequeña reflexión mía sobre un gran recuerdo suyo.

- Es bien conocida su afición al escritor norteamericano Philip Kindred Dick. Con él parece compartir la lucha de los seres humanos ordinarios contra los designios de entidades que escapan a su entendimiento.

Efectivamente. Además guardo un especial cariño por el Gnosticismo Valentiniano.

- ¿Qué fue “Pasaje al planeta clandestino”?

Un aventura riojana en forma de fanzine de cómic. Llegamos a editar más de 7 números pero nunca pasamos de la numeración 2. Allí coincidimos Kb, Alberto Bueno, elreydespaña, Mauro Entrialgo, Miguel A. Martín. Representó para mí una de mis mejores épocas, aunque no lo echo de menos.

- ¿Cómo y de que manera empieza su andadura por el mundo de la producción musical electrónica y la creación del sello Batan Bruits?

A raiz de una exposición universitaria por parte de mi diseñador de sonido, Roberto Fernández, y mi gran camarada Manuel Sánchez Muñoz, me interesé por el sonido electrónico y sintético, sobre todo por Kraftwerk. De ahí salté a Esplendor Geométrico. Y desde esa perspectiva industrial, caí en Ivan Pavlov aka Coh. Allá por el 2002 me zambuí en la electrónica minimalista post digital de la escuela Raster-Noton. Por esa época conozco, por intermediación de Miguel A. Martín, al cartero de mi barrio y pionero de música electrónica española Miguel A. Ruiz aka Orfeon Gagarin. Cuando escuché las antiguas bobinas y casetes de Ruiz, supe inmediatamente que había que reeditar todo ese material. Con ese propósito fundamos Batan Bruits. Y ahí seguimos.

- Háblenos de “Ensoñaciones de un chico de provincias”, cortometraje de escuela que, tengo entendido, protagonizó.

Le dí rienda suelta a mis fantasías fetichistas. Nos marcamos un vídeo erótico en medio de un bosquecillo del Campus de la Complutense en el que lamía los pies de mi amiga y productora Deneb Martos, y era pisoteada por mi diseñadora de producción Beatriz Navas Valdés. Cormac, mi socio y productor, también salía al final del video. Recuerdo que nos puntuaron con un 8, y eso que no habíamos hecho balance de blanco y teníamos una dominante azul tan acusada que parecía una noche americana. Gracias a eso coló.

- “La Costra Láctea” obtuvo el honor de ser clasificado como el cortometraje más raro emitido en el programa “Versión Española”. ¿Cómo se sale de semejante apuro?

Con Tranxilium. Se puede ver en la grabación del programa.

- Se puede argumentar que existe una nueva corriente de cortometrajistas que, próximos a un mismo grado de correlación, van poco a poco haciéndose notar y proponiendo un enfoque distinto a la cinematografía nacional. Pero… ¿realmente se puede hablar de una generación?

Vendría a ser la generación del 77. Hablaré de aquellos que me quedan más cercanos: Nacho Vigalondo, Eugenio Mira, Alberto González y Borja Cobeaga. No son los únicos, pero al menos puedo decir que he visto a dos de ellos desnudos y que he dormido en la cama de todos y con todos. Yo me incluyo en esta generación de la que soy, por otra parte, el más joven.

Me gusta siempre hacer comparaciones entre estos directores, jugar con sus diferencias.

Siempre digo que Eugenio es el más inteligente. Es muy rápido, muy hábil con el escudo, se escabulle detrás de tus orejas, y todavía no le has visto los ojos. Pero está loco, probablemente irrecuperable. Si hay alguien que anda a dos palmos del suelo es él. Una especie de Quijote sin escudero. Y su cine es exactamente igual. Completamente impenetrable y monstruosamente hiperreferencial. Grandes cantidades de fosas y murallas, si bien grandes y bellas. Sin embargo, cuando juega la baza del video doméstico, atraviesa multitud de líneas sin detenerse en ningún punto. Monta directamente mientras graba y edita el sonido también en tiempo real. El resultado es sorprendente. Diría que son absolutas obras de arte, unos vídeos de gran fuerza trasmutadora. Por desgracia, él apenas le da importancia a estas piezas suyas, y las difunde entre amigos como meros registros lumierenses. Espero que en un futuro podamos disfrutar de una selección de estos videos suyos en alguna hermosa edición.

Nacho se desliza entre todos los tejidos de la comunicación. Su hiperactividad le hace muy prolífico y resulta del todo imposible poderle seguir la pista. Su interés por los media no es meramente especulativo. Existe en él una profunda reflexión de las herramientas propias de cada una de estas expresiones, muchas de ellas jóvenes e incluso todavía sin nacer. Como es cántabro se mete directamente por el coño de las instituciones que ostentan estos medios, y que ni siquiera saben que están embarazadas, y si lo saben, desde luego desconocen la identidad del padre, ni a qué especie pertenece. Y ahí está Nacho dándole con el cincel a ese embrión. Y cada nacimiento es celebrado por todos nosotros. Puede parecer que trabajo con metáforas pero no es así. Todo lo que digo debe tomarse de manera absolutamente literal. Si hay un experimentador en esta generación es él. Siempre se ha dicho que yo soy el raro, el del cine experimental, pero no es así. Código 7, El Club de la Eta, Cambiar el Mundo, 7:35 de la mañana… son punto y aparte en la historia del audiovisual español. Por otra parte, siendo como es él uno de lo más grandes, también es el más miedoso. Vive demasiado pendiente de la respuesta del publico, sufre cada vez que muestra un nuevo trabajo. Quizá pueda llegar a estar obsesionado por el éxito. No creo que esto sea beneficioso para su obra, pero en cualquier caso, ha demostrado salvar en muchísimas ocasiones esta pequeña falta, este pequeño temblor en su voz. Sin lugar a dudas, el audiovisual internacional acabará asumiendo una gran deuda con él.

De Alberto González, poco puedo decir. Es sencillamente un genio. Y un vago también. Nacho me comentó en una ocasión que si tuviese que elegir entre Alberto González o un pack de 10 DVDs con más de 20 horas de trabajos producidos por el propio Alberto, sin dudar le metería un tiro en la cabeza y se llevaría el pack a casa.

Pero lo mejor de todo esto es que Alberto es la MEJOR persona con la que puedes compartir tu tiempo. Su obra no es sólo tan sólo reflejo de lo peor de su alma, también lo es de lo mejor del alma española.

El bueno de Borja Cobeaga nos aguanta al resto del nosotros. Es el más clásico. Muy lúcido en las reglas y con un gran entrenamiento profesional. Una especie de Carlos Saura con dolor de cabeza y pelo erótico. Esto es, Berlanguiano sin una pierna.

Lo que nos une y lo que permite la nomenclatura de generación es la multitud de cruces en el espacio-karaoke y en el tiempo-canción. La reflexión física de cada uno de nosotros hacia el resto. Y por último, el amor hacia una misma mujer.

- Háblenos de “Noches Transarmónicas”, su largamente acariciado proyecto de largometraje, que parte de un guión de Nacho Vigalondo, en principio, con lo que parece ser una mezcla de “Las noches blancas de San Petersburgo” de Dostoievski y “A vuestros cuerpos dispersos” de Philip J. Farmer.

Será una coproduccion hispanobrasileira rodada entre La Rioja y Brasilia. Se están cerrando todos los tratos todavía, así que el futuro todavía le es bastante incierto. En cualquier caso rodaremos un Teaser de 4 minutos en Enero, para poder llegar a Cannes con él. Parece más inminente el rodaje de la serie de TV las Aventuras Galácticas de Jaime de funes y Arancha. Quizá dentro de un mes y medio pueda decir algo.

-No sorprende que un cine tan particular como el suyo se haya visto enfrentado ocasionalmente ante la incompresión de muchos. Empezando por cierta historia suya que tiene que ver con “La cóstra láctea” (2002) y la amenaza de cortarse un pulgar, o la reciente segunda exclusión del catálogo Kimuak del que se ha hecho eco en su web. ¿Cómo ve esta clase de, digamos, incidentes?

Lo contemplo más como accidentes. Cuando se trabaja en la remodelación de ciertos imaginarios ya ineficaces, también se enfrenta uno a todas sus consecuencias nefastas. El símbolo es una de las grandes tragedias humanas. El imperio nunca tuvo fin.

¿Porqué cine experimental? (Parte 2º)

2007-10-21T22:12:00.000+02:00

Establecido ya el parámetro del uso poético y científico de cine experimental dentro del campo cinematográfico, conviene ir un poco más allá. Con gran acierto, el realizador Quentin Tarantino puntuó en una entrevista que "el arte es sinónimo de tecnología"; con esta palabras, ponía de manifiesto el carácter de vanguardia del cine y que su avance como arte dependía de su propia evolución y desarrollo. El cine tiene la capacidad de magnificar las cosas y otorgar un contexto que proporciona significado al más simple de sus elementos; el ejemplo más conocido es el mcguffin hitchcockiano, donde el significado aumenta hasta convertirse en leit motiv, pero si indagamos de donde proviene el contexto, nos encontramos con el propio lenguaje del cine. Así, Sergei Einsenstein comparaba el cine con el "haiku", los poemas japoneses, no tan sólo por su enorme podería visual y por las razones ya aquí argumentadas, si no tambien por producir en el interlocutor la sensación de correlación entre elementos inconexos. Entre esos ejemplos de correlación nos encontramos con una de las bases del cine, el conocido experimento de Kulechov al montar el mismo plano de la mirada de un hombre con otros planos (un plato de sopa, una viuda llorando frente a un ataúd, una niña) y las sensaciones distintas que se producían con estos montajes. Asi pues, el cine afecta al espectador a un nivel más allá de la observación y la comprensión, produciendo un engaño en la mente que nos provoca la creencia de que un plano tiene que ver con el anterior. Si se habla de cine experimental, se menciona casi de cabeza a David Lynch, y centrándonos en los motivos aquí expuestos, películas como Eraserhead, Carretera Perdida, Mullholland Drive o la reciente Inland Empire juegan con el mismo efecto, el propio lenguaje del cine, llevandolo al paroxismo, pasando de la piedra a la rueda, en otras palabras, avanzando su 'tecnología'.

And there's nothing simple in a "yes"...

2007-10-18T16:08:00.002+02:00

Hoy añado una muesca más a la cifra de mi edad, y de entre todos los regalos estrambóticos me apetece señalar uno en especial. En concreto se trata del nuevo CD de Marlango, The Electrical Morning.

Antes de que se lancen a calificar mi gusto musical de 'pésimo' para arriba, voy a hacer un pequeño aleato a favor de las trece canciones que me llevan acompañando a lo largo de todo el día, la banda sonora de hoy. Sí ya de por si la cálida voz de Leonor Watling no es suficiente motivo como para engancharse, el grupo ha incorporado a sus motivos de jazz suave instrumentos electrónicos como el Minimoog o las ondas Martenot, cuentan además, con dos invitados de excepción: Jorge Drexler y Miguel Bosé. Uno de los aciertos de Marlango es asumir un disco como una experiencia completa y no un recopitario de canciones, en esta línea, se puede decir que The Electrical Morning es un disco conceptual cuyo leit motiv es el transmitir buen rollo a quien lo escucha. Un sonido adormilado y perezoso que retrata con soltura ese momento de la mañana en que uno se despierta renovado, como renovado sale el grupo de un disco que rompe bastante con el tono más "agresivo" (en comparación) de los dos anteriores. Pero es raro hablar de comprar discos cuando hoy por hoy no se oye otra cosa que la industria discográfica está muerta, y yo, particularmente, me tiro el rollo y no me da vergüenza confesar mi elitista preferencia por los vinilos. El grupo de Pelayo, Ybarra y Watling saben bien en que mercado juegan y por eso no les importa la muy alarmista culpa de las nuevas tecnologías o incluso lo aprovechan regalando un tema inédito a través del Myspace de este disco. Les honra.

El videoclip que promociona este nuevo trabajo es, según los propios músicos, el del tema más "flojo" del disco; dirigido por Luis Cerveró, autor audiovisual en el que han confiado gente como Los Planetas o Christina Rosevigne. Algunos dirán que son pura pose, una imagen, estética, el capricho de una actriz... yo digo que tienen las cosas claras, un estilo, un cuidado y un mimo por sus fans. Digo sí a Marlango.

Para soltar improperios, pulse en los comments.

La identidad de grupo como herramienta de marketing

2007-10-15T09:05:00.000+02:00

En los últimos días me han llamado la atención dos spots televisivos bien distintos pero unidos por el mismo concepto: destacar la nacionalidad del producto como símbolo de calidad del mismo. No es ningun hallazgo nuevo ni original, pero me ha resultado verdaderamente curioso como, si en uno de ellos no sólo funciona a la perfección, en el otro, invita a cualquier cosa menos a probar el producto.

Vivamos como galegos es una campaña de la cadena de supermercados GADIS; cadena eminentemente gallega que utiliza el anuncio para hacer de los defectos y singularidades gallegas parte de una identidad entrañable y hogareña de la que no avergonzarse y sin radicalismos. El spot pretende acercar esa imagen de algo propio a sus clientes, la necesidad de revindicar aquello que es nuestro pero sin desprestigiar al resto, el spot no está carente de humor y hasta juega con la broma pro-celtista de poner al protagonista del mismo como émulo de William Wallace. Y el buen hacer de este spot ya se ha dejado notar: 50.000 descargas en una semana, grupos musicales buscando la banda sonora (un arreglo de la novena de Beethoveen) para reproducir sus propias versiones y un impacto cultural impresionante. Un fenómeno social a escala autonómica.

En el otro lado del espectro, y lamento no tener video, un spot que actualmente tambien se emite en televisión. El siguiente es un anuncio de la cadena de comida rápida McDonald's donde tres personajes españoles comen en un banco su correspondiente hamburguesa... cuando estos se ponen a hablar en inglés. El lema del anuncio es que es una hamburguesa muy americana. Paren que me he perdido.

Mientras que en el primer anuncio se busca la complicidad del cliente al buscar una serie de lugares comunes por medio del humor, en el segundo la imagen que nos incita es la de que comer hamburguesas en McDonald's te hace más americano, como sus hamburguesas; esto es: la reivindicación moderada de la identidad colectiva contra la pérdida de la identidad individual. Vamos, que no es porque el primer anuncio sea de mi tierra, pero creo que es evidente quien ha metido la pata hasta el fondo ¿no?.

Tengen Toppa Gurren Lagann: hasta el infinito y más allá

2007-10-11T00:02:00.000+02:00

Uno de los grandes problemas de las series de anime más recientes es su aparente necesidad de trascendencia o su absoluta falta de ella; que a día de hoy nos resulte complejo encontrar un sustituto digno de Dragon Ball es buena muestra de ello, y candidatos no faltan: la muy original Bleach, la divertida One Piece o... err... Naruto. La grandeza de Dragon Ball con respecto a aumentar el mito residía en un concepto sumamente importante que las otras tres obvian o no le dan la suficiente importancia: el crecimiento y la maduración de los personajes, así como un efecto bola de nieve que iba creando un universo propio que pivotaba en torno al inolvidable y carismático Goku, todo un símbolo generacional. Pero otro de los impedimentos para que exista una serie como la de Akira Toriyama es la falta de frescura, de dinamismo, de empatar con un público joven mucho menos abierto que el que creció con las bolas de dragón. En medio del caótico mundo del anime ha tenido que ser una pequeña producción de duración limitada a 27 capítulos la que mejor recoja ese espíritu y lo eleve a la altura de un nuevo siglo, curiosamente, más emparentada con Evangelion y Capitán Harlock que con la serie de Goku y sus amigos.

Tengen Toppa Gurren Lagann narra una historia muy curiosa: Simon y Kamina son dos amigos de distintas generaciones, siendo Kamina el mayor y más decidido, cuya vida en una ciudad subterránea, subyagados en su tarea de excavadores, los ha convertido en hermanos. La ausencia de los padres de ambos, habiendo muerto por causa de un temblor de tierra en el caso de Simon y en paradero desconocido en el caso de Kamina, les lleva a apoyarse mutuamente en su día a día en una ciudad tan triste como feísta. Su única esperanza es que realmente exista la superficie, ese lugar legendario donde se puede ver el cielo sobre tu cabeza y luz en abundancia, lugar que Kamina recuerda de su infancia. El día en que fracasa su intento de huir del pueblo, una gigantesca cabeza robótica cae desde la superficie, abriendo un boquete y trayendo tras esta a Yoko, una chica de la superficie que lucha contra los Ganmen, robots con forma de caras gigantes tripuladas por los terribles Hombres-Bestia, aparentemente los responsables de la vida subterránea de la humanidad en una olvidada guerra del pasado. Pronto Simon se hace con una cabeza robótica de aspecto similar pero proporciones infinitamente más pequeñas, y junto a Kamina y Yoko, emprenden una batalla de proporciones épicas contra su enemigo, que lleva a los dos amigos a conocer la superficie y, muy proximamente, a duscubrir más de un mundo dentro del suyo.

Es así como la serie parte de conceptos perfectamente escalonados: la salida al exterior es sólo el primer paso del aprendizaje y del largo y duro camino que tienen delante, alegoría de la pubertad, los personajes terminan controlando a un robot capaz de absorver a otros y creciendo en tamaño, fuerza y experiencia. A estos se van sumando toda una serie de variopintos personajes, algunos amigos, otros enemigos y unos cuantos más curiosamente ambiguos, que verán como a lo largo de toda la trama tendrán que plantearse seriamente de que lado están.... si es que hay alguna opción. La semiótica de la serie gira en torno a las espirales, concepto que se va transformando y convirtiendo en parte indisoluble de la trama, relaccionando desde las cadenas de ADN a las galaxias o el taladro como símbolo de tenacidad, supervivencia y lucha por la vida; de esta forma, la historia de Simón y su cruel batalla contra enemigos imposibles se convierte en la excusa perfecta para retratar al ser humano en tiempos de guerra, llegando incluso a rozar en algún episodio la crítica política, a descubrirnos que quizás una batalla ganada no nos de la recompensa que esperamos si no un castigo en consonancia, la persistencia, el valor y la exaltación del grupo como comunidad equitativa, son los grandes valores de una serie que, a la vista de su desarrollo de la épica heróica clásica adaptada a las nuevas generaciones, se transforma en una Odisea homeriana tan entrañable como desenfadada. O quizás no, quizás sólo sea otra serie de 'mechas' con chistes verdes, grandes ostias y sermones sobre la amistad o la valentía. Aun así, tiene mujeres de grandes tetas y robots gigantes dándose de ostias, si además conseguimos sacarle un subtexto, ya habremos hecho algo más que Michael Bay; y habrá merecido la pena al final del viaje.

Un brevísimo repaso a cuatro días en Sitges

2007-10-07T15:47:00.000+02:00

El Orfanato, de Juan Antonio Bayona. Pelicula típica del género de las casas encantadas, llena de clichés y evidentes reminiscencias a obras anteriores, que sobresale más por el contexto nacional de la propuesta y su increíble campaña de marketing que por su calidad. El aficionado al fantástico exigente se dará de bruces con un producto irregular y lastrado de falta de imaginación, mientras que goza a su favor de la capacidad de conectar con un público mucho menos habituado a una fórmula gastada. Su redundante final, una vez descubierto el predecible twist ending, llega a hacerse insufrible.

Il seme dell'uomo, de Marco Ferreri. Clásico post-apocalíptico italiano realizado en 1969 por el autor de El Cochecito. La historia nos situa en una sociedad futura donde la humanidad se extingue por virus, incendios y las ciudades ya no son seguras, allí, una pareja sobrevive en una casita frente al mar, discutiendo sobre la necesidad de tener descendencia. Sorpredentemente bien resuelta frente a la muy evidente falta de medios, consigue mantener la dignidad hasta un final de simbolismo feminista que deja con la boca abierta. Mención especial al momento en que explican el contexto social mediante una supuesta cinta encontrada en las ruinas del Vaticano.

Senseless, de Simon Hynd. La historia de un economista secuestrado y torturado por un grupo antiglobalización que ve como su desgracia se retransmite a través de internet, donde el público vota que nueva perrería tendrá que soportar. Jugando con el morbo del espectador y planteando un interesante debate sobre la violencia y el uso de ella para imponer ideas políticas, la pelicula funciona pese a contar con casi exclusivamente una localización y tres personajes. La reflexión final, si bien tarda en arrancar, es la de una pelicula que deja buen gusto, si bien peca de ser bastante escabrosa en sus imágenes.

Tekkonkinkreet, de Koji Morimoto. Especie de cuento urbano que narra la lucha de dos jovencísimos vándalos callejeros con un grupo de yakuzas y un empresario empeñado en convertir una hermosa ciudad en un gigantesco centro de ocio. Se recrea demasiado en los tiempos muertos y su conclusión es harto dilatada, sin embargo, la animación y diseños forman un espectáculo visual increíble. Al mismo director le debemos la pieza "Beyond" de Animatrix, y la imprescindible "Mind Game", con la que comparte el mismo sentido de la locura estilística.

The Fall, de Tarsem Singh. La gran sorpresa del festival, un espectáculo visual sin precedentes del director de "La celda" y producida por David Fincher y Spike Jonze. Cinco años de trabajo y 26 países para contar la historia de la fascinación de una niña por un doble de acción cuenta-cuentos que le narra la historia de cinco bandidos en su lucha contra El Mal. Densa, compleja, inteligente, sutil, profunda y simbólica, puede que no sea plato para todos los gustos, pero es una obra de arte para los sentidos que no se debe dejar pasar bajo ninguna circunstancia.

El Barón contra los demonios, de Ricardo Ribelles. Serial de ciencia-ficción fantástica hecha con poco presupuesto pero muchísimo talento e imaginación. El Barón es un superhéroe legendario que se ve, durante la lucha contra las hordas de Satán del Noveno Planeta, secuestrado por una dominatrix y su horrenda criatura para que este le ayude a engendrar una nueva raza impía. Los diseños de Jack Kirby, Richard Corben o Luis Royo y el estilo de adorable serie B añeja se cruzan en un relato épico-místico sobre el destino de los héroes, dotada de un particular sentido del humor y de muchísimo trabajo detrás. De culto instantáneo.

Flight of the living dead, de Scott Thomas. Un vuelo donde un virus del gobierno americano convierte a media tripulación en zombie en medio de una tormenta. Su absurdo argumento se llena de sustos que hacen reir, personajes retrasados que deambulan cometiendo únicamente errores una y otra vez, mala baba, crítica politica de trazo grueso, gore y efectos digitales mal hermanados, ralentizaciones sin sentido, diálogos sin pies ni cabeza, leyes de la física más elemental que desaparecen cuando conviene... una obra maestra del humor (in)consciente. Arrancó aplausos, pitos, carcajadas y comentarios jocosos en una de las sesiones más golfas que recuerdo.

Mulberry Street, de Jim Mickle. Producto de concienciación social sobre el multiculturalismo y el 11S, que mezcla su desfile de personajes arquetípicos y tramas bienintencionadas con la historia de un extraño virus. Aburrida, realizada en un digital ramplón y sin alma, desganada y muy poco acertada en cuanto a asustar se refiere.

Ya no estoy entre vosotros...

2007-10-03T20:09:00.000+02:00

"Me he despegado del tiempo, salto adelante y atrás en mi vida. No tengo control sobre a dónde..."

"...pero vuelvo el lunes".

¿Porqué cine experimental? (Parte 1º)

2007-10-01T21:00:00.000+02:00

Muchas veces, uno se encuentra con la incomprensión de la gente que no es capaz de entender el cine experimental. Lo reducen a una cuestión de entendimiento, como si la narración aristotélica fuese la única función del cine, lo clasifican bajo la etiqueta de "paja mental" y dan por sentado que es más complejo un film vulgarmente común y anodino que algo rupturista y sensitivo. Cuando alguien me pregunta que es lo que veo en el cine experimental es, precisamente, su capacidad científica. Exacto, como su nombre indica, el cine experimental es el campo de pruebas de la narración, sin el cual hoy no podríamos gozar ni de la mitad de formas narrativas que tenemos; pero es que además, no sólo es un campo tecnológico apabullante, si no que tambien es una escisión del propio lenguaje que pretende revolucionar. Pongamos por ejemplo que el lenguaje cinematográfico es equiparable al lenguaje escrito, el cine narrativo es por tanto la prosa, y lo más parecido a la poesía es, curiosamente, no la parte del lenguaje que se corresponde a las normas si no la que las transgrede para olvidarse del "mensaje" y centrarse en el sentimiento, en provocar al receptor, en encerrar la expresividad a base de explorar mundos desconocidos. Claro que esos mundos pueden ser aterradores a veces, aburridos otras tantas, pero sigue siendo una experiencia única.

Y si no, ante la pregunta que enuncia esta soflama, siempre puedes responder, como la famosa historia que se cuenta en todas las facultades de filosofía: "¿Y porqué no?".

I don't get it!

2007-09-26T15:27:00.000+02:00

"Blue Harvest" es el primer episodio de la sexta temporada de Padre de familia, la exitosa serie de irreverente animación creada por Seth MacFarlane. Lo llamativo del episodio es que se trata de una recreación casi milimetrica de la pelicula Star Wars (George Lucas, 1977), llena de una buena serie de gags a costa (o no) del popular cuarto episodio de la saga galáctica.

Lo que a mi verdaderamente me llamó la atención del episodio fue como pretendían hacer parodia de algo ya mil veces parodiado, es decir, todos hemos visto mil sketchs con referencias fálicas a los sables laser, sin embargo, aunque ese mismo gag está tal cual en "Blue Harvest", hay otros gags que son, directamente, propios de gente muy estudiada en la pelicula, otros ni siquiera tienen que ver con la cinta de George Lucas. De eso les puede hablar mejor Noel, que es más fan de "Star Wars" y Padre de familia que yo.

Este episodio hace que me replantee de nuevo mi posición con respecto a Padre de familia. Hay mucho en esta serie de la FOX que no me gusta en absoluto, empezando por el (ab)uso del running gag hasta los límites de la paciencia humana y para relax de animadores y guionistas. Tambien lamento mucho su enorme falta de coherencia interna, me refiero a que no soy capaz de recordar, con excepción del aqui nombrado, ningún episodio de Padre de familia que me llamase la atención; en cambio, si puedo decir lo mucho que me gustan los episodios de Los Simpson con Homer en el espacio o el presidente Bush Sr. como vecino, pero con Padre de familia no hay lugar a una linea clara de desarrollo, como mucho recuerdo gags aislados, pero no se ubicarlos en episodios concretos. Hilo más fino: la mayoría de las escenas de Padre de familia son intercambiables entre sí, sketchs aislados de diez o quince segundos que funcionan de maravilla en Youtube o viendo un capitulo por televisión, pero que no ayuda a que permanezca en mi ningún poso como si me dejan Futurama o South Park cuando se ponen pletóricos.

Claro que algunos verán en esto una virtud y mi actitud una muestra de quejica conservador, pero eso no ayudará a que me pase un poco como a John Tones en este artículo, y no termine de empatizar con la dichosa serie, aunque curiosamente si lo haga mejor con Padre made in USA. Entonces ¿disfruto con Padre de familia? Sí. ¿me río? Claro. ¿me gustó "Blue Harvest"? Por supuesto. Mi principal problema es cuanto tiempo va a pasar hasta que me olvide de este episodio.

Epílogo: Al final de "Blue Harvest", Peter (Seth MacFarlane, creador de Padre de familia) y su hijo Chris (Seth Green, creador de Robot Chicken) discuten sobre un episodio de Robot Chicken con la misma premisa que el que acabamos de ver. Robot Chicken es una serie que prescinde de personajes propios o algún tipo de trama para convertirse en una colección de orgullosos gag aislados, a veces de escasos segundos de duración, y sí, tambien me funciona mejor que Padre de familia. ¿Es grave, doctor?

1729 películas (8 y 9/1729): Les Vampires e Irma Vep

2007-09-24T10:58:00.000+02:00

En 1915, el director de la Gaumont, Louis Feuillade, especializado como estaba en los seriales del mítico personaje Fantomas, decide crear una de las obras cinematográficas más ambiciosas de su entonces corta historia: un serial de intriga de casi 7 horas divididas en 10 capítulos de duraciones variables. “Les Vampires”, que así se llamaba, narraba la investigación de Philippe Guérande, un reportero tras la pista de una sociedad secreta de ladrones y maestros del disfraz, gobernados por Los Cuatro Grandes Vampiros, pero liderados por la carismática Irma Vep. El serial bebe directamente de los convulsos tiempos de la Primera Guerra Mundial y sus Mata Haris y contiene algunas de las imágenes de lo más interesantes, muy deudoras del surrealismo contemporáneo y cargadas de una sugerencia y sensualidad poco vistas en su género, tambien catapultó a la fama a la actriz Musidora que interpretaba a la voluptuosa Irma. Es cierto que el serial es bastante irregular y su trama es tan complicada de seguir a lo largo de sus 400 minutos que resulta pesado incluso para el más experimentado cinéfilo, sin embargo, el sacrificio merece la pena con tal de ver una de las joyas más imprescindibles del poco conocido mundo de los seriales cinematográficos.

El remake no es una tendencia moderna, ni mucho menos, pero si es una tendencia en alza debido a las múltiples ventajas empresariales que tiene: el espectador se enfrenta a algo ya conocido, cuya publicidad viene hecha de antemano y no es necesario buscar una idea original entre pilas de guiones, por no hablar de la atención que atrae de la crítica, siempre dispuesta a innumerables prejuicios y a evitar por todos los medios que se ponga la mano encima a los clásicos. El caso es que la estrategia de rehacer lo que ya funcionaba antes da buenos resultados, y es algo a lo que hay que ir acostumbrándose. Gus Van Sant, trató en Psycho (1998) de emular la cinta de Hitchcock plano a plano, pero consciente de que las sorpresas de la cinta ya eran harto conocidas, crea una película totalmente nueva: sabemos que destino le espera a Marion Crane desde el mismo póster de la película, nos conocemos, de memoria, fotograma a fotograma, la escena de la ducha; así toda la atención se centra en que llegue ese momento, mientras que en la original, nos pillaba por sorpresa. Más recientemente, un director del prestigio Michael Haneke, optaba por una idea que nos confundía a todos: volvería a rodar, en inglés y con actores americanos, su consagrada película Funny Games (1997), de nuevo, plano a plano y justo 10 años después. Los que desconocen como funciona un rodaje demuestran su ignorancia atribuyéndole a esta decisión la tendencia a la comodidad de un director vanagloriado, sin embargo hay pocas cosas más complicadas que rodar una película plano a plano, y el hecho de que se haga de una obra propia, le añade un matiz nuevo. Piensen en las majas de Goya y luego recuerden la cinta original de Haneke, una película que se burlaba de nuestra tendencia al sadismo y al morbo, ahora el director alemán nos ofrece exactamente lo mismo, otra vez, como enorme chiste a nuestra costa, que parece que no aprendemos.

Irma Vep parte da un paso más allá de Van Sant y Haneke: en lugar de calcar plano a plano la inenarrable historia de “Les Vampires”, decide contar la historia de un director cuya intención es exactamente esa. Asi pues, asistimos a una mezcla entre making of e historia de ficción paralela al rodaje de una cinta que, no sólo tiene la desfachatez de querer igualarse al serial de Feuillade, si no que pretende hacerlo sin adaptarla en ningún sentido. A partir de esa curiosa premisa, Olivier Assayas construye una de las reflexiones más crudas sobre el cine dentro del cine, escupiendo a la propia industria de su país desde distintos ángulos. El gran acierto de Irma Vep es reirse a distintos niveles con detalles que pasan desapercibidos para el espectador menos documentado: así pues, el director encargado de llevar a cabo tamaña odisea está interpretado por todo un símbolo del cine francés, Jean-Pierre Léaud, aquel niño de Los Cuatrocientos Golpes y el protagonista de Domicilio Conyugal (François Truffaut, 1959 y 1970 respectivamente), mientras que el papel protagonista pasa de la muy francesa Musidora a la hongkonesa Maggie Cheung, interpretándose a sí misma. El mejor cruce entre estos personajes es el momento en el que descubrimos porqué el director le ofrece el papel protagonista a una mujer asiática, y, para ello, nos ejemplifica el talento de la actriz con escenas de Trío Heróico (Johnny To, 1993), comparando conscientemente los seriales franceses de principios de siglo con el cine hongkonés a rebufo de John Woo. La crítica se dispara de lo sutil a la brocha gorda cuando un reportero entra en acción para decir, sin pelos en la lengua, y desde una película francesa, que el cine francés es ombliguista y carece en su mayoría del mínimo valor más allá del onanismo de sus autores.

Sin embargo, quedarse en estas lindes hubiese sido demasiado sencillo y Assayas introduce una trama más compleja que el propio rodaje, desde una historia de amor lésbico, a una crítica al mayo francés covertido en burguesía, y da un salto al vacío cuando produce dos momentos de catarsis plena: Maggie Cheung, tras un duro día de un rodaje que parece interminable, descansa en la habitación de su hotel para, misteriosamente, ser poseída por su personaje en la ficción, y caminar bajo la lluvia por los tejados, ejerciendo de misteriosa y exótica ladrona con su traje de cuero; esto es, la intérprete alcanza su mayor éxtasis cuando se confunde a si misma con su personaje, perdiendo toda identidad propia. El segundo momento de respiro es el angustioso final de la cinta, donde presenciamos la verdadera película que se podría construir a partir de “Les Vampires” sin copiar las fórmulas que llevan vigentes un siglo: simplemente celuloide rayado, estropeado y malgastado por la torpe mano de un niño que pinta encima. El sinsentido de rehacer lo que no está roto cobra un nuevo nivel cuando, precisamente, nos dedicamos a destruir lo conocido para caer en un mundo totalmente inexplorado. Y es que el cine depende demasiado de si mismo y sus predecesores y parece anclado a no hallar nuevas fórmulas de exploración, condenado, maldito para toda la eternidad a que cada película beba de otra en una constante pero inútil renovación. El cine se vampiriza.

Dos videos que se explican por sí solos

2007-09-20T18:09:00.000+02:00

Durante la 'fiesta española' celebrada en el pasado Festival de Cannes, un reportero del programa de televisión Caiga Quien Caiga realizó un reportaje en el recinto. En el mismo se pueden apreciar a parte del equipo de Perro Verde Films, promocionando la película Gritos en el pasillo. De fondo, no nos sorprende encontrar a rostros como F. Calvelo y Velasco Broca.

Mientras tanto, en España, el grupo Triángulo de Amor Bizarro saca por fin su tan ansiado videoclip, en este caso, del genial tema "¿Quiénes son los curanderos?". Si mis fuentes no se equivocan, el mismo ha sido dirigido por David Gómez. Omitiremos la historia al respecto de tan magna obra para ir a lo que de verdad importa: este es vuestro futuro grupo favorito.

Maestros del videojuego (1/100): Goichi Suda

2007-09-18T09:38:00.000+02:00

Hace tiempo, inicié en cierto foro una discusión bastante polémica sobre un tema que yo no creía tan habitual hoy en día: si los videojuegos son arte. Aquello terminó como el rosario de la aurora, algo normal por otra parte, y me propuse aclarar mis ideas en un post, como viene siendo habitual. Pero me di cuenta de que no tenía las cosas tan claras como pensaba y que era un tema demasiado complicado y del que desconocía muchísimo más de lo que pensaba. Por ello, he preferido defender otra postura más lógica: en el mundo del videojuego hay autores. Y para muestra, abro esta sección señalando mis favoritos. Porque yo lo valgo.

Goichi Suda, más conocido como Suda51 (Go=5, Ichi=1) es uno de los autores más personales de la industria del videojuego. Nacido el 2 de enero de 1968, en Nagano (Japón) se ha distinguido por su estilo ecléctico, su estética minimalista y de plantamientos constructivistas aplicados a juegos como shooters en primera persona o survivals horror, no es extraño que su videojuego favorito sea Another World. Sus primeros trabajos fueron para la saga de lucha Fire Pro Wrestling, empezando como guionista en la novena entrega, Super Fire ProWrestling Special, realizada en 1994 para Super Famicon. Dejó su impronta y su afán provocador en dicho videojuego, donde en la conclusión del mismo, el protagonista optaba por suicidarse, algo que no fue muy bien visto en su día.

En 1998 debuta con su propia compañía, Grasshopper Manufacture, con la realización de The Silver Case, una aventura para Playstation con una premisa muy clásica, detective investigando extraños casos de asesinato, sin embargo con un desarrollo menos habitual. Las divisiones de pantalla que ya serían marca de fábrica, las combinaciones entre gráficos 2D, imagen real y CGI y la atmósfera opresiva, lo hicieron un juego bastante curioso. Tanto, que ha gozado de un reciente remake para Nintendo DS. En 2001 realiza Flower, Sun and Rain, otra aventura, en esta ocasión para Playstation 2, con un ambiente más colorista pero igualmente tenso. En esta ocasión, la historia mantiene el gusto de Suda por lo retorcido y los argumentos sorpredentes, en este caso, en un bucle de espacio y tiempo que va desintegrando la memoria del protagonista a la par que se encuentra con los problemas del hotel donde reside.

En 2004 realiza una obra increible, Michigan, un survival horror desde la perspectiva de un grupo de reporteros, tras una catástrofe inexplicable en Chicago que deja la ciudad llena de cadáveres y una bruma aterradora.

En 2005 salta al mercado norteamericano con Killer 7, una obra maestra menospreciada por la estupideces de siempre: que si gráficos, que si desfasado... lo cierto es que jugar a Killer 7 es una experiencia única, en la que tomamos parte del asalto de un asesino a sueldo con otras seis personalidades distintas que puede cambiar cuando la ocasión lo requiere. El estilo frenético y en constante tensión, heredero del cine de Shinya Tsukamoto, de un juego que apenas usa dos botones lo eleva a ser una de las obras capitales de la industria. El último trabajo de Suda se ha realizado el pasado año para Nintendo DS, y supone un cambio radical en las atmosferas ultraviolentas por ambientes más familiares y agradables. En Contact, el protagonista recoge una pieza de una nave espacial accidentada y se ve obligado a ayudar al profesor que iba dentro de la nave estrellada, buscando todos los elementos que faltan. Se trata de un RPG que destaca porque mantiene un gusto por los gráficos retro y de nuevo es la excusa para hablar del personaje manipulado y obligado por las circunstancias.

En 2006 tambien realizó una adaptación para plataformas de las populares series de anime Samurai Champloo y Blood Plus. Actualmente se encuentra preparando, el videojuego No more Heroes para Wii. Y tiene varios proyectos entre los que se encuentra una colaboración con Hideo Kojima.

La letra con semen entra

2007-09-16T22:03:00.000+02:00

Me encontraba este fin de semana ,disfrutando de un plato de chicharro al aire libre y con el mar de fondo, cuando mi vista se fue hacia artículo del periódico, donde se destacaban los relatos participantes en un concurso municipal reciente; al leer la breve sinopsis de cada uno que el artículo señalaba, no pude si no llevarme las manos a la cabeza: el mismo mamoneo social bienpensante que creía exclusivo del audiovisual, tambien se da en la literatura; ni un sólo relato de terror, ni fantástico, ni de ciencia ficción, ni mucho menos cómico. El premio, cuyo nombre e importe desconozco, había acabado en manos de un relato de, ¿adivinan qué?, violencia doméstica. Claro que probablemente este fuese otorgado por un ayuntamiento y las apariencias están para guardarlas.

El detalle sin importancia me trajo a la memoria mi pereza para escribir, nunca me convence lo que escribo y soy demasiado inconstante. No me puedo quejar, porque las dos únicas veces que he participado en concursos de relatos me he llevado sendos premios, pero han sido cosas tan localistas como el anteriormente nombrado, y con textos tan inocuos e inocentes que no merecen demasiada mención, eso sí, los premios estaban a la altura de mi opinión sobre mis propios textos. El caso es que esa pereza por escribir la he ido llevando a con mi desengaño en la carrera nunca ejercida de guionista y todas las posteriores frustraciones. Hay gente que les sabrá indicar respecto a esa clase de miserias mejor que yo. Curiosamente, a raiz de la tan polémica crítica de Death Proof que volqué tanto esta misma página como en Séptimo Vicio, muchos conocidos han sido los que me han animado a reanimar mi latente interés por la escritura, pese a que tenga que pasar el corrector de Word unas diez o doce veces por página. El caso es, ¿cómo? porque relatos en el cajón hay un par de centenas, sin exagerar, de los últimos ocho años. Conservo el primero y el último, y si bien noto una evolución, tampoco me satisfacen lo que deberían. ¿Pero que hacer? ¿me aventuro y lanzo uno al azar a un concurso como el que llamaba mi atención mientras comía chicharros? ¿les doy salida como posibles guiones? ¿los recopilo y me planto ante una editorial gallega con americana, camisa blanca y pin de Galiza Nova?.

La verdad es que respondí a esta pregunta hace mucho, el problema es que no es tan socialmente aceptada como cualquier otra de las opciones. Allá vamos: doy salida a mi creatividad con la escritura de relatos eróticos que se publican a través de internet.

Jiji, jeje, jaja. Benditos los chistes con doble sentido. Ríanse sin miedo, señores. Pero después de la risa parense un momento a reflexionar: ¿conocen alguna web donde, publicando sus obras, se les puntue y se les juzgue objetivamente, se comenten sus textos, la gente discuta sobre su redacción y, para colmo, tengan la posibilidad de saber, de primerísima y escatológica mano, las sensaciones que sus palabras provocaron en el lector?. Si la conocen, diganmela. No hay mayor sinceridad en el mundo que la que una web de relatos eróticos puede producir: los comentarios son espontáneos, directos y sinceros, y más exigentes de lo que a primera vista parece. Maduremos un poco, no me digan que "Me he corrido. Enhorabuena" no es el mejor cumplido que le pueden hacer a cualquier obra que ustedes lleguen a enseñar al público. Internet, de nuevo, elimina intermediarios, y es a través de ese anónima sinceridad donde uno puede encontrar un descanso del mundanal ruido industrial. ¿O es que acaso no es tan complejo escribir un relato erótico creíble y lleno de matices que un dramón sobre violencia doméstica?. Vale, tambien mi autoría es anónima en ese campo, si es que no podemos derribar todas las barreras de golpe. Vayamos pasito a pasito.

Ahora vuelvan a la imagen de un servidor, dominguero de aldea, comiendo pescado frente al Cantábrico. Con el periódico delante. Borren de sus mentes la imagen del escritor de relatos eróticos que cede a sus bajos instintos, imagen prejuiciosa que pretende castigar a lo que no deja de ser un arte tan válido como cualquier otro. Un momento para divagar: empiezo hablando de comer pescado y termino hablando de erotismo, ahí tienen otro chiste de doble sentido. Y no, no insistan, no les enlazaré ningún relato de estas características de mi autoría; mi identidad en ese campo tambien forma parte de la ficción. Metaficción: otra de las ventajas.

Bonus track: tengo que reconocer que me ha costado encontrar una imagen que ilustrase bien este artículo, al final he optado por no ceder ante lo gratuito (siento decirles que se equivocan de blog) y he colocado una imagen mucho más abstracta. Se trata de una obra del francés Welsix, un hombre cuya trayectoria artística me tiene fascinado, en mi humilde opinión, en su galería de Deviantart, ha conseguido elevar el arte pop más burdo a la categoría de lascivia plastificada, realizando mosaicos con fotografías softcore, estética de videojuego y textura de graffiti obsceno. En resumidas cuentas, un genio.

The Katamari Expectation

2007-09-14T09:25:00.000+02:00

Uno de los juegos a los que más me he enganchado es We Love Katamari, secuela del aquí desconocido Katamari Damacy, la mecánica es tan simple que nos remite a la jugabilidad de antaño: tienes que empujar una bola donde se quedan pegados todo tipo de objetos siempre y cuando el tamaño de esos objetos sea inferior al de la bola, que, por supuesto, aumenta de tamaño y de posibilidades de adherir más objetos. Es tan sencillo, tan colorista y tan adictivo que por fuerza hay que quererlo. Otro juego que tambien me enganchó a conciencia fue Shadow of Colossus, secuela en espíritu del afamado Ico, donde un guerrero debe devolver la vida a su amada dando muerte a 16 colosos: no hay más enemigos, simplemente escenarios gigantescos y 16 'monstruos finales' que son como diez veces tú. Sin más. Otra vez triunfo de la sencillez. Hace tiempo me encontré con la imagen que aquí acompaña, donde, de forma muy divertida, se amalgamaban los dos conceptos del juego y, accidentalmente, creaban una metáfora visual muy apropiada: hasta el mayor coloso puede ser víctima de una vorágine descontrolada.

Como apuntaba en mi anterior entrada, vivimos en una época donde se tienen noticias de un proyecto cinematográfico incluso años antes de que se realicen, y la fiebre por el seguimiento continuado del mismo se convierte en una histeria donde, por desgracia, entra a formar parte el mayor enemigo de un producto: la expectativa. La expectativa es el katamari más peligroso. Un ejemplo: esta noticia donde se da a conocer el poster de Los Cronocrímenes, tiene como subtítulo "y ya puede ser buena...", es decir, le está exigiendo a la película unos mínimos de calidad cuya medida, los autores de la cinta desconocen y por tanto, no son capaces de deducir si cumplirán o no.

No es de extrañar que ciertas peliculas decepcionen cuando uno va esperando algo que, en realidad, no pretenden ofrecernos. El bombardeo continuo de teasers y primeras imágenes hacen que en nuestra mente unamos los conceptos bajo una trama global que rara vez coincide con la real, porque de eso se ocupan los de marketing, de engañarnos. La expectativa de un producto ligero y divertido mató a Death Proof, la expectativa de la continuidad mataron a las secuelas de Star Wars y Matrix, la expectativa de respeto hacia el cómic casi todo el cine de superhéroes, y las expectativas tienen en vilo las reacciones de Indiana Jones IV o incluso Muchachada Nui, muy acertadamente parodiada en este video.

De hecho ,estoy convencido de que si Sin City gustó tanto es porque cumplió exactamente lo que se pedía de ella, literalidad. Claro que eso nunca me ha parecido una virtud. El verdadero temor que debemos guardar es que nunca podremos satisfecer una expectativas que no podemos controlar. Siempre habrá alguien 'decepcionado'.

Todo nos parece una mierda, menos lo vuestro

2007-09-12T09:27:00.000+02:00

Resulta gracioso cuando se hablan de revistas, foros, blogs o webs "de cine". No nos engañemos, la mayoría de esos medios autodenominados "de cine" rara vez tratan sobre cine, suelen estar más interesados en la última foto del próximo producto mainstream para el verano siguiente que de la película en sí. Internet se ha adelantado a la información de las películas, hoy conocemos el reparto antes del rodaje, las primeras imágenes antes de terminar la producción, el teaser antes de la postproducción, el trailer antes del test screening, y el screener antes del estreno. Eso, sumado al marketing viral de muchas productoras, terminan siendo el principal motivo en el que se sustentan esos medios "de cine", cuando no hablan de la ropa, escándalos o romances de los famosos. Cine no, señores, ustedes hablan de gente delante de la pantalla, no de lo que la pantalla muestra o transmite.

Se comentaba recientemente en la mesa de Escorto sobre Luis Buñuel el grave problema de educación audiovisual que afrontamos; somos capaces de aprender literatura o música en la escuela y que se nos inculque una serie de obras maestras populares y los motivos de su grandeza, pero no estamos dispuestos a que se haga lo mismo con el cine. El resultado es, y con esto me voy a ganar el desprecio de muchos, un público ignorante. Y no le otorgo el calificativo como desprecio o infravaloración, si no con el temor de que el público se va convirtiendo en víctima de sus propios vicios. Yo tambien soy público y tambien estoy atrapado en esa turba, por eso quiero ayudar.

Todas las opiniones son respetables claro, pero no todas son válidas o correctas, y menos cuando no vienen argumentadas. La capacidad de argumentar se ha ido perdiendo de una forma alarmante, ya no es necesario explicar porqué no te ha gustado una película, si no que puedes decir si es mala o buena porque a ti te viene en gana, sin más. Y eso es tan aplicable al público como a los medios que lo promueven. Lo peor no es eso, si no el inmediato desprecio que se fomenta a partir de ello a cualquier crítica que exponga sus razones más allá del "mola mucho" o "es una mierda". Nadie quiere debate, nadie quiere análisis, nadie quiere leer textos largos... para eso se puntua con estrellitas. Y cualquier persona que exponga sus razones con un mínimo de cuidado en lo escrito, recurriendo a referencias, documentandose, exponiendo puntos de vista... son pedantes, enteradillos, gente que no sabe 'disfrutar' del cine porque le ponen inconvenientes a La Jungla 4.0 o ponen por las nubes películas "aburridas" como Naturaleza Muerta.

Y claro que hay enteradillos que escriben con la horrenda intención de demostrar lo mucho que saben, de hacerse los interesantes, de unirse a una moda, de esos no faltan en ningún sitio; pero son fáciles de descubrir. Aun así tambien hay críticas honestas que buscan ahondar en los mecanismos que hacen que una película transmita o conecte con el espectador. Pueden tener o no tener razón, como el público, pero son igual de respetables. ¡Que demonios! Un crítico tambien es público, pero es público ambicioso.

Crónica sincronizada de Escorto 2007

2007-09-05T10:13:00.000+02:00

05 de Septiembre de 2007

10.14 - Estoy harto de hacer la maleta. Que le den. Me voy a jugar al "Burnout 3" hasta que sea la hora del vuelo.

10. 35 - Dragon Ball Z en Cuatroº ahora mismo. Piccolo contra Freezer. Yo voy a coger el neceser, que siempre se me olvida. ¡Y los datos de facturación!

10.58 - He creado un Album en mi Flickr para tener una perspectiva más visual del evento. También habrá crónica en Séptimo Vicio. De momento, mi ventana hace tres minutos.

11.52 - Ha llegado el taxi. Nos vemos en El Escorial en pocas horas.

18.02 - Acabo de llegar tras un retraso de vuelo y un viaje sin fin por la T4, en el mismo coche de Tonio L. Alarcón. Tras los saludos a la organización (Sombra, Cerezo, Asensio) he subido a la sala de prensa. ¿Que hacéis, que no estáis aquí?. Esto empeiza AHORA.

20.15 - Termina la proyección del primer día. Ahora mismo estamos en pleno psicolabis latino, disfrutando del buen hacer y las improvisaciones del presentador, Álvaro Manso. En breve, Buñuel y la mesa.... de debate.

06 de Septiembre de 2007

13.46 - Muchas novedades: tras la increible presentación del cortometraje de Angelino Fons "Garabatos", joya surrealista de nuestro cine, hemos concurrido una cena en el magnífico local 2 de Mayo. Un pequeño problema con nuestras reservas en el camping más grande de Europa nos saca una sonrisa: lo que deberían ser habitaciones dobles, son en realidad una cama de matrimonio. La decisión de quien duerme con quien provoca una serie de bromas que duran gran parte de la noche. Solucionado como bien hemos podido gracias a la imprescindible labor de los sofás, nos levantamos al día siguiente con un desayuno en el Parada y Fonda que nos sacia antes de meternos a la sección informativa. Tres cortometrajes más tarde, nos disponemos a comer ahora mismo. Sólo puedo decir que aquí en la sala de prensa los teclados hechan humo.

20.14 - La gente de renombre se sigue sumando a la iniciativa del festival; con un poco de retraso, llega Iván Sáinz Pardo a tiempo para presentar su cortometraje "La Marea", tambien se encuentra entre nosotros Jorge Guerricaechevarría, guionista estrella de nuestro cine, y que en breves minutos dará comienzo a la mesa redonda de uno de sus primeros trabajos, el cortometraje "Mirindas Asesinas" de Álex de la Iglesia. La compañia incluye a gente de la talla de Refo, Cristobal Garrido, Daniel Romero, Álex Alonso y un sinfin de personalidades que no tengo tiempo de nombrar aquí. Mis disculpas de antemano. El directo es lo que tiene. De los cortometrajes ahora proyectados, ya hablaré desde Séptimo Vicio.

07 de Septiembre de 2007

12.30 - Guerricaechevarría nos cuenta un montón de anécdotas y miserias del rodaje de "Mirindas Asesinas", algo que el moderador de la mesa, Cristóbal Garrido, define como una sesión de "Hormigas blancas" pero en cortometrajista. La sesión se alarga ante la interesante master class del guionista de "Nos miran", hasta que finalmente vamos a comer a un local de cuyo nombre, literalmente, no quiero acordarme. Lo cierto es que no salimos con hambre, pero más que nada porque se nos quitaron las ganas de comer. La noche se alarga hasta las seis y media del día siguiente, donde tiene lugar una fiesta que ocupa mil bromas privadas y termina con alabanzas a Robert Zemeckis. Una vez cada uno en su cama, nos hemos levantado en un par de horas para desayunar con calma. En estos momentos se ensaya la sesión informativa de hoy, con la presentación de "Reciclaje" de Juanjo Iglesias.

08 de Septiembre de 2007

12.28 - La tarde del día anterior llegaron Koldo Serra, Liberto Rabal y Nacho Vigalondo, para el coloquio titulado "¿a dónde lleva un buen corto?". Antes eso, me someto a una entrevista a cargo de Eva Cortés para Radiocine y a la posterior presentación de Ascorto. Álvaro Manso aprovecha para regalar camisetas de la película "No digas nada". En plena noche de la sierra, surgen Cormac Regan y Velasco Broca, que se llevan a Vigalondo dios sabe a donde. Serra se queda con nosotros, y presenciamos la segunda discoteca más triste que hemos visto. Esta mañana, Sáinz Pardo se ha despedido de nosotros, hacemos tiempo hasta que empiece la sección informativa viendo un capitulo del Superman de Bruce Timm. Manso y Cerezo ensayan con la gente de Veo TV la gala de esta noche, en estos instantes proyectan "Con lengua" y "Fo(r)rest in the des(s)sert". Más fotos en el Flickr.

13.49 - Se han visto tambien los cortometrajes "Vestido nuevo" y el test-screening sin etalonar de "1242". Llega la hora de comer y marcharnos de la Casa Cultura al Jesus' Gym.

10 de Septiembre de 2007

20.29 - Recién llegado a casa, tras un retraso en el vuelo, paso a relatar lo que ha quedado. El Jesus' Gym se llena de gente hasta la bandera, tambien Veo TV está allí. La gala termina siendo memorable con momentos tan entrañables como la presentación de los cortos hechos en el taller infantil durante el festival, simpáticos como la aparición sorpresa del presentador del pasado año, Javier Batanero, tocando una versión libre de "Lili Marlene", o tan emotivos como el homenaje a toda una carrera para Angelino Fons, muy merecido. Podría pasar a describir las acciones de Cerezo durante la gala, pero ya habrá tiempo de rememorarlo una y otra vez en el vídeo. Tras la gala y unos premios muy repartidos, llega el ágape con su posterior fiesta en San Lorenzo del Escorial. Despedidas, abrazos, a dormir y hasta el año que viene. Me vengo en el coche de Sombra con Asensio, Alarcón y Manso hasta llegar a la T4. El vuelo llega con retraso asi que disfruto de la lectura de "Capitán Britannia" de Alan Moore y Davis. Otro año que parece inmejorable, pero que en menos de 400 días demostraré de nuevo mi error. Un placer, oigan.

Death Proof: La prueba de muerte del cine espejo

2007-09-03T08:36:00.000+02:00

Siéntense, lo que tengo que decir es muy importante, un poco complicado de entender y algo presuntuoso por mí parte, pero hace tiempo que me lo pide el cuerpo: estamos viviendo un momento histórico en la industria del cine. No, no me refiero a formatos o decisiones empresariales, económicas o de afluencia y gustos del público, hablo de algo mucho más inestable e impredecible: la evolución propia del cine. Que sí, que ya paro el carro, que voy a soltar otro petulante discurso hablando de conceptos vacíos, sinsentidos pajeros, que sólo vemos gente obcecada en lo que nunca ha dejado de ser una atracción de feria, un invento “sin futuro”, Lumiérè dixit. Pero es que me obligan, me obligan las circunstancias, me obliga que por una sincronía astral, varios cineastas hayan coincido en que está pasando algo nuevo, aterrador y esperanzador al mismo tiempo, que abre ventanas a una nueva forma de entender el cine, pero que también cierra las puertas al concepto clásico del mismo que hasta ahora teníamos.

En un mismo año, han confluido en nuestras salas películas como la fantasmagórica Inland Empire, de David Lynch, donde el ya de por sí retorcido pintor de celuloide se pasaba al digital, convirtiendo una película autorreferencial en una experiencia tan única como inclasificable, tanto que puso a los críticos de medio mundo a cuestionarse si era o no una “buena película”, dos palabras que pretenden juzgar un trabajo tan complejo y arduo con una simpleza subjetivista bastante injusta. Zodiac, de David Fincher, no iba por los mismos derroteros, pero curiosamente acabó llegando a las mismas conclusiones que la cinta de Lynch provocaba: partiendo de un concepto clásico, casi académico del cine policíaco, el frenético realizador de Seven construía una historia sobre lo imposible de construir historias completas, y para ello, dejaba al espectador con una tensión constante ante la incertidumbre de percibir toda la verdad de un mismo relato. Lo que en Rashomon era una destructuración de la trama convencional, en Zodiac era, directamente, prenderle fuego a todo en lo que creíamos. Y luego llega Ratatouille, de Brad Bird, que no sólo se atreve a plantear una metáfora sobre todas la artes desde los puntos comunes entre ellas, si no que pone un punto y aparte, con golpe de máquina de escribir incluido, a todo el cine de animación; sirviendo, en bandeja de plata, no sólo la incertidumbre analítica que provoca el nuevo cine de Fincher o Lynch ante el crítico (Antón Ego) que se queda sin palabras con un concepto que escapa a su entendimiento, si no pasando al siguiente afectado, el espectador, para dejarle claro con un rotundo “Esta historia la cuento mejor yo” que estamos en un camino totalmente nuevo.

Death Proof es la cuarta pieza del puzzle, Quentin Tarantino parte de la premisa que en Rodríguez se queda en sana pero superflua diversión, para ofrecer un pleonasmo cinéfilo, más allá del postmodernismo obvio del que ha sido abanderado durante toda su carrera. Lo que podría ser un simple y directo homenaje nostálgico a un cine olvidado y en decadencia insondable, lo que podría haber sido una reformulación en clave hiperbólica como su precedente Kill Bill, termina saltándose las normas para ofrecerle un ejercicio complejo pero valioso al espectador: la contraposición entre la “magia” de ese cine clásico y artesanal y de la “experiencia” de un cine llevado al límite de la imaginación y el triple salto mortal. En otras palabras: QT divide su relato en dos partes tan diferenciadas como contrapuestas para que sumemos dos más dos y veamos en que ha quedado reducido nuestro concepto de la cinefilia. Sí en la primera mitad las bobinas se llenan de manchas, fallos de raccord scorsesianos, solapamiento de sonido y saltos de fotogramas, en su segunda parte la imagen está más definida pero comienza decolorada para ser interrumpida gratuitamente, como relato censurado de ese último acto epílogo. No es de extrañar que estas contraposiciones se reflejen en muchos aspectos, desde las protagonistas del primer segmento, colocadas, salidas y borrachas, indefensas por culpa de sus obnubilados sentidos, y victimas propicias, a las mujeres modernas, feministas, liberadas y fuertes (dos de ellas son especialistas de cine), que no se amedrentan ni se dejan seducir, esto es, las mujeres que James Cameron popularizó entre el público mayoritario para demostrar que las heroínas también se la saben jugar con tipos duros.

Quizás la interpretación más obvia de Death Proof sea la sexual: mujeres contra hombre, pero sobre todo, mujeres contra hombre viejo y cansado. El propio Michael Parks, en su eterno papel del sheriff McGraw, teoriza sobre la obsesión de Stuntman Mike por los accidentes y sus implicaciones sexuales, de poder, de penetración de un coche sobre otro, de velocidad y de sesgar vidas en un instante, mientras él sale ileso. Esta parafilia ballardiana, añade un nuevo componente de morbosidad a una película que entra directamente en la sexplotation más descarada: el primer plano de la cinta son unos pies femeninos, el segundo, un “culo descomunal de negra”. Tarantino filma a sus féminas con gran angular y fijación por el detalle, remarca con fuerza sus intenciones cuando una de las chicas lleva una camiseta con la imagen de la sensual Tura Satana, protagonista de Faster, Pussycat! Kill! Kill! , con la leyenda Badass Cinema. No es hasta su segunda mitad cuando esa predisposición sexual se convierte en un alegato feminista contra la violencia de sexo, con las bromas sobre el tamaño del pene de Stuntman Mike, o este mismo, en un ingenioso plano, sentado sobre el capó de su icónico coche, donde la entrepierna de Mike coincide con el pato que adornaba el camión de Convoy de Sam Peckinpah. Que en los posteriores embistes, Mike y las chicas se refieran a su persecución y golpes con términos similares al coito y el especialista se justifique diciendo que “solo tonteaba”, evidencia lo aquí expuesto.

Una de las puñaladas más fuertes que veo en la película es quizás accidental, pero no deja de ser curioso que el segmento de Tarantino pueda interpretarse como un ataque sin piedad a lo que representa el segmento de Rodríguez. Mientras que la primera parte hace uso, supuestamente gratuito, de los fallos y manchas de la bobina, tiene un accidente de escabrosas consecuencias, y es un cruce de personajes con Planet Terror, desde el sheriff McGraw y su hija, la doctora Dakota Block, lo cierto es que durante todo ese tiempo, la acción transcurre en Austin (Texas), lugar de nacimiento del director de Sin City, para luego pasar, en su segmento más pulcro y vanidoso, a desarrollarse en Tennessee, lugar de nacimiento de Tarantino, y obviando cualquier referencia a la cinta de Rodríguez. Lo cierto es que Tarantino no busca esa nostalgia como fin, el más Judas de los sentimientos, si no como la manera de aprender del pasado poniendo en ello la vista al cine futuro. Más sencillo: durante la persecución final, los coches atraviesan una valla donde se anuncian Scary Movie 4 y la no tan alejada a la que nos ocupa, Wolf Creek.

Y es que Stuntman Mike es sin duda el personaje más triste del universo tarantiniano, objeto de burla y mofa durante toda la cinta, está lejos de ser un personaje icónico que mire por encima del hombro, si no un pobre anciano que pretende dar miedo mientras el colirio le hace llorar, venido a menos en series de televisión que ya nadie recuerda, apalizado por la sangre nueva del cine. Mientras que en el primer segmento la victoria es la de la nostalgia de los tipos duros, el segundo es una lucha a muerte entre el pasado y futuro del cine, algo que, realizado en una película presente que emula los fallos de las películas pasadas, es una ironía ciertamente curiosa. Fallos que son bastante acertados, como el corte imposible en la escena del baile, las manchas durante los derrapes del coche, o las líneas verticales cuando descubrimos que ha empezado a llover. Poco antes de que empiece ese último tramo final de la primera parte, Mike mira directamente a cámara y sonríe. Todos sabemos lo que va a pasar, algo que no sospechamos en el segundo tramo.

Sin embargo, la otra cara de la moneda es que la película no ha tenido ni mucho menos el recibimiento que se merece, la taquilla no le ha acompañado y algunos críticos parecen justificarse como si tuviesen que pedir perdón por defender esta película. Como no, en un mundo como Internet donde cualquiera (inclusive un servidor) puede erigirse la voz de la sabiduría desde un teclado, no han faltado las descalificaciones y argumentos de una pobreza aplastante. Parece que ahora todo el mundo sabe lo que es una película grindhouse y se atreven a decir que la de Quentin no es como aquellas, falacia absurda que demuestra que películas como Punto límite: cero o The Wild Angels no han caído en sus manos. Una de las criticas más feroces, escudándose en el concepto subjetivo más deplorable y pueril que se puede dar de una obra, es que la cinta es aburrida; un término que yo ya he visto aplicado, sin razonamiento alguno, tanto a Ciudadano Kane como a Munich; cuando se trata de justificar ese “aburrimiento”, se recurren a excusas tan pobres como que los diálogos son banales y triviales, comparándolos de manera un tanto superficial, con Sexo en Nueva York, pues bien, me atrevo a decir que es la película de QT donde los diálogos tienen más sentido en la trama que nunca: me da igual como se llama el Big Mac en Francia, pero si que me importa la desvergüenza de las ocho protagonistas de Death Proof, su actividad sexual, sus relaciones emocionales o su amistad, y dejemos ya, por favor, de encasillar las charlas de sexo entre mujeres en el mismo campo, que es de un sexismo propio de cavernícolas; y es que parece ser que si un western es un canto a la amistad masculina alcanza un estatus, pero si se emula con el sexo opuesto, es comparada con una serie de televisión superficial y vacua. De todas formas, Tarantino se cura en salud en los primeros minutos de la cinta, cuando Jungle Julia recrimina a sus amigas y estas analizan la construcción de su frase, aparentemente banal, para ver como se puede interpretar. No nos debemos olvidar que el cine es una representación de una falsa realidad, y por tanto, lo que en la vida diaria nos puede parecer insustancial o fortuito, porque de hecho suele serlo, en una película es un cálculo milimétrico, donde juegan tantos factores que resulta vital controlarlos al máximo todos por el bien del conjunto.

Me interesa llamar la atención sobre la estructura de la película, no dejemos de ver que se trata del segmento de un proyecto conjunto que, a su vez, se divide en dos segmentos tan diferenciados. Quentin ha jugado mucho la baza de la destructuración del relato, si en Reservoir Dogs hacía uso de las cintas de acción hongkonianas de planos autoindulgentes y de la estructura de Atraco perfecto, o en Pulp Fiction jugaba con la gracia del título para ofrecernos una historia completa por fascículos, mientras que en Jackie Brown colocaba sobre la mesa la carta briandepalmesca al ofrecernos un mismo hecho desde distintas perspectivas y finalmente, en Kill Bill, nos ofrecía una segmentación por episodios, ordenados a favor del anticlímax. Es en Death Proof donde Tarantino lleva la arritmia como estructura narrativa a un nuevo punto: la película se dilata y se encierra sobre sí misma de un modo un tanto brusco para volver a empezar de cero y repetir la misma fórmula con variables nuevas. No hay duda de que Death Proof es afásica, como la anteriormente mentada Zodiac era una montaña rusa entre breves momentos de gran fuerza para volver al relato pausado; ese juego hacia delante y atrás es sin duda lo que más incomprensiones crea, pero está justificado y su función no puede estar mejor ejecutada, otra cosa es que sea apreciada por todos. Debemos tener en cuenta que las acciones de Mike no nos impactarían tanto si los personajes femeninos nos resultasen desconocidos, así que el juego de Tarantino es seducirnos, presentarnos al grupo para que realmente sintamos el dolor cuando este llegue, “en un entorno en el que hablar no es más que un modo de rellenar tiempo, el único lenguaje posible es el de la acción”[1], una vez asimilado esto, la crudeza e la rapidez de los actos de violencia nos afectan mucho más.

Hay que recordar que el cine por excelencia es el cine de acción, ningún otro género ha surgido específicamente del cine, ya que eran fruto de la literatura, del teatro o de la música, pero el cine de acción es puro movimiento que sólo encuentra homólogo en la realidad, la definición más pura del cine. Que Tarantino lo reduzca a su mínima expresión para enfatizarlo es el mayor canto de amor al cine que se puede hacer, y lo hace revindicando lo artesanal, la figura del especialista anónimo como Zoe Bell o Stuntman Mike, el fetichismo por el peligro, por ser como “el puto Kowalski de Punto límite: cero”, el de modificar nuestra realidad al antojo de la iconografía. Pensemos en Zoe Bell corriendo peligro encima del capó del coche: en ese momento, tememos por la vida del personaje, pero al mismo tiempo, corre peligro la vida de la actriz, de la persona material y real que se está jugando el cuello en ese momento, un nuevo ejercicio de morbo cinéfilo que nos pone a nosotros la chupa plateada de Stuntman Mike. Tarantino ya no copia y apenas cita: Tarantino arranca de raíz el cine que le puso donde está, lo estudia y cultiva el propio.

La conclusión final es quizás un tanto arriesgada por mi parte: considero Death Proof como un Psicosis del siglo XXI; no es de extrañar que la película de Hitchcock también levantase en su momento impresiones tan desfavorables, pero el tiempo da o quita la razón. El problema era predisposición a un producto emulado, una parodia de un cine de segunda categoría vista con ojos de cine de alto grado, la gente buscaba una cinta “dilatada y enamorada de sí misma, que contempla el cine asimilado/plagiado no tanto con cariño o admiración (…) desde un complejo de superioridad que significa, en el fondo, una petulante voluntad de dignificación”[2], y lo que han encontrado es un ejercicio de estilo y estudio que, tomando buena nota de películas como La casa de los mil cadáveres, utiliza su público objetivo como escupidera, ridiculizando los mismos motivos que les llevan a ver la película a base de ponerlos patas arriba o, directamente, no ofrecérselos. Ha sido casi providencia divina que la distribución de Death Proof venga marcada por la polémica del desastre, una película que parte de cintas recortadas y vilipendiadas hasta la sociedad, termina teniendo un “montaje europeo” y un estreno más que discreto. Bendita ironía.

La próxima cita con la evolución del cine quizás esté teniendo lugar ahora mismo en Venecia, con Takeshi Kitano y su Kantoku Banzai!, donde después de mirar con recelo su propia filmografía, ahora se replantea los tópicos de la cinematografía nipona en conjunto. Al menos ha recibido tantos palos como en su momento Inland Empire, y el realizador japonés ya ha sido tildado de “loco”, como Tarantino, quizás como muestra de que sólo los visionarios pueden avanzar hacia lo imposible; ojala sea verdad. De lo que no hay ninguna duda es que los grandes cineastas jamás fueron apreciados mayoritariamente cuando debieron serlo. Y sí, Death Proof es la mejor película de Tarantino.

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[1] Ángel Quintana en Cahiers du Cinema España. Nº3. Julio 2007.

[2]Yakuza Cinema. Crisantemos y Dragones. Carlos & Daniel Aguilar. Calamar Ediciones. El texto citado, curiosamente, hace referencia a la anterior cinta de Tarantino, “Kill Bill”.

1729 películas (7/1729): El enigma de Kaspar Hauser

2007-08-31T08:57:00.000+02:00

No creo que tenga que recordar lo rara avis que es Werner Herzog, una de esas brillantes excepciones de la industria que no sigue un compás marcado y, para mayor burla, mantiene un mensaje coherente y personal en todos sus trabajos, incluso los alimenticios. Es curioso que rara vez se mencione en su filmografía la película que hoy nos ocupa: la historia de Kaspar Hauser, un adolescente que tras vivir encerrado toda su vida como un animal, es abandonado en la plaza del Nuremberg del siglo XIX, con una carta en la mano, sin apenas saber andar, ni mucho menos leer, escribir o hablar. Sin embargo, pronto empieza a demostrar una sensibilidad sin precedentes, y una mirada crítica que incomoda a la sociedad bienpensante que jamás se cuestiona su condición.

El enigma de Kaspar Hauser no deja de ser la enésima vuelta tuerca a la historia del salvaje huxleysiano, aquel hombre criado en la libertad del animalismo que encuentra absurdas las mecánicas de la sociedad que se autonombra civilizada. Tan recurrente es el tema de la lucha entre hombre y (su propia) naturaleza en Herzog, que podría pasar desapercibido. Sin embargo, es presuntuoso creer que está todo contado, y esta nueva perspectiva arroja algo de luz. Lejos del maniqueismo pro-ecologista de nuestros días, la cinta se construye con un respeto a la naturaleza del hombre y cierto desengaño de la sociedad, pero sin decantarse por ninguna, no muy alejado del discurso obvio en El ingenuo salvaje (François Truffaut, 1969) o Human Nature (Michel Gondry, 2002). Es por ello que la película se construye a partir del final del mito de la caverna platónica: los que habían permanecido entre sombras y habrían matado si alguien les contase lo que hay ahí fuera, son arrastrados por la fuerza a una sociedad hipócrita y de normas insensatas, abandonados en el centro de una plaza con una carta en la mano que no saben leer. No es que Herzog pretenda considerar a Kaspar Hauser, como ser marginal, una visión objetiva del Nuremberg de 1828, si no como un punto de vista distanciado y rara vez tomado en cuenta.

El espléndido personaje de Bruno S. se transforma así en un precedente directo de El Hombre elefante de Lynch, y una muestra de la ignorancia y la pasividad del ser humano ante la crueldad y el sinsentido. Y como no, tan destacado director no podía dejar pasar la oportunidad de crear una película crítica pero convertida en un remanso de paz y espiritualismo.

"Código 7": Cuarto capítulo

2007-08-27T11:11:00.000+02:00

Donde conocemos el destino definitivo de Joe Chip y aprendemos una valiosa lección de aceptación y respeto hacia nosotros mismos. Se cuestiona el papel de la identidad exterior como el rol asociado a un actor y la historia se dobla sobre si misma como prefacio a una nueva saga intergaláctica.

(pulse para ampliar)

Ajedrez en tablero roto: politica y terrorismo en Code Geass.

2007-08-23T10:02:00.000+02:00

Muchas veces he hablado en este mismo blog sobre la variedad y riqueza del anime, todo un campo de la ficción televisiva menospreciado por un ingente cantidad de tópicos. Sin embargo hay que reconocer que las series anime realmente se fundamentan en estructuras muy concretas y premisas generales comunes, lo cual fomenta una serie de sub-subgéneros que se diferencian principalmente por su público o target. Ya mencioné en su momento la impresión que me causó en su momento Death Note, una serie de suspense bastante más adulta e inteligente de lo habitual, pero eso no la convierte en la única digna de mención. De manera paralela y casi con las mismas impresiones, he ido siguiendo otra serie, donde el enfrentamiento entre protagonista de métodos poco éticos y antagonista de buenas intenciones pero actitud errónea terminan conviertiendo su particular rivalidad en un conflicto internacional. Hablo de Code Geass: La rebelión de Lelouch, una serie que acaba de terminar su primera y vibrante temporada de 25 capítulos llevando sus personajes hasta extremos inquietantes.

Estamos en un futuro próximo donde el Imperio Britannia ha conquistado medio mundo, inclusive Japón, que ha pasado ha rebautizarse como Área 11 y sus nativos son llamados ahora elevens y marginados por una sociedad de britanians elitistas; entre estos últimos, se encuentra Lelouch y su invidente y paralítica hermana Nannaly, dos herederos del imperio que viven ocultando su condición de sangre azul. Lelouch ha sido repudiado por su padre, El Emperador, cuando pidió respuestas ante la muerte de su madre tras el ataque terrorista que dejó a su hermana en una silla de ruedas, desde entonces, ha guardado cierto rencor al Imperio y ansias de derrocarlo. Cierto día, durante el traslado de un arma secreta por el Área 11, Lelouch se reencuentra con un amigo eleven de su infancia, Suzaku, hijo del primer ministro de Japón durante la guerra con los britanians y accidentalmente abren el compartimento del arma secreta: una extraña chica de pelo verde se oculta en el interior y, sin saberlo Suzaku, transmite un extraño poder llamado Geass a Lelouch, con el cual puede dar órdenes a cualquier persona con solo mirarla. Lelouch decide aprovechar la oportunidad para, mediante calculadas acciones terroristas, poner a la opinión pública de su lado y derrocar al Imperio por despecho, pero Suzaku, ajeno a la identidad secrta de Lelouch como el terrorista Zero, frustra casi todos sus intentos.

Parte de la gracia de Code Geass reside en su rapidez: en el primer capítulo se nos plantea un mundo futuro con nuevos países y fronteras, guerras, robots gigantes (no deja de ser un anime de 'mechas'), una veintena de personajes en torno a dos principales, una historia que transcurre a lo largo de ocho años y poderes mágicos... y por un calculado guión y un buen uso de la curva de la credibilidad, aceptamos las bases. Una vez metidos, es imposible detener el buen ritmo de una serie que no se toma un minuto de descanso y que tan pronto dedica un capítulo a hablar de tácticas de batalla como ejemplifica las repercusiones de una decisión política o nos muestra la poca repercusión de una bomba en un gobierno pero sí en la sociedad. No por ello renuncia a una parte cómica, donde algunos personajes terroristas y militares del Imperio, comparten instituto sin saber quien es quien, o algunos enredos amorosos o desnudos gratuitos que por increible que parezca, no sólo no sobran si no que ayudan a entender muchas decisiones en los personajes, ya que en el fondo, y se que esto va a sonar extraño, es una serie más próxima a El Ala Oeste que a Mazinger Z, y ni que decir que tiene que la serie no obvia el conflicto entre oriente y occidente y las dos maneras de entender la lucha: Lelouch/Zero es agresivo pero sumamente inteligente, no le importa sacrificar personas, incluso amigos o familiares, para conseguir lo que quiere, tampoco ve mal el espionaje o la traición y ejecuta sin pestañear, no es extraño que tenga una pasión fetichista por vestirse de villano de opereta; Suzaku en cambio está lleno de remordimientos, es sumiso al Gobierno, impulsivo y emocional, en un capítulo se plantea incluso la meta de ganar una batalla sin matar a nadie, lo cual viene seguido por la incontrolable carcajada de sus superiores. Curiosamente, aunque la serie nunca evita el enfrentamiento o la violencia, esta no se resume a imágenes impactantes o simples peleas con borbotones de sangre: la mayoría de las batallas de Code Geass se ganan en cómodos sillones. Por cierto que, otro nodo en común con Death Note es la constante duda con respecto a la moralidad de sus protagonistas, si Yagami Light mataba a la gente a voluntad, Lelouch controla e invade sus mentes a su antojo; memorable momento cuando utiliza su poder para hacer olvidar a otro personaje el odio que siente hacia él.

Esta semana ha concluido la primera temporada de la serie, tras un parón donde los dos últimos capítulos se han emitido como especiales. Sin desvelar demasiado de la trama, como siempre, tengo que reconocer que seguir esta serie, y en especial esos dos últimos capítulos, implica casi devoción, pues en escasos 20 minutos se pueden seguir más de una docena de tramas distintas con, sin exagerar, un centenar personajes. En definitiva, es tremendamente recomendable, si bien ciertos aspectos más comerciales y fantasiosos la alejan del tono adulto de Death Note, es mucho más compleja y densa que esta, y exige muchísima atención al espectador. No ha sorprendido a nadie que muchos seguidores de Death Note se hayan pasado a Code Geass tras un final un pelín decepcionante, ni siquiera que este anime haya traspasado la pantalla con programas de radio que simulan ser noticias semanales de 'La Rebelión'. Ahora sólo queda esperar a la resolución del conflicto el próximo octubre.

Miedo y Asco en Compostela

2007-08-21T11:22:00.000+02:00

Cuando el cortometraje "Santiago de Sangre" aún era un boceto, consideré oportuno adelantarme y realizar una serie de fotografías de las calles de la capital gallega, para intentar encontrar en ella el tono visual adecuado, y aunque esta tarea estaba prevista desde hace tiempo, intencionadamente la hice coincidir con el curso 'Como se fai unha curtametraxe' que organizó el Consorcio Audivisual de Galicia, en el cual participaban como maestros Borja Cobeaga y Nacho Vigalondo, a los que se les sumó por su cuenta César Velasco Broca.

En una situación tan idónea, me propuse grabar lo que en un principio fue la idea original de Raúl Cerezo y un servidor para los Espots de Escorto del pasado año y que no llegó a realizarse por considerarse imposible: toda una retahíla de cortometrajistas hablando mal unos de otros. Así pues, reduciendo la población a tres individuos, ya con un nombre, una fama y un peso más notable, los resultados no se diferencian mucho (salvo en el aspecto visual) de los previstos.
Es cierto que se trata de un Espot feísta, un tanto improvisado por las circunstancias y el estado patente de sus integrantes a la hora de realizarlo, la verdad es que siempre puedo recurrir a la excusa del naturalismo propio de Albert Serra y su "Crespia, the film not the village", pero lo correcto es decir que podría estar mucho mejor. El resultado final es curioso en más de un aspecto, no ya como cápsula del tiempo audiovisual de la progresión de tres de los cineastas de los que más esperanzas de futuro dedicamos, si no tambien porque probablemente sea el único spot promocional de un festival que usa la psicología inversa: los cortometrajistas se odian, los cortometrajistas son mala gente, aléjate de ellos, no vengas. Cambiarle una simple letra al nombre del festival para concretar la sensación desagradable en torno a todo lo malo del mundo del cortometraje, y quedarse tan ancho.

1729 películas (6/1729): Arrebato

2007-08-20T09:44:00.000+02:00

Cuando uno vive constantemente en función de un lenguaje como el cine, no es de extrañar que muchos caigamos en la tentación, no ya de replantearnos ese mismo lenguaje, si no de percibirlo desde un prisma distinto, desde una distancia tanto exterior como interior que nos de una nueva visión del conjunto. Quizás por eso, los que estamos más en contacto con un medio, tendemos a apreciar el metalenguaje en él. La película de Iván Zulueta habla sobre eso, sobre el ser humano fagocitado por un invento tan cautivador pero del que aún tan poco comprendemos como el cine. En ella, se nos narra la historia de José Sirgado, un cineasta de serie B patria en algún punto indeterminado entre Piquer Simón y Jorge Grau, y de sus principales adicciones, que incluyen la heroína, su amada Ana y como no, el cine, al que hasta entonces no había intentado ver más allá. Es entonces cuando recibe el último testimonio de Pedro (mitad alter ego de Zulueta, mitad el 'otro' Pedro emergente en los 80), un extraño cortometrajista al que conoció en la preproducción de su anterior película, y que aparte de sentir una inquietante fascinación por capturar la realidad en 8mm. es capaz de ejemplificar sus deseos a través de juguetes infantiles materializados de nuevo. Pedro es una víctima que tratando de descubrir una verdad más allá de la sábana (tanto de la cama como la que forma su improvisada pantalla de proyección) cae presa de las modas, de vanguardias autoimpuestas y de convertir su propio discurso en excusa y no en un fin. Ese dolor le autodestruye, con lo cual sólo se puede ver renacido en los fotogramas rojos, ese instante de 'arrebato', mágico, que su cámara ha podido captar. Arrebato es una invitación a otro tipo de cine y a otra manera de hacer, ver y pensar las cosas; y ahora que películas como Zodiac, Death Proof o Ratatouille aprovechan su sutil 'cine dentro del cine' para replantearse la imposibilidad de comprender las limitaciones del lenguaje en su totalidad, es un buen momento para dejarse arrebatar.

'Avant Pétalos Grilllados': 11 Nominaciones a los premios Edison

2007-08-16T14:21:00.000+02:00

Ya se ha dado a conocer la programación y las nominaciones del II Festival de Cortometrajes de El Escorial, a.k.a. Escorto, con una sorpresa mayúscula: los dos cortometrajes más nominados son, por este orden, "Avant Pétalos Grillados" de Velasco Broca, con 11 nominaciones a los premios Edison, y "Traumatología" de Daniel Sánchez-Arévalo, con 9 formas de optar a la preciada estatuilla diseñada por Alfredo Lloréns.

Todo esto resulta muy interesante, en primer lugar pone de manifiesto algo que, le pese a quien el pese, es de una obviedad aplastante: Escorto ha proclamado a los cuatro vientos ser un festival de cortometrajes con intenciones de ser referente nacional en su campo, y en lugar de optar por la salida fácil, erige como principal bandera un cortometraje de corte experimental, sin grandes apoyos ni rostros famosos, me atrevería a decir que sin rostros en absoluto. Y la conclusión es clara: hay que tenerlos cuadrados. Escorto ha preferido el carácter a la salida fácil, y aunque no depende exclusivamente de ello, veremos que respuesta se le da.

Tampoco es menos cierto que "Avant Petalos Grillados" no es un cortometraje que salga de la nada: su Gran Premio del Jurado en Slamdance o su presencia en la Quincena de Realizadores de Cannes podrían parecernos suficiente motivo de glamour como para que el riesgo no fuese tal. Pues se equivocan, ea. Hablamos de un cortometraje sin linea argumental definida, en blanco y negro y donde las únicas palabras reconocibles son una charleta en italiano y fuera de campo. un cortometraje con extraterrestres que planchan la ropa. Podrían darle el Príncipe de Asturias y seguiría siendo igual de difícil que la gente, y esto va por los seleccionadores de festivales, seguría sin aceptarlo. No es fácil.

En el otro lado del especto se encuentra Sánchez Arévalo, que ya no tiene que demostrar nada a nadie y se embarca en un cortometraje por puro placer, eso sí, con Kimuak ejerciendo del eficaz padrino que ha ido demostrando ser. La obra de Arévalo carece de los silencios de la de Broca, se centra mucho más en personajes e historias que la antinarrativa del autor de "La costra láctea". Y ahí está, a la vista, que dos obras tan dispares y de tan distintas fuentes pueden convivir sin problema alguno, lo extraño es que se les permita competir en igualdad.

Plato nuevo, receta vieja

2007-08-16T08:57:00.001+02:00

Llego tarde y tampoco traigo nada nuevo: Ratatouille es una delicia. Una optimista y densa metáfora sobre el arte, que habla de la inspiración (encarnada en ese adorable 'minichef'), la obligación para el público, las distracciones e impedimentos (esa familia y ese romance), el objetivo crítico (que, al contrario de La joven del agua, se permite cederle una silla al crítico, e invitarlo a participar desde la perspectiva de un niño, libre de las barreras conceptuales que se interponen entre el placer y su juicio) y como no, la subjetividad como punto y final en la frase "Esta historia la cuento mucho mejor yo". Brad Bird marca su tercer gol destilando ese aire clásico de lo que está bien hecho sin discusión, esto es, aún no he conocido a nadie que no haya salido terriblemente contento de esta película. Y eso que se permite algún homenaje a Oskar Fischinger poniendo luz, color y sonido al sabor en un ejercicio de sinestesia admirable. Si hay que buscarle error este es en su público: no es, ni mucho menos, una película para niños; tan llena de matices y tan poco concesiva con el público infantil, puede resultarles aburrida a los más pequeños de la casa. Y no deja de ser curioso que, en su concepto de adoración clásica, incluso rozando el tópico parisino y pasando por el filtro Disney, Bird se atreva a lanzar uno de los más arriesgados y temidos mensajes que se le puede lanzar desde un lenguaje sobre otro: "Haz la misma receta, pero pon tu propia salsa".

Interludio: David Sylvian

2007-08-10T18:45:00.000+02:00

Volvemos el miércoles. Hasta entonces, déjense seducir.

La novedad de siempre

2007-08-08T12:26:00.001+02:00

Leo, en una de las múltiples entrevistas que, con motivo del estreno de "Planet Terror", se le han hecho a Robert Rodriguez, que sólo hace el cine que a él le gustaría ver. Bendita exclusiva. ¿Hay afirmación más vacía? ¿Que director de cine que goze de un mínimo de libertad creativa no hace el cine que le gustaría ver? ¿Porqué se usan esos términos con directores para el gran público? ¿o es que Haneke no hace el cine que le gusta?

La verdad es que ya de por sí una entrevista a Rodriguez es algo totalmente inocuo, el entrevistador se pasa de listo mencionando a Carpenter en cada nueva pregunta y Rodriguez responde con sosería, contento de su película y de la protagonista y pareja del director, le neumática Rose McGowan. Nadie le pregunta a Rodriguez las implicaciones narrativas de una elipsis como el "rollo perdido" (desoprevechado en su película en relacción a un chiste de guionista vago), nadie se atreve a preguntarle el porqué emular el cine de serie B con efectos digitales y cameos famosos, nadie se atreve a plantearle el motivo por el cual realizar un "homenaje" a cierto tipo de cine desde la parodia y la exageración y no tratando de captar un espíritu, un contexto, la magia de las sesiones dobles. ¿Porqué no detenerse a reflexionar sobre si el experimento Grindhouse es realmente un intento de resucitar viejas fórmulas reinterpretadas o una simple excusa para colarnos productos de baja estofa?. Pues muy simple: porque el periodista considera que un producto de entretenimiento no puede ser juzgado al mismo nivel que una cinta de arte y ensayo. Planet Terror es entretenida, sí, tambien es olvidable e intrascendente, y además está muy por debajo de cualquier película que haya referenciado en su metraje, pero no por ello se debe eludir el análisis de la misma. En una escena de la película, Rose McGowan se pone de pie, con su metralleta por pierna, explosiones que nadie sabe de donde salen a su espalda, y ella se pone unas gafas de sol, sólo durante un plano, para inmediatamente quitarselas, nadie sabe porqué. Quizás, si comprendiesemos que impulsa a Rodriguez a este exceso con poca gracia, podamos comprender en que falla.

Anti-Trífidos en Acción

2007-08-06T09:49:00.000+02:00

Gracias a una recomendación de Vigalounge, he descubierto la miniserie de la BBC "El Día de los Trífidos", inspirada como no, en la genial novela de John Wyndham, autor tambien de "Los cucos de Midwich", de donde surgieron la(s) pelicula(s) de "El pueblo de los malditos". La novela ya había gozado de una encarnación audiovisual homónima en 1962 tambien conocida como "La semilla del espacio", y guarda más de un sospechoso parecido argumental y estructural con "28 días después".

La series es recomendable, no sólo por el poco tiempo que consume (6 capitulos de 20 minutos, esto es, un total dos horitas) si no por como resuelven asuntos tan evidentes como la falta de medios en una miniserie de ciencia ficción de 1981. El primer episodio nos presenta a Bill Masen, biólogo estudioso de las mortíferas plantas, acostado en una habitación de hospital con una venda sobre los ojos... y gran parte de la acción del capítulo tiene lugar entre esas mismas paredes, haciendo de sus declaraciones en voz alta, los efectos sonoros y los (leves) moviemientos de cámara, toda el transcurso de la historia, aderezado, eso sí, con algún flashback bien integrado. Vamos, no pierdan el tiempo, que pueden verla por aquí.

Spidercerdo, Spidercerdo..

2007-08-01T08:39:00.000+02:00

Poco o nada voy a comentar de la película de "Los Simpsons" que no se haya dicho ya: sí, vale, que salte el tópico de 'es un capítulo alargado', ¿desde cuando eso es despectivo?. Es un capítulo de 90 minutos, con un humor más directo que en la serie y que mezcla las últimas 18 temporadas en un relato épico con una salvaje crítica política, y que marca un antes y un después en la serie, que a la vista del final del largometraje, incorporará personajes nuevos y se ha deshecho de alguno viejo. Es la parte en Alaska bastante aburrida y redundante, pero el conjunto aprueba con nota.

Sin embargo, quiero señalar dos gags que me llamaron poderosamente la atención por la capacidad de síntesis de la condición humana en dos bromas aparentemente muy simples, a saber:

Vemos las entradas de La Iglesia y el bar de Moe, de cada uno de esos locales salen gente a la puerta para ver lo que ocurre, al descubrir la amenaza, los feligreses entran en el bar y los borrachos en la iglesia. Uno siempre se arrepiente de lo que ha dejado de hacer.

Un hombre anónimo se debate entre quedarse fuera de la cúpula y ser libre o dentro y con su familia y amigos, su indecisión hace que termine siendo aplastado por la cúpula, ni dentro ni fuera, muerto cruelmente.

Y sale Bart en bolas y el Spidercerdo. ¿Que más quereis, panda de fans lloricas y protestones?. Remito de nuevo al blog de Casciari, que dice verdades como puños, para ver con que terrible frecuencia nos quejamos por vicio. Y sí, no nos vamos sin olvidar que "Los Simpson. La película" juega con ventaja, pocas películas de animación cuentan con casi 20 años de promoción e implicación emocional con los personajes como esta. Y si no, recordar esos dos filmes a revindicar que son "South Park: más grande, más largo y sin cortes" y "Beavis & Buthead recorren América". ¡Y a disfrutar como un niño!

Huérfanos (Actualizado)

2007-07-31T08:53:00.000+02:00

(1918 - 2007)

"La vida es una ininterrumpida e intermitente sucesión de problemas que sólo se agotan con la muerte" - Ingmar Bergman

(1912 - 2007)

"Los científicos han llegado a la luna, y aún seguimos viviendo bajo los preceptos morales de Homero" - Michelangelo Antonioni

Rubia de verano

2007-07-30T08:33:00.000+02:00

La verdad es que si algo ha traído internet es un exceso de información que resulta bastante molesto. Me refiero, como no, que hoy en día es imposible ir al cine y sentarse a ver una película de la que no sabes absolutamente nada, encontrarse una serie nueva en televisión que no hayas visto en V.O. o leer un cómic sin haber sido víctima de "previews". Por eso me sorprende que mi encuentro con Adrian Tomine sea tan fresco: llegué virgen a su mundo y salgo confundido. Es la lectura de "Rubia de verano", que llegó a mis manos por casualidad el pasado fin de semana.

"Rubia de verano" es la recopilación de cuatro historias cortas que tienen en común personajes incomunicados, marginales y condenados, rodeados de una sociedad hipócrita de la que no pueden salir. El estilo de dibujo de Tomine es una delicia de lineas claras, fondos realistas y rostros inexpresivos, y las propuestas desde las que arrancan sus historias son geniales. Quizás lo que más me llame la atención sean los abruptos finales, no sé si por profundizar más en esas desasogantes vidas o simplemente porque se le acababa el papel, lo cierto es que el estado de confusión en me quedé al término de cada historia me hacía pensar que los personajes de Tomine son más reales de lo que imaginamos, que la vida de los mismos tiene continuación más allá de esas páginas, y sólo nos han permitido asomarnos a ella una fracción de tiempo, como los prismáticos de pago de los miradores. Ese ejercicio voyeurista está patente en la primera historia, curiosamente titulada "Alter Ego", donde un escritor presionado para sacar un nuevo éxito, decide inspirarse (de nuevo) en las situaciones y las personas de su vida cotidiana, incluso si tiene que forzar las condiciones de su entorno. Un retrato psicoanalítico que se lee con tranquilidad y frescor.

Comienza la preproducción de Santiago de Sangre

2007-07-26T10:55:00.000+02:00

El pasado martes, día 24 de Julio, coincidiendo con las vísperas de la festividad del apóstol Santiago, dió comienzo la preproducción por parte de Perro Verde Films y Black María Producciones del cortometraje "Santiago de Sangre". Se trata del nuevo proyecto del director F. Calvelo ("Con tu cara", "Crisálida", "Go' el") a partir de un guión de Raúl Valcárcel, la historia tiene lugar en la ciudad de Santiago de Compostela, con una estética fuertemente inspirada en los dibujos del ilustrador japonés Suehiro Maruo y en la arquitectura de la ciudad gallega. Recientemente, el proyecto ha recibido el apoyo de la Xunta de Galicia a través de una ayuda económica de la Consellería de Cultura e Deporte. El rodaje tendrá lugar antes de finalizar el presente año, en formato de alta definición y posterior kinescopado, y actualmente se encuentra en la búsqueda del reparto principal y equipo técnico.

Ecos de la noticia:

Fermat, genio y figura

2007-07-24T09:30:00.001+02:00

¿Se imaginan tener en jaque a todos los matemáticos del mundo durante 350 años?. Pues eso hizo Pierre de Fermat, cuando, intentando demostrar que "no es posible expresar un cubo como la suma de dos cubos y en general cualquier potencia mayor a dos como la suma de dos potencias iguales"... se le acabó el papel. Lo grave no es que quedase sin demostrar, si no que lo último que puso Fermat en su cuaderno fuese: "Poseo una demostración maravillosa pero no cabe en este espacio". No fue hasta 1997 cuando Andrew Wiles consiguió demostrarlo tras 130 páginas de cálculos.

La anécdota es bastante famosa y seguro que ya la conocían, lo interesante de la misma es la inteligente jugada de Fermat: este plantea una teoría para la cual, probablemente no tuviese demostración, finje que realmente la tiene pero que no puede enseñarla y con ello, incita a otros a buscarla. Tanto en este caso como en cualquier otro y en cualquier otro campo, tendemos a infravalorar al que llega después, como Wiles, en función de quien puso la primera piedra, como Fermat, aunque esta no significase demasiado. Esa mitificación del pionero ha llevado por ende, a pensar que aquello que aparece a posteriori es inferior por el simple hecho de venir después, sin tener en cuenta que quizás, sólo quizás, el pionero no tenía la clave. Por eso me asusta cuando la gente ve el trailer de "La habitación de Fermat" las enojosas comparaciones con "Cube" o "La Huella"...¡como si eso fuese algo malo!. El cine poco tiene que ver con las matemáticas, curiosidades fractales como "Primer" aparte, y por ello no es una ciencia exacta, asi que cuando uno escucha alabanzas al nuevo proyecto de J.J. Abrams por su original premisa pero echa pestes sobre "Rec" de Jaume Balagueró y Paco Plaza, es que aquí algo falla. Y es una cosa que si podemos aprender de las matemáticas, es que no hay una única solución para cada problema... excepto para los sistemas compatibles determinados... err... olvidad lo que he dicho, lo importante no es tanto la solución como el método para llegar a ello, y estos, son infinitos.

Bailando con zombies

2007-07-23T18:46:00.000+02:00

Pocos proyectos actuales me parecen tan interesantes como la original Zombie Western: la leyenda del carnicero oscuro, cuya web oficial acaba de ser abierta. Una historia ambientada en el Salvaje Oeste que combina humor políticamente incorrecto, gore y elementos fantásticos y de spaguetti western con animación por marionetas. Probablemente lo más parecido a la irreverencia de Meet the Feebles o Team America que podamos ver por estas latitudes.

Dirigida por Juanjo Ramírez ("Gritos en el pasillo" a.k.a. La peli de los cacahuetes) y Tor Fruergaard, se trata de una coproducción hispano-danesa de la que ya he tenido oportunidad de leer el guión y ver algunos bocetos previos que no tienen nada que envidiar a la obra de David Hartman, y hablo con el corazón en un puño cuando me lanzo a recomendarla aún sin haber empezado el rodaje, pues no puede dar mejores pálpitos: todo un espectáculo SamRaimiano de cine de aventuras, humor y terror transparente y sin artificios. Con marionetas. A ver quien les da más.

Fluyan mis lágrimas, dijo el espectador

2007-07-21T14:25:00.000+02:00

Me resultaría difícil elegir mi adaptación favorita de la obra de Philip K. Dick a la gran pantalla, lo que no me costaría nada es señalar la peor: "Next" de Lee Tamahori bebe tan directamente de todos los defectos del cine de los últimos 15 años que parece intencionadamente mala.

Pero dejando a un lado su penosa calidad y que es bastante ligera y entretenida, lo realmente irritante es porque es necesaria venderla con el nombre del autor de "Una mirada en la oscuridad". Supuestamente, la película protagonizada por Nicolas Cage, es una adaptación del relato corto "El hombre dorado", publicado en Abril de 1954 en la revista "If", pero compararlos resulta harto vergonzoso: donde el protagonista del relato era un mutante de color dorado con un instinto de supervivencia hiperdesarrollado, "Next" tiene a un mago de Las Vegas que ve el futuro y tiene ideas románticas sobre el destino; donde un grupo gubernamental se enfrentaba a la amenaza de un evolución del género humano llamada homo superior, aquí el peligro son terroristas... franceses... con una bomba de fabricación soviética; donde la resolución final del relato era un desesperante viaje hacia el abismo, aquí es una repugnante mezcolanza entre "Femme Fatale" y "Dejá vù". Cabe preguntarse si no tendrían este guión por ahí escrito y decidieron otorgarle el "mérito" de la premisa a Dick con la intención de poner en los posters "Del autor de Minority Report".

Scott Walker: El cantante que vino del futuro

2007-07-20T12:16:00.000+02:00

Scott Walker es uno de los cantantes con más experiencia y talento de... de la historia, venga. Un hombre que nace como un Nino Bravo cualquiera en los Walker Brothers y hoy por hoy se abandona a mesmerizantes ejercicios como este.

En plena efervescencia del documental y de retomar los mitos musicales (que se lo pregunten a Bob Dylan o Leonard Cohen), tambien ha salido este documental, titulado "Scott Walker: 30 Century Man".

Un anuncio importante: este blog aumentará su ritmo de posteo este verano en decrimento del tamaño de cada artículo, aunque esperamos no de la calidad. El objetivo es darle una mayor información en el menor tiempo posible, agilizando el conjunto. Asi que ya sabeis, sed rápidos.

Análisis plano a plano: Paranoia Agent (incluye Bonus Track)

2007-07-16T09:37:00.000+02:00

"Ellos son felices y tú no"

Tendemos a quedarnos con lo más superficial del cine, en ocasiones, pasan ante nosotros, muchas escenas desapercibidas que no sabemos apreciar porque no somos conscientes del trabajo que hay detrás. Cada vez que una escena nos provoca algo, esto es consecuencia de una enorme y calculada labor, pues en esta profesión pocas son las cosas que se dejan al azar, cada sensación viene provocada por una concatenación de planos específica, medida y prevista, que producen la reacción adecuada. Para ejemplificar este proceso, he decidido hacerme valer de un ejemplo: el segundo ataque del Shounen Bat que se produce en el primer episodio de la serie de Satoshi Kon "Paranoia Agent". Sí, no deja de ser curioso que hablando de cine elija un producto televisivo, y para mayor ironía, un producto animado, donde se suele tener por principio que los planos son más simples de realizar al no haber limitaciones físicas, si no mero dibujo, un error muy común que le resta el verdadero valor a la animación actual. Por eso, por ser un ejemplo totalmente extravagante, me parece el más indicado, pues, si se cumple en este caso, que menos que en secuencias mucho más propicias al ejemplo.

Pongamonos en situación: Paranoia Agent comienza con Tsukiko Sagi, la diseñadora de un popular personaje convertido en peluches, llaveros y marca de ropa, una perrita rosada de nombre Maromi. Ante las envidias provocadas y la presión de repetir el éxito, de vuelta una noche a su casa, es supuestamente atacada por un chico con patines dorados, gorra y un bate de béisbol, la agresión la libera en principio de su estrés, pero la noticia corre como la pólvora y el Shounen Bat ("Chico del bate") se convierte en una leyenda urbana. Kawazu, un periodista interesado en el caso, persigue a Tsukiko a la espera de información confidencial. Y aquí es donde empieza nuestra escena:

Plano 01: TSUKIKO huye por la calle de noche. Plano Americano (corta el cuerpo del personaje por debajo de la rodilla, sin ser completo). La muleta impide que su caminar sea más rápido, lleva, asomando en su gigantesco bolso, el muñeco que ha creado y que le ha supuesto tanto el éxito como la envidia de sus compañeros.

Plano 02A: Plano detalle de la mano sujetando la muleta (y un pañuelo envuelto en el mango) mientras huye, pero….

Plano 02B: Sin cambiar de plano, vemos que de repente, TSUKIKO suelta la muleta. Intuimos que se ha tropezado con algo. En el mango de la muleta ya no vemos el pañuelo.

Plano 03A: La muleta golpea en un charco del suelo.

Plano 03B: El pañuelo (que ahora vemos, tiene el rostro del personaje creado por TSUKIKO) cae en pleno charco. Mojandose y quedando inservible. Un objeto protector (contra la rozadura del mango) es perdido. Antecedente de un posible ataque que crea tensión en el espectador, que, inconscientemente, ya espera que suceda algo desde este mismo instante.

Plano 04: TSUKIKO toma aliento en el suelo, este es el primer momento en el que sí vemos claro el tropiezo que antes intuimos: está en el suelo, luego debe haberse caído. La muleta está por delante de ella, la perspectiva nos engaña haciendonos creer que la muleta está doblada de forma extraña. ¿Con que ha tropezado TSUKIKO? Los ojos de TSUKIKO y del muñeco en su bolso se dirigen al mismo punto: el pañuelo. Ha ido a caer justo en la única zona mojada que vemos cerca.

Plano 05: Otro plano del pañuelo que enfatiza su inutilidad tras la caída. El pañuelo mira de forma inversa al espectador, pero tambien apunta a la dirección, junto con la mancha de agua de la parte superior derecha de la pantalla, al lugar donde se encuentra, fuera de campo, TSUKIKO.

Plano 06: TSUKIKO mira al pañuelo, es un primer plano ligeramente largo. Su atención al pañuelo la distrae de los peligros a sus espaldas. Tambien se enfatiza la emoción de pérdida.

Plano 07: TSUKIKO se pone en pie al oir a KAWAZU, KAWAZU viene a lo lejos, sin correr, no tiene prisa, está muy relajado en comparación a TSUKIKO. Su seguridad y confianza en poder hablar con TSUKIKO tambien nos pone sobre alerta. TSUKIKO huye dejando el pañuelo atrás, no responde ni se da la vuelta.

Plano 08: KAWAZU en plano medio (desde la cintura). Camina relajado y continúa intentando convencer a TSUKIKO.

Plano 09: Primer plano lateral de TSUKIKO huyendo. Preocupada. Muy cerrado y tenso.

Plano 10: KAWAZU se detiene, el espectador se pregunta porqué, que ha llamado su atención. ¿Qué está mirando?.

Plano 11: La respuesta es, obviamente, el pañuelo. Sin embargo, no es el mismo plano que antes: ahora la marca del agua señala en dirección superior izquierda, el plano es más cenital (desde arriba) y parece devolverle la mirada a KAWAZU.

Plano 12: De repente, un cambio brusco. Un salto de eje que cambia la dirección de la acción (en este caso, la huída) poniendo a TSUKIKO moviendose de derecha a izquierda, al revés de cómo lo estaba haciendo. El plano es incluso más cerrado que antes, ya que ahora ni siquiera se le ve la boca. De nuevo, el espectador intuye que algo va mal.

Plano 13: KAWAZU recoge el pañuelo mojado, se agacha y, al igual que TSUKIKO, descuida sus espaldas. Sin embargo, no se nos muestra su rostro y la atención se centra en el pañuelo mojado. En este caso no hay una emoción en respuesta al pañuelo, como es el caso de TSUKIKO, aunque KAWAZU sienta curiosidad, en realidad su gesto es indiferente por lo que la ausencia de respuesta emocional en su rostro no nos preocupa.

Plano 14: Plano igual de cerrado que antes, aunque más bajo. Ahora si vemos la boca y hemos recuperado la linea de acción anterior.

Plano 15A: Plano detalle del muñeco dando botes en el bolso durante la huída, es un plano más abierto y pausado, aparentemente más tranquilo hasta que…

Plano 15B (mi favorito): ¡Los ojos del muñeco miran hacia atrás! ¿Se han movido por los botes o realmente ha “cobrado vida” por una milésima de segundo, mirando hacia atrás? ¿Qué hay detrás de TSUKIKO?. Es, indudablemente, una señal de peligro, pues la atención del espectador se centra en algo fuera de campo que se sitúa detrás de un personaje que huye. ¡Y lo ha hecho con un objeto inanimado! Comparado con el Plano 15A, el muñeco está más cerca, por tanto, el plano, aunque no ha variado de tamaño, asemeja más corto al variar las proporciones del objeto del plano detalle. Es la última alerta al espectador: hay un peligro.

Plano 16: De nuevo, el cambio de linea de acción, aunque en este caso guarda concordancia con la linea de acción del plano 15. Ahora el plano tiene otro significado: no es la preocupación de TSUKIKO por huir, que se mantiene en el personaje, si no que ella no sabe que puede haber algo peligroso detrás de ella. Así, el espectador intuye un peligro que el personaje principal desconoce, a eso se le llama “suspense”.

Plano 17: Volvemos a KAWAZU y el pañuelo, su gesto socarrón contrasta con el peligro que aparentemente persigue a TSUKIKO.

Plano 18: Un inserto de tan sólo unos fotogramas, casi subliminal. Una sombra desconocida en el suelo. El peligro ya está aquí y es real. TSUKIKO está en apuros…

Plano 19: …o no. KAWAZU se da la vuelta.

Plano 20: El chico del bate provoca la esperada agresión.

Plano 21: El bolso de TSUKIKO cae.

Plano 22: TSUKIKO está en el suelo, ha tropezado, de nuevo, el muñeco mira fuera de campo. No hay nadie detrás de TSUKIKO ni parece que haya sido atacada.

Plano 23: Encadenado al rostro de TSUKIKO en primer plano.

Plano 24A: La sombra del Shounen Bat se refleja sobre el muñeco, que lo mira fijamente. El Shounen bat está delante de TSUKIKO.

Plano 24B: La cámara sube para mostrarnos que, efectivamente, se trata del Shounen Bat.

Plano 25 y 27: TSUKIKO lo mira, ¿asustada o incrédula?

Plano 26: Shounen Bat sonríe. “Ya estoy en casa”.

Plano 28: El Shounen Bat huye.

Plano 29: TSUKIKO lo mira alejándose.

Y ya está. Eso esto todo. Kon ha tenido que pensar (y justificar ante dibujantes y animadores) cada plano de esta secuencia con argumentos similares, y es que nadie dijo que esto fuese fácil. No se si hacer esta sección de análisis plano a plano como fija, de vosotros depende.

Bonus Track doble:

1) Como no, aquí os dejo la secuencia original para que podais verla en toda su gloria. Observad como el sonido y el montaje rápido (¡la secuencia no dura más de un minuto y medio! ¡3 segundos de media por plano!) intensifican las mismas sensaciones que los planos, por sí solos, ya producen.

2) Paranoia Agent reinterpretada en plan indie pop cañí, uno de los Openings más aterradores que he visto nunca con una música no menos irónica y siniestra. La combinación de música e imagen tan distintas y distanciadas en tiempo y espacio cuadra como un guante de seda forjado en hierro, con ustedes, Paranoia Astrud.

Ya era hora de un post ligerito...

2007-07-13T14:09:00.000+02:00

...o no tanto. La reciente entrevista donde cito a M.A. Martín, asi por la recuperación por mi parte de "Brian the Brain" en su nueva reedición de La Cúpula, me han recordado el cortometraje de Borja Crespo, que hasta hace muy poquito, permanecía casi escondido. ¡Y pensar que hubo un tiempo en que se distribuía en máquinas expendedoras en el mítico Café Macondo!. Supongo que los que desconocen la obra de Martín me entenderan muchísimo mejor al visionar este cortometraje.

Entrevista de David López

2007-07-11T10:24:00.000+02:00

Entrevista realizada por David López con motivo de la organización del Festival de Cortometrajes de El Escorial Escorto 2007, dicha entrevista ha sido publicada íntegra en el blog de cortometrajes El Zoom Erótico.

- Henrique, ¿cómo surge en un informático el interés por la realización audiovisual?
Realmente la pregunta debería ser: ¿Cómo surge en cualquier persona el interés por la informática?. Ahora lo considero un inframundo nerd, pero siempre me han interesado las nuevas tecnologías y en especial, las orientadas al ocio y el entretenimiento. Los videojuegos, vaya. Di algunos pasitos para crear mis propias historias interactivas virtuales apoyándome en que era un trabajo mejor visto y de mayor necesidad que algo, en apariencia más banal y prescindible que el cine, pero corregí trayectoria a tiempo y me tiré a la piscina sin ver si había agua. Si no lo hubiese hecho, es probable que hubiese acabado sentado en una mesa de oficinista, delante de un ordenador… err… bueno, como estoy ahora mismo. Olvídalo. Dejémoslo en que cambié lo que me convenía porque lo que me gustaba, y me ha salido mejor de lo que me esperaba. Estoy contento y espero no tener que volver a compilar el Kerner “nunca máis”.

- ¿Qué nos puedes contar de tus primeras experiencias fílmicas?
Creo que la primera película que vi fue o “El libro de la selva” o “Fantasía”, lo cual es curioso, porque ahora trabajo para una empresa que produce animación y he escrito una tesis que relaciona a Oskar Fischinger con el vídeo clip moderno. Sin embargo, creo que nunca me interesé demasiado por el cine hasta hace muy poco, yo en realidad quería ser guionista e ilustrador de cómics, me sentía muy influenciado por autores como Miguel Ángel Martín, pero si hubiese seguido ese camino, probablemente hubiese acabado tirado en una bañera, con la barriga hinchada de antidepresivos y una bolsa de plástico alrededor del cuello. Como tanto el cine como el cómic no dejan de ser lenguajes visualmente secuenciales, se puede decir que llegué de rebote, una vez pasado el periodo de crisis informático. Es que la literatura cyberpunk engaña mucho.

De todas formas, nací el día que se estrenó “El color del dinero”, mi madre insiste en que ponían “Centauros del desierto” en la tele aquel día y consumí mucho cine del videoclub de mi casa: sobre todo películas de artes marciales, gore o ciencia ficción, y gracias a esa maravilla autonómica que es la TVG (Televisión de Galicia) podía encender la televisión a cualquier hora y encontrarme con un western de Leone, Ford, Mann o Hawks. Aun así, nunca me preocupó la película más allá de la historia que contaba o lo que conseguía abstraerme con ella, ni siquiera los nombres de los actores y mucho menos los directores, recuerdo que “Parque Jurásico” me volvió loco mucho tiempo pero probablemente hasta “Gattaca” de Andrew Niccol no empecé a notar que la cámara se movía o que no estaba ahí porque sí. Suelo bromear con mi etapa de informático pero le debo algo a aquellos años: los aproveché como nunca para hartarme de ver y leer sobre cine, tanto, que abandoné el mundo del cómic y no ha sido hasta hace un año y medio cuando he vuelto a recuperarme en ese campo. Lo siguiente fue plantearme hacer cortometrajes y… aquí estamos.

- Descubrimos, por otro lado, tu faceta como escritor tanto para fanzines como para webs especializadas como El Zoom Erótico y Séptimo Vicio. ¿Qué te apasiona de la laboriosa crítica cinematográfica?
Podría decirse que es debido a una búsqueda constante de una clasificación propia para un medio tan esquivo como el arte, podría decirse que lo hago para dar a conocer aquellos productos que me gustaría recomendar, podría decirse que me apasiona, que es un hobby y que es una tarea laboriosa y selecta, podría decirse…. Pero sería mentira. La verdad es que escribir es la forma que tengo de poner mis pensamientos en orden. Lo cierto es que nunca me ha gustado como escribo, empecé escribiendo relatos cortos para premios infantiles de narrativa e incluso gané alguno; ocupé el lugar de un guionista en el fanzine en el que trabajaba ilustrando monstruos lovecraftianos y lo aproveché para escribir tres cómics de ciencia ficción, luego ya me he encargado de escribir mis propios guiones, tarea que cada vez tengo más claro que se debe dejar a los profesionales en ejercicio de humildad y no hacerse pajas mentales, y finalmente, he terminado redactando notas de prensa, corrigiendo diálogos o preparando dossieres y memorias. No me interesa escribir críticas cinematográficas a nivel profesional porque no considero que lo haga tan bien como pueden hacerlo, por ejemplo, Jordi Costa, Miguel Ángel Refoyo, Sergi Sánchez o Carlos Losilla, pero tampoco es algo que descarte en un futuro.

- Has formado parte del comité de selección de la Muestra de Cortometrajes La Audiencia en Salamanca. ¿Cómo estimas la producción nacional de estos últimos años?
Deberíamos estar contentísimos: tenemos una producción muy diversa e interesante, propuestas que suplen la falta de medios con imaginación y nombres de realizadores que me he ido apuntando a razón de seguirlos de cerca en próximos proyectos. El único gran defecto del mundo del cortometraje es la ingenuidad y en ocasiones, el poco interés por sacar más partido a la oportunidad que supone hacer un corto, algo que sin duda se debe a una infravaloración del medio, pero no falta ni riesgo ni buenas intenciones. En los últimos años, una cantidad impensable de cortometrajes españoles han sido reconocidos a nivel internacional, buena muestra de su valía en cualquier mercado, si bien es cierto que en estos primeros meses del año acontece un vacío de las mismas figuras que impulsaron ese cambio drástico, preveo que no dudará mucho.

- ¿Qué es Black María Producciones?
Black María Producciones es un colectivo audiovisual que promueve el cine de autor, fantástico y/o experimental a partir de iniciativas como el Festival de Cortometrajes Marienbad o la producción de obras como “Inverso”, “Estado allí antes”, “Crisálida” o el más reciente “Go’ el”. Actualmente nos encontramos enfrascados en la preproducción de un ambicioso proyecto llamado “Santiago de Sangre”. El resto es información clasificada.

- Perro Verde Films, la productora de la curiosa “Gritos en el Pasillo”, también ha solicitado tus servicios. ¿Qué tarea desempeñas en la misma?
Principalmente, llevar las ventas y la distribución por festivales de “Gritos en el pasillo”, así como coordinamos las preproducciones de las películas “La noche que dejó de llover” de Alfonso Zarauza, “Zombie Western” de Juanjo Ramírez y Tor Fruergaard y el cortometraje “Santiago de Sangre” de Francisco Calvelo. Algo de papeleo, mensajería, redacción y muchas horas al teléfono.

- Junto a Lauva Regal te encargas, por segundo año consecutivo, de la coordinación de los spots de Escorto. ¿Cómo nace esta relación con el Festival de Cortometrajes de El Escorial?
A partir de la iniciativa de Raúl Cerezo de llamar la atención a través de sistemas de publicidad novedosos, se no ocurrió, en un principio, la idea de un spot colectivo donde varios laureados realizadores del mundo del cortometraje ponían su granito de arena y explicaban que les atraía de las historias cortas del audiovisual. Debido a la inviabilidad del mismo, se cambió la propuesta a invitar a cada uno de los realizadores de nuestra lista a realizar un spot a su gusto, que servía tanto de carta de presentación para un festival, que pretende estar cerca de los cortometrajistas como de publicidad para el propio realizador del spot, algo así como decir: “Mirad, esto es lo que hago y esto es lo que me gusta y formo parte de un colectivo tan diverso como unido”. No estábamos preparados el primer año para una respuesta masiva de tal magnitud, así que superadas todas nuestras expectativas, optamos por ceñirnos a unas bases específicas en este segundo año y dejar la convocatoria abierta a cualquiera que busque una buena excusa para coger la cámara y divertirse entreteniendo a los demás. Y además damos premio, pero eso es lo de menos ¿No?.

- A nivel profesional, creativo y personal, ¿qué te aporta este trabajo?
Mentiría si no dijese que el principal motivo es poder reunirme en El Escorial con algunos de los profesionales del medio que más admiro y poder disfrutar unos días de las obras más destacadas del año. Pero también uno alcanza la satisfacción de ver como a una simple invitación en pos de la común pasión al medio conlleva una respuesta sin precedentes. Y además, colaborar con uno de los festivales más notables de España es un privilegio.

- El pasado año la sección dedicada a los spots del festival fue todo un éxito demostrando la valía y la originalidad del proyecto. ¿Cómo valoras el trabajo y la calidad de esta sección?
Uno de los puntos más favorables de los Espots es que no hay unas restricciones severas que limiten la creatividad del realizador, creo que por ello, y por la publicidad que damos a los mismos, funciona perfectamente como una manera de que tu obra llegue a más gente, tanto a través de la red como en su proyección en el festival. Creo que una vez el realizador se da cuenta del potencial de la propuesta, se esfuerza más en demostrar todo lo que vale; y me consta que esto es así porque algún participante del pasado año ha encontrado trabajo gracias a su Espot.

- ¿Qué opinas de las propuestas presentadas por el momento para esta edición?
Que son un buen reflejo del el salto generacional que atravesamos actualmente, con toda una serie de nuevos realizadores. Y no tengo ninguna duda de que lo mejor está por llegar.

- Ambos ya sabemos lo que es vivir Escorto durante unos días. ¿Cómo recuerdas la experiencia de Escorto 2006?
“Ajetreada” es la primera palabra que se me viene a la mente, pero eso es sólo desde el punto de vista de la organización, “disfrutable” es la segunda palabra. Lamento no recordar bien quien lo dijo, en la resaca de crónicas del festival, pero la frase en sí es la mejor comparación posible: “es como irse de campamento con tus futuros directores favoritos”. Que todos queramos repetir y estemos luchando por que sea más grande aún, es la mejor garantía de ello. E invito a todo el mundo a unirse.

- ¿Cómo recomendarías a cualquier hijo de vecino la asistencia obligada al festival?
Ya sólo la localidad de El Escorial merece la pena, pero si además quiere conocer y descubrir historias y personajes que no podrá ver de otro modo, es indispensable acudir. Lo maravilloso del cortometraje es que al no tener un mercado rentable, no está limitado a una comercialidad expresa, lo cual permite arriesgar más y buscar nuevas e interesantes propuestas.

- Nada más por mi parte. Puedes añadir lo que quieras.
Pues no pensaba hacerlo, pero con tu permiso, aprovecho la oportunidad para denunciar el trato que Planeta DeAgostini le está dando a la serie regular de Batman, mezclando el “Batman e hijo” de Grant Morrison con un número auto conclusivo de “Detective Cómics” de Paul Dini. ¡Que ignominia!.

- Gracias Henrique, nos veremos, una vez más, en Escorto.
Gracias a ti, David. Y claro que nos veremos, nos veremos TODOS.

La autocensura de lo politicamente correcto

2007-07-09T10:13:00.000+02:00

Recientemente, he tenido la oportunidad de ver el interesantísimo documental "El Celuloide oculto", dirigido por Robert Epstein y Jeffrey Friedman. Dicho documental, aunque se centra en el tratamiento de los homosexuales en el cine norteamericano, tambien trata profundamente un tema bastante curioso: la autocensura.

En 1934, ante la insistencia de ciertos colectivos estadounidenses que amenazaban con boicotear las películas "impúdicas", se puso en funcionamiento el llamado Código Hays, donde quizás su repercusión más notoria fue el apartado donde se condenaba cualquier ensalzamiento de un acto criminal, que propició toda esa serie de films noir donde el culpable acababa pagando por sus crímenes, aunque fuese con un giro de guión metido con calzador. Tambien vetó las películas extranjeras que no se atenían a su código moral (es decir, todas), todo ello bajo la atenta mirada de Will Hays, miembro del partido Republicano y de la desde entonces temible MPAA, la asociación de productores que "toma" la responsabilidad de velar por nuestra salud mental. Otro de los censores de la época fue el temible Joseph Breen, que se permitía cambiar guiones a su antojo. El documental es optimista, y termina mostrando como poco a poco, gracias a la inteligencia de guionistas como Gore Vidal, se saltaron las normas hasta alcanzar una libertad absoluta con ciertos tabúes, lo cual propició movimientos tan interesantes como el queer cinema. Y una vez más, nos hemos librado de los malos y el mundo vuelve a ser un lugar libre...

....pues no. Ahí teneis la reciente polémica con "Manhunt 2", un videojuego prohibido porque su violencia es demasiado "real" para los que cortan el bacalao; claro que los teledarios no deben de serlo. O quizás el caso más grave ejemplificado en un mito del cine de acción: John McClane no puede decir su "yipiyajei, hijo de puta" si desea tener una calificación de la eterna MPAA que te permita estrenar en las suficientes salas como para ser el taquillazo que esperas. Más que censura se convierte en chantaje, y si creeis que esto solo pasa en el extranjero, estais muy equivocados: a la mínima, y como bien contaba Casciari, sale el meapilas de turno sin nada mejor que hacer que sentirse ofendido.

Pero el problema no es el que ve un ataque en todo lo que le rodea, porque al fin y al cabo, imbéciles los hay en todas partes, de cualquier condición, raza, sexo, edad o religión. Lo verdaderamente preocupante es el momento en el que el intelectual se pregunta si debe o no debe poner algo por miedo a la repercusión. Y lo triste que resulta caer en ello, con la provocación como una herramienta de marketing más, condenados a ver productos insulsos en pos de lo políticamente correcto, entiendase: el encefalograma plano de las buenas maneras.

El cuaderno de la muerte

2007-07-01T01:20:00.000+02:00

La semana pasada tuvo lugar uno de esos acontecimientos de la historia de la televisión, que cada vez tiene menos presencia gracias a la enorme diversidad y oferta tanto de series como de medios para verlas; hablo de un acontecimiento similar a Diana comiendose una cobaya en "V" o el descubrimiento del asesino de Laura Palmer en "Twin Peaks". Efectivamente, vamos a hablar de una vez de "Death Note". Y sin spoilers.

Quizás no sea la más popular serie de animación de Japón, pero sin duda es la más inteligente desde que Urasawa nos dejó huérfanos de "Monster": cada capítulo de "Death Note" equivale a descubrir por primera vez "La Huella" de Mankiewicz... si la hubiese dirigido un David Fincher lisérgico. Y antes de seguir, tengo que quejarme de la poca importancia que le damos al anime, tan valioso en la ficción televisiva como cualquier serie americana,el anime es un mercado mucho más diverso, amplio y vanguardista que cualquier nuevo invento de la televisión americana, aunque los prejuicios de venir de Oriente y ser "dibujos animados" (sic) echen atrás a más de uno.

¿Dios o Diablo?

"Death Note" es la historia de Yagami Light, un estudiante e hijo modelo japonés que un día encuentra un cuaderno especial, lleno de normas: la persona cuyo nombre sea escrito en el cuaderno, morirá. Light no tarda en descubrir todas las sorpresas que le depara el cuaderno y decide utilizarlo para el bien común, esto es, según su criterio, matar a todos aquellos criminales indeseables cuya mera existencia dañan la sociedad. Esa misma noche, se le aparece en su habitación un Shinigami (dios de la muerte japonés) llamado Ryuk, que le explica el uso del cuaderno, sus restricciones y normas, y le acompañará desde ese día hasta el día de su muerte, momento en el cual, será el Shinigami quien acabe con el como manda la tradición. Cuando el poder alcanzado corrompe la moral del joven Light, sus sentencias de muerte llaman la atención de la sociedad, que lo considera una figura mitica llamada "Kira", sin embargo, las Naciones Unidas no están muy de acuerdo con los ajusticiamientos de Kira y se proponen desenmascararlo. Para ello, contratan los servicios de "L", el mejor detective del mundo, cuya identidad y rostro se desconocen. Los continuos juegos mentales a gran escala y planes para desenmascarse mutuamente entre Kira y L son el principal motor de una serie que ha alcanzado los 13 tomos de manga, los 37 capítulos televisivos y va ahora mismo por su tercera película.

La justicia prevalecerá (por la fuerza)

Con un planteamiento tan prometedor solo caben esperar guiones cuidados e inteligentes, algo que se cumple con absoluta maestría, si bien los últimos episodios de la serie abusan de elipsis que no aparecen en el manga original. Lo que realmente merece la pena ver del anime, por encima del manga y sobre todo, de las feístas películas de imagen real, es su excelente realización: algunos planos entran directamente en el cine de terror y suspense más imaginativo e increíble que se ha visto en la pequeña pantalla.

La justicia prevalecerá (por la ley)

El pasado viernes contemplé paralizado los dos últimos episodios de "Death Note", la resolución final donde Kira da los pasos necesarios para cerrar la serie definitivamente, asistimos atónitos a una serie de cajas chinas donde descubrimos que nada en esta serie se ha dejado al azar o a la mera contemplación, un ejercicio de suspense ináudito que, inmediatamente, en su resolución final, atraviesa al cine de terror con el momento más inmoral de toda la serie. Mientras que la serie "Monster" de Urasawa analizaba con pulso clínico los secretos de la mente humana y sus impulsos asesinos, asi como la repercusión de estos en la sociedad, "Death Note", sin embargo, plantea una duda mucho más cruel: la de tomarse la ley por la mano y cometer asesinatos en pos de un bien común, el "nuevo mundo" al que se alude continuamente en la serie. El final de la misma no deja lugar a dudas del aterrador mensaje: necesitamos una figura dominante y aterradora como Dios para poder vivir en paz, necesitamos saber que habrá un castigo por nuestras acciones, necesitamos no ser libres para no quitarle la libertad a los demás. Y creedme, no hay ningún spoiler en mis palabras, solo conclusiones extraídas del conjunto de la serie.

¿Existe la justicia?

En cierto modo, llevo rumiando dos días ese final, que sin duda no deja lugar a interpretaciones o cábalas, pero que realmente hace plantearse hasta que punto se puede aprovechar una premisa. Digamos que el final es satisfactorio, cumpliendo las espectativas, pero tambien llega un momento en que la mente del espectador se asoma tanto al abismo que reconoce las figura en él. Volvemos pues, al ya mentado concepto de la expectación que ya tratamos recientemente en este mismo blog. ¿Hasta que punto es lícito jugar con el espectador? ¿Es decepcionante ofrecer lo que se espera o quizás hay que dar otra vuelta de tuerca?

Cabeza de turco

2007-06-27T14:42:00.000+02:00

"El auténtico autor de los cortos de Iván Zulueta"

"Vamos a ver... Al cine español no le hizo daño la españolada, le hizo daño
Franco. Joder... es que uno también empieza a estar harto... es decir, vamos a ver, los italianos no tuvieron a Franco, los franceses no tuvieron a Franco y los americanos no tuvieron a Franco. Nosotros tuvimos a Franco ¡hasta el año 75!.Hombre... es que ¡coño! También empezamos ya, hay que decir las cosas de verdad. Ese SÍ hizo daño al cine español."
"No se puede hacer cine de género de calidad sin dinero"
"Es que falta gente que lea, falta gente que sepa disfrutar de la lectura".

Escuchado hoy en la CADENA SER, en el programa "Hoy por Hoy" presentado por Carles Francino, durante una tertulia entre Agustín Diaz Yanes, Gerardo Herrero, Nacho Vigalondo y Enrique Urbizu. Y no, no se refieren a Jess Franco.

Se puede oir al completo aquí y aquí.

Smells like 90ths spirit

2007-06-24T20:31:00.000+02:00

¿Hasta que punto es libre un creador, un artista?. ¿Que límites nos autoimponemos o condicionan nuestro trabajo?. La verdad es que cuando uno ve una película es imposible abstraerse de la cantidad ingente de factores que juegan en contra de una libertad absoluta del realizador, principalmente por ese concepto de industria y el insufrible aspecto academicista de la compresión cinematográfica. Sólo sanas excepciones como Inland Empire o Takeshis' demuestran realizadores abiertos y satisfechos con una visión tan anárquica, densa y compleja como salvaje, honesta y privada.

Sin embargo la libertad del realizador y de la película van de la mano, directamente relaccionadas y conviene volver a un tema ya tratado aquí para concretar más: el valor de una película por sí misma, al márgen de un contexto o incluso de una visión generalista del cine. En este hecho, se puede discutir largo y tendido sobre Psycho, aquel remake del Psicosis de Hitchcock, que tuvo a bien regalarnos Gus Van Sant. Cabe preguntarse porqué una película con los mismos diálogos, planos y música no funcionaba igual de bien que el producto del gordo inglés. ¿Es la copia menos valiosa que el original aunque el trabajo haya sido el mismo?, ¿es víctima la cinta de Van Sant de su contexto?.

A la hora de abordar esa libertad creativa, en un mundo donde con mayor frecuencia se clasifica a los autores desde su ópera prima, subiendolos a altares y terminando como ídolos de barro, es dificil saber en que punto se puede encontrar un autor como Van Sant, siempre enfocando un cine que a veces se jacta de comercial y otras de minoritario, ese vaivén de intenciones puede resultar síntoma de una debilidad artística que no es tal, y aunque la nueva película de Van Sant viene a ser la tercera entrega de una trilogía temática comenzada con Elephant y continuada con Gerry, Last Days tiene un valor por si misma que, curiosamente, especula con conceptos sobre la libertad y el condicionamiento externo.

Last Days podría venderse como un biopic de Kurt Cobain, podría haberse metido en una campaña de festivales que justificasen al espectador dormido el ansia de verla, pero esa no es nunca la intención. No estamos ante un Ray o un En la cuerda floja pese a tratarse del biopic de un músico, está claro que a Van Sant lo que menos le preocupa es el personaje de Blake, si no las condicionesque atraviesa. Es una estrella de rock como podría ser un paleontólogo famoso: lo que cuenta no viene condicionado por el personaje, si no por las circunstancias que este atraviesa y que no tienen porqué diferenciarse mucho de las que podemo atravesar cualquiera. Por ello, como primer paso hacia la libertad, prescinde de atarse al personaje, y por tanto a una mitomanía caduca.

No es extraño que en cierto momento alguien pregunte a Blake "¿Eres libre?" cuando realmente lo que desea es saber si está bien. Se utiliza libertad como sinónimo de estabilidad y se da por sentado que existe. La historia de Blake es la de una persona que decide romper sus ataduras con los convencionalismos y trascender a otro estado; en cierto modo, no se diferencia mucho de las intenciones del nuevo cine de Van Sant, una vez alejado de los grandes estudios.

Blake camina por el bosque, se baña y duerme en él, huye al abrazo de la naturaleza cuando le reclaman y pasea por una casa vacía y destartalada, ajeno a sus compañeros. Esa catarsis musical que se da a la hora de película es una liberación completa tanto para el protagonista como para el espectador, que recibe el primer tema musical en 60 minutos como todo un acontecimiento. Para alcanzar la libertad, Blake tiene que desprenderse de todo: su paseo por la naturaleza es un viaje anti-material, su travestismo una ruptura con las condiciones morales y el pudor, el hastío por vivir que transmite cada imagen y esas secuencias cómicas que, más próximas al cine de Jim Jarmusch que a lo que la costumbre al director de El indomable Will Hunting nos ha dado, son actos ridiculos que descubren las escasas ataduras al mundo físico y lo banal de su existencia: la visita de unos testigos de Jehováh anunciando su fe ante la mirada atónita y drogada de los habitantes de la casa pone en tela de jucio la comprensión del ser humano por los asuntos metafísicos, y la absoluta ignorancia al respecto.

Finalmente la tan esperada muerte de Blake es su forma de liberarse de su última atadura, su cuerpo, trascendiendo como espíritu en medio del absurdo. Tambien es curioso como en ese momento, Van Sant cambia el punto de vista para centrarse en los compañeros de Blake; al morir el músico, sus amigos se ven obligados a evadirse, perdiendo su libertad, de nuevo se pone de manifiesto como la libertad viene condicionada por el entorno y nuestra libertad limita la de los demás.

Asi pues, Last Days se puede resumir en uno de los muchos y curiosos montajes temporales que componen esta pelicula a contracorriente: aquel momento en el que, despues de que Van Sant repita y mantenga un plano del bosque, capturando un espacio único e irrepetible del tiempo, volvemos al interior de la casa donde un detectiva habla sobre la fragilidad del celuloide y lo efímero del cine. Y es que el tiempo es uno de los factores que más juegan en contra de la libertad, y este retrato generacional es una buena muestra de ello, de una resaca de los ochenta y de la Guerra Fría y de unas juventudes desencantadas.

Atlètic Club Banyoles

2007-06-22T00:21:00.000+02:00

Mis imágenes serán cada vez más ingenuas, más simples, más rudimentarias. Para mi dentro de una imagen tiene que haber siempre ilusión, y si no la detecto es que ésta es una imagen posmoderna. Mi actitud, en cambio, será siempre la de un poeta que escribe libros de poesía (que no dan dinero ni apenas prestigio ya), que trabaja sólo para la corona de laurel, es decir, por la gloria, que cree en la gran Tradición, que quiere formar parte de ella y que sabe que sólo en relación a ella será juzgado. La vulgaridad se extenderá a todos los niveles. Los intelectuales consumirán David Lynch y el populacho Matrix y películas de acción y violencia.

- Albert Serra.
Mayo 2007.

Hombre de ciencia, hombre de fe o la sugestión del espectador

2007-06-20T14:12:00.000+02:00

"Es tu decisión, Neo"

Recientemente, ha saltado la noticia de que Dean Harner, un genetista molecular estadounidense, había descubierto un gen VMAT2 que condicionaba el grado de espiritualidad de un ser humano, y por lo tanto, su capacidad para tener "fe" o creencias sobrenaturales. Aunque no se ha enfatizado el eterno debate entre religiosos y ateos, es cierto que la reacción no ha estaod exenta de polémica, en parte por el poco criterio científico del experimento y tambien por lo aparentemente absurdo de la propuesta, y no es menos cierto que el libro de Harter está cargado de exageraciones y sensacionalismo, aunque no duda en lavarse las manos afirmando que “Las personas religiosas pueden señalar la existencia del gen de Dios como un signo más del ingenio del creador, una forma inteligente de ayudar a los humanos a reconocer y abrazar su presencia divina”. Sin embargo, lo que sí es evidente es esa dualidad entre personas con una capacidad mayor para abstraer elementos metafísicos de la realidad y personas que afirman no sentirse interesados en esos aspectos, en cierto modo, es falso: tendemos a aceptar ciertas "realidades" como ciertas excluyendo a otras, y eso es inherente al ser humano, sin embargo, en contradicción con los estudios de Harner, parece ser que esto viene más en función del fenotipo que de la genética propiamente dicha, esto es, la capacidad del ser humano para "creer" viene determinada por su educación, relacciones sociales o ambiente de crecimiento, pero lo que es evidente es que todos los seres humanos tendemos a "buscar" un camino, más o menos dificil que explique aquello que esté más allá de nuestra comprensión.

"Look in to my eyes, look in to my eyes..."

Uno de los primeros estudiosos de la sugestión fue Liébault, un hipnotizador francés influenciado por los estudios del monje portugués Abbé de Faria, y cuyas teorías quedaron inmortalizadas en los populares relatos de terror de Guy de Maupassant. Dentro de estos relatos, se tendía a someter al lector a una descripción de acontecimientos aparentemente irreales que finalmente se deducían entre lineas como sucesos fácilmente explicables, pero que el protagonista del propio relato seguía manteniendo como paranormales. Ese es el caso de "El Horla", relato donde se describe la presencia de una figura invisible que aterroriza al protagonista y que parece formar parte de una invasión panadimensional de un tipo de animal superior al hombre, aunque se deja la puerta abierta a que en realidad, el protagonista sea sonámbulo y sea el mismo quien cambie los objetos de su casa sin conocerlo.

Asi pues, la sugestión pone sobre la mesa la capacidad que tenemos para desarrollar teorías descabelladas ante hechos con explicaciones más simples pero inalcanzables en un determinado momento. El mejor ejemplo de ello es la serie de la ABC "Lost" ("Perdidos"), donde se utiliza el mismo recurso continuamente con el espectador, a partir de aquí vienen unos posibles spoilers de las tres temporadas hasta ahora emitidas, asi que si quiere ser sorprendido (o sugestionado) por la serie en cuestión le rogamos que deje de leer ahora mismo.

"El antecedente que ocasiona la expectación"

¿Estamos todos?, bien, pues empecemos por el orden de acontecimientos: en el primer episodio de esta confusa serie, tenemos a un grupo de pasajeros de un vuelo transoceánico que se estrella en una isla desierta, entre los pasajeros hay un niño, Walt, leyendo un cómic donde aparece un oso polar. Cuando algunos supervivientes se aventuran en la selva son atacados por un oso polar. En un flashback, vemos como la madre de Walt lo define como "especial" y como el chico lee un libro sobre pájaros justo antes de que un ave se estrelle contra su ventana. ¿Deducción del espectador?: Walt tiene poderes de alguna clase y el oso polar ha aparecido allí producto de su mente. ¿Respuesta de la serie?: en la tercera temporada descubrimos que los osos polares formaban parte de un experimento de inteligencia y adaptación al medio que estaba siendo llevado a cabo en una estación cercana a la isla. ¿Pero Walt tiene poderes sí o no?. Asi es como nosotros nos aventuramos a considerar elementos fantásticos dentro de un acontecimiento con una explicación lógica.

Este tipo de esquema se repite a lo largo de la serie con el fin de sorprender al espectador, y es que uno de los elementos más importantes a la hora de estudiar el audiovisual es la percepción del espectador, pues de él depende absolutamente todo, y uno de los aspectos vitales de esa percepción es su expectación: el espectador siempre se adelanta a la historia, uniendo los cabos sueltos por si mismo, y corresponde al realizador/guionista saber anticiparse y hacerle creer al espectador que nos ha adelantado cuando en realidad, y siguiendo con la metáfora automobilística, le hemos doblado una vuelta.

Por eso ahora mismo cuesta creerse que en "Lost" todo esté pasando en la mente de Hurley como se nos informa directamente, y es probable que eso sólo sea una crisis pasajera o mejor dicho, un episodio de relleno para retrasar aún más la explicación final. Y no, no creo que Desmond haya viajado en el tiempo, pero de lo que si estoy seguro es que una descarga electromagnética acumulativa de al menos 3 años que te golpea directamente quizás afecte a los impulsos sinápticos hasta el punto de confundir tus recuerdos y hacerte creer que los vives de nuevo.

"Otro tipo de antecedente: ¿premonición o simple coincidencia?"

Sin embargo, y aquí esta el punto fuerte de la serie, la explicación lógica que entrego puede no ser real. Y para ello saltamos ahora de la televisión al cine con uno de los cineastas más influenciados por la sugestión: En su película "Don't look now" (Amenaza en la sombra), Nicolas Roeg juega con los protagonistas y los espectadores a un juego de expectativas y sugestiones, a saber, nuestro protagonista no consigue evitar la muerte de su hija después de una supuesta premonición de la misma, desde entonces, ve continuamente al "fantasma" paseándose por las calles de Venecia; mientras tanto, su mujer comienza a escuchar a una medium ciega y su hermana que aseguran a ver "visto" a su hija y hablar con ella. Asi pues, los espectadores pueden deducir dos cosas: que realmente el fantasma existe o que la pareja es víctima del trauma ocasionado por la pérdida y de unas charlatanas sin escrúpulos. Sin embargo, entre las opciones de "Sí" y "No", Roeg opta por salirse de la tangente con un "Tal vez o no": después de descubrir una supuesta explicación lógica a todos los acontecimientos, Roeg nos descubre el engaño cuando ha focalizado toda nuestra atención al "fantasma" y la medium, haciendo que pasemos por alto que el elemento paranormal puede estar en algo mucho más cotidiano; la película se convierte así en una suerte de locura interpretativa al estilo de "El Incal" de Alejandro Jodorowsky y Moebius, donde realmente no sabemos el verdadero orden cronológico de los hechos.

La conclusión final es algo que apuntaba en anteriores posts: el espectador no es tonto y no debe ser tratado como tal, al espectador le gusta que le reten y es de los pocos que disfruta "perdiendo" en ese juego de expectativas. La tarea de contar historias, de la índole que sea, es ir por delante de aquel a quienes van dirigidas, pero sin perderlo de vista ni jugar sucio, y es que en el fondo, se trata de un pacto de entendimiento tácito, un juego de confianza.

Errores de la crítica

2007-06-17T23:37:00.000+02:00

En el mundo del cine, muchas veces se comete el error de infravalorar la opinión del público en función de la crítica, debido a la constante creencia de que la gente tiene menos formación audiovisual. Eso es totalmente falso: una persona normal consume horas y horas de series, películas, anuncios, programas o videoclips, por lo que entiende perfectamente los mecanismos que rigen en sus respectivos géneros. La principal diferencia es que el público no puede explicarlo, sabe diferenciar una buena película de una mala, pero no sabe decir porqué, aquí es cuando surgen varios problemas, el principal es la diferencia entre "buena película" y "película que me gusta" que ocasiona más de un debate, pero tambien existe el problema de que el propio público se infravalore al no saber argumentar sus opiniones y tienda a dejarse llevar por esos efectos "bola de nieve" que ocasionan la repercusión mediática de algún producto audiovisual concreto, como series de las que todo el mundo habla bien o películas que han ganado un Oscar en alguna categoría, confundiendo la repercusión con la calidad. Esto lo sabe tanto el crítico como la industria, pero mientras el productor utiliza esos conocimientos para crear un producto que no sólo este acorde con ese modelo, si no que además lo fomente, el crítico lo utiliza muchas para distanciarse del público en pos de demostrar así una división maniquea de lo que vale y lo que no.
Es por ello por lo que la crítica tiende a cometer tantos errores como el público, siendo aún más grave en los primeros cuando son conocedores de aquello que argumentan, a un crítico se le debe pedir saber explicar porqué una pelicula es buena y otra es mala, lo que nunca se le debe pedir es que esté en lo cierto. Estos son algunos de los errores más comunes:

- No argumentar: el mismo defecto que el público, es frecuente ver como muchos artículos describen la película y la recomiendan o la ponen a parir sin expresar mucho más. Este tipo de reseñas vienen acompañadas por una serie de calificativos (siempre refiriendose al conjunto de la cinta en una vana generalización) despectivos cuanto más rebuscados mejor.

- La comparación: horrible muestra de caída en (des)gracia donde se equipara una película a otra como si esta no tuviese valor por si misma, es frecuentente que sea de manera despectiva y que tambien caiga en la generalización más absoluta, a veces confundiendo el género de la cinta con unas normas estrictas a seguir. Para muestra, un botón.

- Irse por las ramas: el motivo que inspiró este post fue la reciente lectura de una crítica profesional donde se calificaba cierta película en función de términos extremadamente generalistas y ambiguos, todo ello incidía reiteradamente en sacar como conclusión de la cinta en cuestión, que se trataba de un ejercicio de nostalgia y al mismo tiempo de reinvención, algo ya evidente en la propia propuesta de la película.

- Cinefilia: simpático intento del crítico de demostrar que sus conocimientos (o su rapidez en Wikipedia) son numerosos y amplios. Para ello se recurre a citar toda una serie de referencias, a veces recopiladas de las entrevistas al director o de los pressbook, y otra veces pilladas por los pelos en función del crítico (subjetivo) y su apreciación.

- Churras con merinas: confundir la película con sus responsables, patética muestra de ensalzar o defenestrar cintas por quien trabaja en ellas que por lo que esas personas han hecho. Falacia ad hominem.

- El desprecio nacional: Algo insoportable es esa clasificación de cine en función del país de procedencia, ya bien en la clásica generalización del mal llamado "cine español" (confundiendose el término de pre-guerra "españoladas" con un término despectivo sin tener en cuenta su origen industrial), como hablar de "peliculas yankis" o despreciar todo lo que viene de Asia.

- El mensaje: probablemente el sistema de crítica más odioso, sea este. Consiste en tirar por la borda los méritos de una cinta en función del mensaje que el propio crítico (subjetivo) ha sacado como conclusión. Todos recordamos como algunos calificaban Starship Troopers y El Club de la Lucha como cintas de propaganda fascista, o más recientemente, la insoportable ambivalencia de 300 como cinta pro-gay y homófoba (!). Todavía falta mucho para que alguien pueda decir que Raza es una buena película sin que se confunda su opinión cinematográfica con el discurso político.

Conclusiones:

- Que una película te guste no lo convierte en buena. Que no sepas argumentar porque es buena no la convierte en mala. El análisis fílmico, pese a lo que se suele considerar, todavía está en pañales, y la revolución digital, así como las inquietudes artísticas más radicales, demuestran que no hay un esquem base sobre el que juzgar el cine.

- Una película no es mejor por cuanto más se parezca a otra, lo más normal es que si se parece demasiado sea peor pues surge como "copia" y fracasa intentando transmitir lo mismo en un contexto (equipo, tiempo, espacio, medios, época) muy diferente. Pregunta: ¿Cuanto menos nos recuerde a algo una película, más valores propios tendrá?.

- Hay que estar abierto a todo, todo significa TODO. Literatura, cómics, televisión, música, teatro, espectáculos de cualquier clase, condición, nacionalidad, tipo... nunca se sabe de donde se puede sacar algo interesante.

- El director es la estrella: Es increíble que hasta sus últimas películas, a gente de la talla de Hitchcock o Kubrick no se les reconociese su talento, sin embargo, hoy hay tanta prisa en el mundo que e encumbra a cualquier director...¡con su primera película!. Luego, evidentemente, vienen las decepciones a partir de las altas expectativas que se crean desde sus óperas primas, como si sus discursos ya se hubiesen formado plenamente en 90 minutos. Tengamos en cuenta que una película puede ser vista independientemente de la filmografía de sus responsables, un director puede hacer 20 bodrios y una obra brillante o tener sólo un tropiezo en toda su carrera. Hacer una película es más complicado de lo que parece, es un proceso de unos dos años y eso teniendo facilidades; cada película está condicionada por tantísimos factores que pueden salir bien o mal que es injusto considerarla en función de trabajos anteriores.

- El mensaje JAMÁS debe ser el centro de una película. Ni siquiera en un documental. Que el cine sea un medio de expresión no significa que siempre tenga que expresar algo trascendental, a veces las mejores películas son historias simples, sin moraleja, sin reflexión, sin manipulación absurda del espectador para conducirlo a una opinión concreta. A veces da gusto salir de una película y ver que aún consideran que puedes pensar y debatir sobre ellas, que espectadores de la misma sala saquen distintas interpretaciones.

Corolario: el espectador no es tonto por mucho que nos lo quieran hacer creer. Es cierto que con frecuencia vemos como se aupa una película en concreto y esta persiste en el imaginario colectivo como si su mérito fuese más allá de la popularidad. El tiempo pone todo en su sitio. Y recuerden, por dios, el cine empezó como DIVERSIÓN de las barracas de feria.

Aunque la imagen que ilustra el comienzo de este artículo puede llevar a confusión, no se trata de una referencia directa a Cahiers España, esa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión.

Rosales y el título irónico

2007-06-12T23:18:00.000+02:00

He salido contento aunque derrotado, los principales defectos son alguna redundancia con respecto a "Las horas del día" y sobre todo, el epílogo (en mi opinión, totalmente prescindible), y el sonido, que o era cosa de la sala en que la ví o por momentos pasaba de inaudible a saturado.

En los puntos fuertes me gusta el uso de la polivisión, quizás porque iba convencido de que era propuesta continuada a lo largo del metraje, con ecos roncos de Von Trier, pero he visto que lo utiliza con cierta mesura, y con calidad más informativa que estética; tambien me gusta como aprovecha el formato para evitar los clásicos emparejamientos de mirada por plano-contraplano y para saltarse el eje a gusto (personajes que entran por la izquierda de una pantalla y surgen de nuevo por la izquierda de la otra pantalla). Quiero destacar lo buen director de actores que es Rosales, cada personaje es muy natural y creíble incluso cuando algunas situaciones rozan el ridículo (la charla de los tatuajes, buen ejemplo de ello) y me encanta como contextualiza cada plano no polivisionado con los marcos de las puertas y ventanas, las esquinas de los pasillos, etc... le da un aire de "voyeurismo" a un conjunto naturalista y creíble, de fisgón en la vida de nuestras vecinas.

"Tiene mujeres que sufren y tetas...¡como Hostel II!"

El guión pues ni fu ni fa, porque ya me la han contado gente como Benito Zambrano o Guillermo Arriaga. Como mucho se agradece que no recalque lo obvio cada dos planos y no tenga un descarado e infantiloide final con moraleja si no que quede más abierto: ¿Quienes sufren "la soledad"? ¿Las protagonistas o aquellos a quienes "abandonan"?. Y sí, me quedo muy contento con el plano del autobús, me dejó cinco minutos en estado shock... hasta que fui consciente de que no había cambio entre las escenas anteriores y las posteriores a ese "mindfuck".

Que vamos, en general no me ha disgustado, es mejor que la purria que llena ahora mismo las carteleras o que el 90% del cine nacional, y se agradece que haya un realizador en este país interesado por crear planos e "innovar" narrativamente, aunque venga lastrado por una repetición de su ópera prima y anterior película. Sigamoslo de cerca, en próximos, y esperemos, más redondos trabajos.

1729 películas (5/1729): Angels hard as they come

2007-06-11T00:33:00.000+02:00

Ahora que Tarantino y Rodriguez han puesto de moda otra vez las películas Grindhouse (hermoso eufemismo para la "caspa" de toda la vida), conviene rescatar el siguiente artículo publicado originalmente en septiembre del pasado año en el portal de cine Séptimo Vicio, una página web de contenidos cada vez más indispensables:

Pocos saben que el hoy oscarizado realizador Jonathan Demme, responsable de películas tan interesantes como "El silencio de los corderos" o "Philadelphia", empezó su carrera como guionista de lo que en principio estaba a ser llamada una película maldita.

"Angels hard as they come" o "Angels Warriors" como se conoce habitualmente, empezó como una película realizada a la sombra del (inesperado) éxito de "Easy Rider. Buscando mi destino" (Dennis Hopper, 1969), que propició toda una serie de películas de pésima calidad sobre moteros, de las cuales, salvo algunos trabajos "curiosos" (e hilarantes) a cargo de Al Adamson y alguna producción de Roger Corman (como la que nos ocupa), todas han caído merecidamente en el olvido.

El gran acierto de "Angels hard as they come" y lo que la convierte en una película diferente y a tener en cuenta, es su sentido auto paródico, burlándose precisamente de todas las películas de aquella bikexplotation, exagerando hasta la caricatura muchísimos aspectos de las mismas, ya desde la vestimenta y fetiches que definen a estos nómadas de la carretera, como la violencia extrema, cercana al tebeo como explotaría después en otro film de culto “Calles de fuego” (Walter Hill, 1984), así como un par de desnudos gratuitos.

La historia nos cuenta como Long John (Scott Glenn) es un motero que sobrevive gracias a pequeños comercios con drogas en medio del desierto, cuando es descubierto por la policía se inicia una persecución que termina en una pequeña gasolinera, junto a sus dos amigos: Juicer (Don Carrera) y Monk (James Inglehart). Allí conocen a unos Ángeles del Infierno que los invitan a pasar una temporada apartados en un viejo pueblo minero fantasma llamado Causa Perdida (el nombre no es casual en el guión del film), donde grupos de salvajes motoristas conviven con una comuna de pacíficos hippies establecidos allí. John conoce en el pueblo a Astrid (Gilda Texter) con quien mantiene una conversación en torno a las similitudes y diferencias de sus dos mundos. Cuando John es retado a una carrera, otros motoristas violan a Astrid en su ausencia, pero algo sale mal….

Roger Corman se planteó esta película en un principio como “Un Rashomon con moteros” (sic), planteamiento que cambió radicalmente ante las insistencias del director Jon Viola y el guionista Jonathan Demme, que cambiaron radicalmente el enfoque para realizar un pequeño delirio trash con aires de western y clarísimos guiños a Sergio Leone, especialmente en su resolución final, y cargado de ciertas dosis de humor negro (la explicación del nombre de un motero apodado “Crab” es un buen ejemplo de ello), hacen un conjunto bastante entretenido. Algunos aspectos más serios, como la conversación entre Astrid y John o las referencias al racismo y machismo del medio oeste americano, dotan a esta película de un mayor interés.

En el reparto cabe destacar a Gary Littlejohn (a quien ya conocíamos allá por 1967 tras su aparición en "Los Ángeles del infierno" de Richard Rush, compartiendo cartel con el emergente Jack Nicholson), Gary Busey (que interpretó a Buddy Holly en el biopic que sobre él hizo Steve Rash en 1978). Hemos hablado ya del diseño de producción de la película y de su divertida estética de cómic. No en vano, la dirección artística corre a cuenta de Jack Fisk, que puede presumir de haber trabajado con gente de la talla de Brian de Palma, David Lynch, Terrence Malick o Paul Thomas Anderson. Uno de los mayores aciertos reside en la secuencia de créditos de Don Record (que recordareis por películas como "Cleopatra Jones", "El planeta de los simios" o "Sueños de un seductor") que abre la película es una muy acertada parodia de los montajes homeróticos de Kenneth Anger en "Scorpio Rising" (1964) del héroe preparándose para su gran aventura, que popularizarían más tarde cineastas como Sam Raimi ("El ejército de las tinieblas", 1992), James Cameron ("Terminator", 1984) o Ted Kotcheff ("Acorralado", 1982). Tampoco pasa desapercibida la similitud entre la violación de Astrid en ausencia de John, con la violación de Amy en ausencia de David en la película “Perros de paja” de Sam Peckinpah, curiosamente estrenada ese mismo año.

En definitiva, “Angels hard as they come” no es una gran película ni mucho menos, tampoco es una comedia desmadrada o una critica incisiva, es un producto de (muy) bajo presupuesto que se recrea y aprovecha de su situación y al mismo tiempo que parodia/homenajea su estatus de copia da breves pero intensas pinceladas de originalidad. Una película de culto totalmente desconocida en nuestras latitudes y que debería verse como lo que es: una pequeña curiosidad, entretenida a ratos, prescindible en todo caso, pero digna de ver con una sonrisa en los labios ante el espectador que sabe disfrutar de un producto vacío, pero carente de pretensiones que no vayan más allá del guiño cómplice.

Dios tiene un ojo de otro color

2007-06-09T00:27:00.000+02:00

Jump They Say

Vale, ya estoy de vuelta. Ya soy persona, pero... bueno, no. No, estamos trabajando muy duro, en serio. Prometo que vais a ver un verano con artículos y videos propios constantemente, asi que como pequeño descanso antes de entrar este lunes en materia, les dejo con el Duque blanco. Este videoclip, aparte de que me parece la mejor definición posible en términos de elegancia, ritmo, plasticidad y cualquier calificativo que le pongamos a Bowie, está ligeramente inspirado en La Jetée, mediometraje de Chris Marker, del que espero no tener que añadir nada más. David Bowie, ese ídolo inquietante y camaleónico que me fascina tanto musical, como interpretativamente; y no es para menos: creo que no tengo que decir todo lo que hizo por la música, pero es que además ha trabajado a las órdenes de realizadores tan imprescindibles como Nicolas Roeg, David Lynch, Jim Henson o Nagisa Oshima, y, eerrr... tambien para gente como Tony Scott y Cristopher Nolan que seguro que son gente simpática. Jump they say, amigos, nada menos que dirigido por Mark Romanek, el hombre que convertirá a Benicio del Toro en hombre lobo.

Un estado lisérgico

2007-06-04T23:59:00.000+02:00

Mientras consigo recuperar la posición vertical, unos minutos musicales.
Lo curioso es que no tengo audio ahora mismo, os pongo este tema de oídas.

"Se que todas las cosas buenas ya están hechas. Eso le da cierto sentido de humildad a mi trabajo" - Peter Bogdanovich. 1974.

Autorretrato

2007-06-01T02:05:00.000+02:00

He aquí el motivo por el que dejé de lado la ilusión de dedicarme profesionalmente al mundo del cómic. Agradeced (o maldecid) a mi horrendo trazo el hecho de que buscase salidas en el audiovisual. Intentaré ir publicando más bocetos curiosos.

1729 películas (4/1729): Carne Cruda

2007-05-29T00:56:00.000+02:00

Como nos estábamos estancando un poco en cintas demasiado profundas, viene bien de vez en cuando, meter en esta lista de imprescindibles, alguna cinta menos densa. Creo que el título escogido esta vez es el más indicativo de lo que vamos a ver: un producto completamente concesivo y a función del público. Carne cruda de Gary Sherman. De este modo, empezamos la retrospectiva a este singular cineasta del que al menos un par de veces más volveremos a nombrar en esta sección.

La historia de Carne Cruda es simple: una pareja de estudiantes americanos viven en Londres, una noche, encuentran el cuerpo inconsciente de un alto dignatario británico en un andén del metro; cuando avisan a la policía del suceso, el cuerpo a desaparecido. Poco a poco, un cínico investigador policial va descubriendo la existencia de una raza de caníbales subterráneos que cazan por las noches en el Metro de la urbe.

De este modo, Sherman cuenta en su película debut (y con un guión basado en un relato propio) con algunos de los elementos que marcan su corta pero intesa filmografía: los cadáveres, los policías escépticos y la sociedad corrupta oculta tras una ciudad idílica. Tambien juega con el espectador cambiando de protagonistas y por tanto, de puntos de vista, a lo largo de sus historias; las pistas falsas son tambien marca de la casa.

En la película caben destacar nombres como Donald Pleasence (El príncipe de las tinieblas, Phenomena) o Cristopher Lee (Drácula, La máscara de Fu Manchú) en una papel tan breve como inolvidable: un extraño estereotipo de hombre británico que trabaja para el MI5 y marca un punto de inflexión jocoso en la película.

Carne Cruda (Raw Meat) no es su único nombre, tambien se la conoce con el menos inspirado título de Death Line. Y sí, se lo que estais pensando: guarda cierto y sospechoso parecido argumental con Creep (Christopher Smith, 2004) o con aquella sinopsis del debut de Tinieblas González de la que aún no tenemos noticias. Sin más vueltas, Carne Cruda es un espectáculo de morbo y sentido del humor puramente ingles, que entiende el fantástico como diversión pero sin prescindir de historia, personajes o incluso experimentación narrativa, y como no, sin olvidarse del gore, aqui mal elaborado pero especialmente memorable por lo bien integrado en la historia y lo artesanal del mismo. Hoy por hoy, que somos tan benévolos con cualquier cinta con un poco de hemoglobina que sacie nuestras oscuras ansias, conviene echar la vista atrás y descubrir que se puede ser gratuito sin por ello, dejar de contar una buena historia.

Lo mejor que le puede pasar a un patán

2007-05-26T01:55:00.000+02:00

Una de las grandes virtudes de este medio de comunicación que es Internet es la capacidad que tiene para poner en contacto con suma facilidad a gente de cualquier lugar del globo con un sólo click. Sin embargo, la dispersión de medios y la inconmensurable corriente de información que se forma a partir de un medio tan inabarcable que tiende al infinito, hace que muchas veces uno tenga la sensación de estar ligeramente perdido.

No será por falta de iniciativas, si no quizás por el exceso de la mismas, donde según que cosas resultan ser muy difíciles de encontrar, cuando no imposibles, y la variedad de portales no parecen poner de acuerdo a todo el mundo, a la búsqueda de un lugar común. De hecho, en el mundo audiovisual, que es quizás el que mejor conozco aunque sin grandes virtudes, resulta tan disperso como cualquier otro campo y son pocos los sitios web que han conseguido que estemos más juntos que revueltos, preguntenselo a blog El Zoom Erótico o al foro La Tierra Prometida.

Sin embargo, se echaba en falta una iniciativa que tratase de conjugar todas las facilidades para un verdadero contacto entre diversos profesionales del sector, y salvo honrosas (y muy elogiables) iniciativas como abcguionistas o Sólo Actores, no se había conseguido gran cosa. Cinemavip viene a cubrir ese hueco: uno puede registrase en un minuto, colgar su curriculum, agregar contactos afines, anunciar eventos, buscar ayuda, colgar videos o imágenes (de trabajos propios o ajenos) o simplemente curiosear. Pueden encontrar aquí mi aún endeble curriculum, pero tambien conocer las obras que Black María Producciones tambien presenta en su hueco, publicitando así sus trabajos que, no nos engañemos, son para un público tan específico como esquivo.

Señoras y señores, cahieristas todos, aquí le paradis. Aquí unos amigos.

Interludio: Miles Davis

2007-05-24T12:27:00.000+02:00

"El silencio es el ruido más fuerte, quizá el mas fuerte de todos los ruidos."

Algunos de los que me hayan seguido leyendo a lo largo de los 3 años con los que he contado de diversos blogs y medios de Internet en que he colaborado, quizás recuerde una nimiedad que confesé hace ya un tiempo. En concreto, se refería a uno de mis primeros e inocentes guiones (parte de las mil páginas de las que hablaba el siempre acertado pianista) donde, en un alarde de originalidad, se me ocurrió la brillante idea de terminar dicha historia con un diálogo final en un parque que pretendía poner los pelos de punta al espectador con una sorpresa final de las que hoy por hoy, tanto odio. Tras el momento en que se descubría el horrible secreto de la película, los personajes allí encontrados se dan la vuelta, cada uno para seguir con sus vidas, hasta que al final uno de ellos, el más callado se gira y llama al otro, y le pregunta desde lejos: "¿Quien cojones es Miles Davis?". Fundido en negro y empieza a sonar esto.

Recientemente he vuelto a escucharlo a raíz de ese punto y aparte (en más cosas de las que creen) que es Zodiac, de un inspiradisimo David Fincher. Mi recien adquirida obsesión enfermiza por esa película me nubla el juicio lo suficiente como para ser incapaz de escribir mucho sobre ella, todos sus defectos se transforman en virtudes a mi vista. Sin embargo, nada me impide decir que "Solar" tambien suena en esta película, y al mismo tiempo, el reconocerlo, me ha llevado a volver a escucharlo. No se que tiene Miles Davis, que siempre llega en los puntos de inflexión de mi vida, en momentos de saneamiento, que me tienen estancado y de repente, como por arte de magia, suena esa trompeta y una elipsis narrativa, como las de la película Zodiac, me mete en un momento de mi vida que yo creía más futuro que inmediato.

Pero por Dios, dejémonos de introspección, retomemos el rumbo de esto. Cuando termine con mi abundante trabajo les devolveré una crítica de cine de casquería y gore, que no se pierdan las buenas maneras y dejemos de ponernos pedantes pero sin perder el estilo. Y hablando de estilo, ¿se han pasado por la nueva web de Black María Producciones?.

PD: Este post debería haberse publicado el pasado martes, pero gracias al buen hacer de mi servicio técnico informático, al que pienso dedicarle una próxima entrada, he estado sin ordenador toda la semana. ¡Un aplauso para los informáticos del mundo, señores!

1729 películas (3/1729): Primer amor

2007-05-17T16:38:00.000+02:00

Si hay una palabra que defina Primer amor (Maximilian Schell, 1970) esa palabra es COÑAZO. Tambien le viene bien LADRILLO o PETARDO. Sin embargo, hay algo por lo que esta película figura en esta lista y es por su capacidad para ser un claro ejemplo de como muchísimas veces, y más en un arte como el cine, prima la forma sobre el contenido. De las que hay que ver, pero tambien de las que durando hora y media aparentan durar el doble.

La historia de Primer amor es tan simple que espanta: un adolescente se enamora de una princesa caprichosa y manipuladora que no le hace ni puñetero caso. Y ya está. Sin embargo, no creo que la intención de Maximilian Schell sea directamente la de trasladar la inabarcable novela de Ivan Turgenev (estos escritores rusos, ya se sabe) si no más bien la de primer los sentimientos, las emociones y las sensaciones por encima de la historia. Es así que la película parece improvisada, con movimientos de cámara sin mucho sentido, un montaje desordenado y en ocasiones terriblemente rápido y en otras lenta hasta la extenuación y sobre todo la terrible idea de que nada tiene que ver con nada. Un ejemplo: la cámara sigue al padre y al hijo cabalgando juntos, de repente, una pared se pone delante de la cámara y esta enfoca a lo largo de la misma durante dos minutos para terminar en un... corte a otro plano. Sin más.

Es por ello por lo que Primer amor es más una pelicula hecha con corazón que cabeza, muy al contrario que la novela de Turgenev pero con las mismas intenciones de cara al espectador/lector: despertar en ellos un sentimiento de nostalgia, angustia, embobamiento y desconcierto. Como el primer amor.

Don Peter Parker de la Mancha

2007-05-13T00:49:00.000+02:00

Creo que uno de los grandes problemas que asolan a la literatura castellana es que la popularidad de los libros es mayor al grado de interés por los mismos. Eso viene a colación de "Don Quijote de la Mancha", el libro de Cervantes que probablemente no tenga que explicar a nadie de que va, pero que si pido que alguien me cuente un pasaje distinto a la (anecdótico) gesta de los molinos de viento, raro es encontrar una respuesta a nivel de calle. Sin embargo, yo siempre he considerado mi pasaje favorito (que no el mejor) el momento del segundo libro en que Ginés de Pasamonte se hace pasar por el titiritero Maese Pedro y en medio de su representación, El Quijote enloquece ante la historia que se le plantea con unos troz de trapo y madera. Lo cierto es que la novela de Cervantes tiene una merecida fama y ocupa el lugar que ocupa por más razones de las que imaginamos, Cervantes plantea un concepto por el que hoy nos rasgamos las vestiduras y aplaudimos a autores en ocasiones mediocres por realizar un ejercicio bastante más dificil de explicar que de hacer: destruir un género desde dentro.

Avancemos al 2007...

No esperen que defienda Spiderman 3, es una película tan desmontable como un Mecano. Y es precisamente debido a que su construcción es fruto de, al igual que el popular juguete, la acumulación de piezas que en principio pretenden realizar una obra mayor a la inicial a partir de las mismas piezas. Spiderman 3 es precisamente eso, un juguete roto que se basa en la premisa acumulativa de que si funciona un villano en la primera película, y dos en la segunda, por la fuerza tienen que funcionar tres en la tercera. Y digo villanos como podría decir "minutos", "tramas", "personajes", "cameos" o cualquier otro aspecto del guión que no deja de ser una versión inflada de sus predecesoras. El problema surge cuando cuesta discernir entre los momentos intencionadamente cómicos y las gracietas inconscientes, esas que sólo percibe el espectador a base de ver un concepto serio sobredimensionado, metalingüistica, vaya.

Spiderman 3 es una comedia romántica porque Spiderman y Spiderman 2 ya lo eran, es un despropósito de personajes malvados que se redimen en el último momento como ya estaban latentes en sus predecesoras, es un desfile de fallos porque es la versión ampliada de lo expuesto en las anteriores entregas. En resumen: Raimi convierte una película de superhéroes en una comedia digna de Tom Hanks y Meg Ryan, como convirtió una película de terror en una comedia de aventuras en la saga Evil Dead. la diferencia entre El ejército de las tinieblas y Spiderman 3 es que la primera se salía por la tangente y rompía lo anterior planteando un cambio de situación. ¿Se imaginan otra maldita noche en esa casa?. Yo no quiero ni pensarlo.

Asi que la tercera entrega del arácnido se formula, inconscientemente, como un Quijote moderno. En ese momento final del libro en que el hombre es más Alonso Quijano que Quijote, no se distingue tanto de la idea del director de Rápida y mortal en centrarse más en Peter Parker que en el chico respondón de las mallas. Pero la verdadera similitud reside en que El Quijote usó los clichés sobreexplotados de un género tremendamente popular para redimensionarlos y burlarse de ese muñeco inflable. Pocas veces nos acordamos que la obra cumbre de la literatura española es una dignísima parodia de su tiempo. Spiderman 3 va por el mismo camino, aunque sea de manera accidental y suicida: los superhéroes humanizados de los que hablé (en dos entregas) antes del estreno de esta cinta, terminan estrellandose con su propio acercamiento a la realidad, y se golpean con ella ante lo ridículo de sus acciones. Como hacía el pobre Quijote que se creía en una novela de caballerías cuando en realidad era un caballero de triste figura en una España igual de famélica. Y cuando la novela de Cervantes supuso el punto y aparte de las novelas de caballería, Spiderman 3 se convierte, para su propia desgracia, en el inicio de una cuenta atrás para el concepto "realista" del superhéroe. Ese mismo concepto que pretende alejarse del cómic, justificando punto por punto, motivaciones de personajes que se pelean entre ellos en pijama.

Decía al principio, que mi pasaje favorito del Quijote es ese nuevo encuentro entre Ginés de Pasamonte y El Quijote, en el que vemos más consciente la pillería de Ginés y la locura del caballero, confundiendo este no ya la realidad con la ficción si no tambien la ficción como realidad y de nuevo como ficción. En pocas palabras: Ginés representa aquello que el Quijote quiere ver para enrojecer de ira, el titiritero proporciona la carnaza para que el espectador la destroce. Ahora pensemos por un instante, que Sam Raimi es un Ginés inconsciente, delante de un hidalgo cabreado, pero que huye satisfecho de su vil teatrillo. Peliculas triunfaran, peliculas se hundiran, y ya nada volverá a ser lo mismo... en el cruce entre superhéroes y cine.

Strandbeest

2007-05-10T15:08:00.000+02:00

glumbert.com - Kinetic Sculpture

Theo Jansen es un escultor holandés que aplicaba conocimientos cinéticos a sus "criaturas". Bajo el nombre de "Strandbeest" (bestias de playa) ha creado estas extrañas formas de PVC que son capaces de moverse por si solas. Mientras Alexander Schlichter prepara un documental sobre estos seres, Jansen planea proveerlos de cerebro. El fotógrafo Loek van der Klis tiene varias fotografías sobre este mismo trabajo.

1729 películas (2/1729): Poltergeist

2007-05-08T02:42:00.000+02:00

Espero no descubrir nada nuevo diciendo que Poltergeist es una muy digna cinta de terror de Steven Spielberg. Si, Spielberg. No es errata. Dejando de lado los rumores, las manos del judío de oro se ven claramente en cualquier momento, por señalar un momento cualquiera, esa Zelda Rubinstein en contrazoom, como el Robert Shaw de "Tiburón", pero en el mundo de las tinieblas. Pero eso ya lo sabían, ¿verdad?

Lo que hoy vengo a descubrir es la lectura política de Poltergeist, ahora que tan de moda está que cada nueva película de terror tenga que ver con Bush o Irak, como si eso fuese importante, lo cierto es que la crítica al conservadurismo en el cine fantástico estadounidense viene de lejos, y la película que nos ocupa es al mismo tiempo el ejemplo más evidente y el más sutil.

¿Porqué despertaban los fantasmas?. Fácil: porque desenterraban los cuerpos al intentar construir una piscina. Una piscina. Símbolo de opulencia. De bien vivir. Capricho del consumo masivo. Y esta historia de terror de casitas con jardín y valla blanca se torna una pesadilla sobre la intrusión. ¿Les suena?. Por si aún dudan, ahí están las pistas: La película empieza con el cierre de emisión de ese televisor que tanto dará que hablar, y durante el mismo, suena el himno americano, claro. Mientras el hijo lee un cómic del Capitán América (supongo que antes de que falleciese) antes de acostarse, el padre hace lo mismo autoadoctrinandose con la lectura de "Reagan. The man, the president" de Hedrick Smith. ¿Y cuando atacan los fantasmas?. Pues cuando termina de sonar el himno, cuando la ilusión prefabricada que forman barras y estrellas pasa a ser el terrible y realista ruido estático de un canal muerto, la nieve. Destaco en este momento, que en el cierre de emisión aparece la imagen de Iwo Jima. Spielberg. Iwo Jima. Sumen dos y dos.

Uno de los puntos más interesantes es la (inicial) despreocupación de todos, como ocurría en El fantasma de Canterville, de hecho, se repiten como un mantra aquello de "Si reaccionas exageradamente, lo ocurrido toma demasiada importancia". Se autoengañan. y ese árbol tan famoso es un protector que se torna en atacante, un amigo que traiciona al darse cuenta de que estaba en el lado equivocado, el padre de familia dice "este árbol lleva mucho tiempo aquí... desde que antes mi empresa construyera la urbanización". ¿Sigo o tienen bastantes metáforas?

O no, caray. O es sólo una peli de fantasmas, con 3/4 partes dirigidas por Spielberg y un fin de fiesta de puro Tobe Hooper. Son fantasmas de dibujos animados, y la política nada tiene que ver con el cine de terror. Nadie quiere oir mensajes políticos en una película.

Pero, y si....

...And Hell followed with him

2007-05-06T14:22:00.000+02:00

- "Cuídate de los que sólo ven desorden en el ruido y paz en el silencio" - Otto Von Bismarck

Espots 4 y 5 de Escorto

2007-05-04T13:24:00.000+02:00

Aquí tenemos dos nuevos Espots que se unen a nuestro concurso:

Título: Souvenir
Autor: Roger Vicente
Duración: 47 segundos
Sinopsis: La Tour Eiffel, la Estatua de la libertad, el Big Ben... Nadie hubiera elegido mejor que Nieves el Souvenir del Escorial.

Enlace Youtube

Título: Escorto y las escaleras mecánicas
Autor: Isaac Berrokal
Duración: 54 segundos
Sinopsis: Olvida los dobles significados... ESCORTO no hay mas que uno

Enlace Youtube
Enlace Metacafe

Sunshine... and lollipops

2007-04-27T03:43:00.000+02:00

Vaya por delante que soy un amante ferviente del cine de ciencia ficción, y que Danny Boyle, aunque irregular, siempre apunta buenas intenciones y alguna idea genial que se le escapa, no se si por casualidad, pero que me llaman la antención dentro de sus películas. Una vez dicho esto, considero Sunshine como una película que merece la pena ver y que está siendo injustamente machacada.

Sunshine es una historia que hemos visto un millón de veces: los chicos más guapos de Beverly Hills están jugando con el Quimicefa cuando son llamados para salvar a la humanidad en una misión suicida, como no, las cosas no irán según lo previsto y sólo los más guaperas sobrevivirán hasta el final de la película. ¿La misión?, Revitalizar el sol con una bomba "del tamaño de Manhattan" (sic). Vamos, el colmo de la originalidad. Señor Alex Garland, haga el favor de retirarse ya.

En general el argumento es poco importante en ese sentido, mera excusa para profundizar en unos personajes que nunca nos son presentados (algunos los acusan de bidimensionalidad) y que nos permite un amplio juego sobre temas que estas películas tienden a lanzar como cierta letanía: la soledad, Dios, la humanidad irresponsable, el egoísmo, la responsabilidad, la locura, el aislamiento, la belleza del mundo y chorraditas por el estilo. Sin embargo, Sunshine, aunque cae en esos tópicos, prefiere enseñar a contar, siendo bastante parca en explicaciones, cuando no directamente se las salta sin más, así se encamina hacia la acción, la confrontación, la angustia y una sensación de desesperanza vital importante.

Es cierto que Boyle suele tender a una ruptura de sus películas en dos partes claramente diferenciadas, como queda claro en Tumba abierta, La Playa o la decepcionante 28 días después, pero eso no es, a priori, un punto negativo. En el caso de Sunshine la cosa va más allá, y lo que en principio es ciencia ficción pasa a ser terror. Pero no la clase de terror con sustos de gato, si no un terror deforme e invisible, latente pero presente, que nos remite a locuras de este mismo año como Inland Empire. Vamos, que la presencia de cierto personaje en la historia no es tanto un efectismo barato para girar la trama a una gratuita persecución por una nave a oscuras, si no una salvaje vuelta de tuerca en forma de metáfora antropomórfica sobre los designios del hombre. Toma pedantería por mi parte.

El caso es que funciona, el caso es que es coherente y el caso es que Boyle apunta maneras una vez más, aunque sin llegar del todo, con escenas desenfocadas, imágenes subliminales y algunas de las secuencias más bellas del año, si no le importa compartir puesto con La ciencia del sueño. Su punto flaco es que, por muy bien que lo cuente todo, ya ha sido contado antes. Una lástima que, insisto, no hace que la película sea menos recomendable, pero si que dificulta el que la gente se fije más allá de una historia coja y trate de ver un rayo de esperanza en esto de la ciencia ficción, que todavía hay espectadores atentos que entienden el plano-gag final.

Superhéroes para todos los públicos (2 de 2)

2007-04-24T03:28:00.000+02:00

Creo que va siendo hora de responder una pregunta: ¿Porqué no me gusta el concepto popular que se está dando de los superhéroes en el cine?.

Es complicado y, como ya apunté antes, caprichoso: lo que no me gusta de los superhéroes trasladados a la gran pantalla es la deformación exagerademente humanista y redentora que de ellos se hacen.

Una de las metáforas más molestas que se pueden dar en el cine son las similitudes con Jesucristo: estan muy sobadas, resultan descarademente obvias y con frecuencia caen en el ridículo más espantoso, intentando otorgar solemnidad a secuencias fuera de contexto. Sobre todo si Jesucristo lleva mallas de colores. Pero eso no sería tan grave si el mensaje que de un tiempo a esta parte se está dando en el cine de superhéroes, y que por desgracia, contagia al mundo del cómic, no fuese poco menos que una forma de desvirtuar lo que significa en realidad "superhéroe": quieren decirnos que los superhéroes tambien sufren, sangran y usan gas ciudad.

y es que es totalmente contradictorio: por un lado quieren enseñarnos a esos salvadores, vestidos de forma ridícula, como seres superiores que velan por nuestra seguridad, por el otro lado, nos quieren enseñar que tambien sacan la basura fuera de horas o comen en el Kebap de la esquina cuando se les pegan los raviolis. ¿Hay algo peor que un superhéroe que no utilice sus superpoderes, no pelee y no salve a nadie?. Si, un superhéroe que hace cosas mundanas, llora, se queja, se deprime... vamos, que hacen lo mismo que nosotros pero la diferencia es que se visten como un muñeco de acción. Es como ir a ver una película sobre la Segunda Guerra Mundial donde no se pega un sólo tiro, no hay armas, aviones, bombas, nazis, refugiados, ciudades bombardeadas... hay gente normal haciendo cosas normales, como si no hubiese guerra. ¡Pero señores, que yo he pagado por ver tanques cruzando ciudades!

Y es que el principal problema reside en que los que hacen esas adaptaciones de cómic rara vez se lo toman como una guerra. Se quedan con el personaje y lo trasladan a un contexto que le sea familiar a alguien que no ha leído un cómic en su vida: el mundo real. Y en el mundo real todo tiene que estar justificado, incluso las motivaciones para ponerse licra y salir a pegar maleantes por las calles. Tiene que ser por algún trauma, claro, una forma de redención, nunca de justicia social, ni venganza, ni nada políticamente incorrecto.

El público que consume películas de superhéroes son personas que no han cogido un cómic de superhéroes en su vida. No conciben que haya gente disfrazada pegandose con seres del espacio "porque si", tiene que haber justificaciones, motivos, comedia de enredo, confusiones de identidad, un romance, un villano que se arrepiente al final o que se justifica porque estaba loco, y sobre todo, tiene que parecer REAL.

REAL...

...y luego ponen a un hombre volando en calzoncillos.

¿Tan dificil es olvidarse de todo eso y hacer una pelicula divertida, entretenida y que provoque la misma sensación de "pánico por página" que provoca, por ejemplo, Animal Man?. Una película que no trate al espectador como si fuese un idiota al que le hay que explicar porque ese hombre de rojo le pega al hombre de verde. Siendo yo contra el mundo, creo que la respuesta es obvia.

Primeros Espots de Escorto

2007-04-23T00:36:00.000+02:00

Título: Estramonio
Autor: Alejandro Pérez
Duración: 55 segundos
Sinopsis: En estos tiempos tan difíciles para la Humanidad, un grupo de cineastas, científicos y hombres de mundo intentan difundir consejos e información útiles para solucionar los nuevos problemas cotidianos que afectan a su generación.

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Título: Insectos dentro de insectos
Autor: F. Calvelo
Duración: 33 segundos
Sinopsis: Uno de cada dos insectos muere ahorcado por su propia lengua. Cuerpo en el bosque remake de Twin Peaks.

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Título: Vidrio comiendo carne
Autor: F. Calvelo
Duración: 30 segundos
Sinopsis: Nuestros ojos son lentes ancladas a las venas del recuerdo. Su reflejo es escarlata para quien se acerce demasiado.

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Superhéroes para todos los públicos (1 de 2)

2007-04-16T03:08:00.000+02:00

Hay algo que siempre me ha fascinado de los cómics, en concreto, de los cómics de superhéroes, y es la capacidad narrativa de pasar de un estado de la mente a un abismo insondable en lo que se tarda en pasar una página y encontrarse un splash page doble de locura infinita. La forma de explotar precisamente esa pequeña parte del lenguaje propia del noveno arte es la que busco siempre a la hora de buscar un buen cómic, manías que tiene uno.

A estas alturas de la vida, recomendar una lectura como Watchmen viene a ser algo así como decir lo saludable que es respirar, pero de vez en cuando no viene mal recordar que una de las grandes virtudes de ese mismo cómic reside en el final de su undécimo número, cuando los personajes pasan de ser los estereotipos obscenamente humanizados del principio a enfrentarse al mayor dilema moral de sus vidas; lo grave es que la decisión está tomada de antemano, es inevitable como predijo el Doctor Manhattan, y eso ocurre en tan sólo la fracción de tiempo en la que tardamos en darnos cuenta que la obra de Alan Moore y Dave Gibbons no va sobre superhéroes impotentes, viejas glorias retiradas, traumas del pasado o violencia callejera. Watchmen es lo que hoy en día es porque no sólo no tiene las narices de demostrar que el lector de cómics no es tan descerebrado como el mismo se consideraba, si no que pretende llevarlo incluso más allá de su comprensión. Watchmen es el LSD de los cómics de superhéroes.

Sin embargo, lo que propició cómics como el de estos vigilantes o El regreso del Señor de la Noche fue que surgiera una nueva manera de entender los superhéroes como entes más complejos que gente disfrazada dando puños, y el pensamiento lógico fue que esa complejidad residía en su personalidad, es decir, su humanidad, y por tanto, un superhéroe más humano es un superhéroe más complejo. Lógico, ja. Que Spiderman escriba poemas de amor en su libro de Álgebra entre pelea y pelea contra el Doctor Octopus no lo hace más interesante, lo interesante sería que esos poemas se los escribiese al Doctor Octopus.

Se que resulta difícil entender lo que quiero explicar, y una vez entendido, es un concepto maníaco y caprichoso, de purista antipurismos, de alternativo a lo alternativo, pero creo que la clave está aquí: cuando yo me compro un tebeo de tíos en calzoncillos que vuelan y se pegan tollinas, puedo ser muy permisivo. Puedo entender que no vayan en calzoncillos, puedo entender que no vuelen, pero lo que nunca entenderé es que arreglen todo con una docena de rosas y una tarjeta insinuante. El nombre que aparece en la portada del cómic es Batman, no Bruce Wayne, no quiero ver gente normal, veo gente normal todos los días, quiero ver cosas que me superen, que vayan más allá de lo imaginable, gente creando cosas de la nada con anillos verdes.

Un buen ejemplo de ello sería The Establishment; sí, ya sé que es más famoso The Authorithy, Stormwatch o incluso fuera de ese universo The Ultimates, pero he elegido la obra de de Edginton y Adlard precisamente porque es menos conocida, limitada y sobre todo, extrema. En el buen y en el mal sentido. The Establishment son un grupo de superhéroes al servicio del Gobierno Británico. "Superhéroes" es un eufemismo, pues en realidad parecen más bien una panda de enfermos y psicópatas, están más cerca de ser virus patógenos que de ser humanos. Y eso es lo que me encanta. No pagan facturas, no llevan su traje al tinte, no se sientan a ver House. Son los anticuerpos del Universo, la Realidad y el Tiempo. Anda que no suena épico ni nada, pero es un trabajo más cercano a desatascar cañerías que a caballerosas batallas. Ellos erradican escoria, escoria como ellos, eliminan dimensiones enteras, exterminan razas alienigenas, encienden un pitillo en los límites de la galaxia y le echan el humo en la cara a Dios. Literalmente. Como suena.

Creo que es suficiente por hoy, en la próxima ocasión, comentaremos de forma más extendida la humanización de los personajes, desde los temores adolescentes/familiares del primer Stan Lee hasta las cagarrutas mentales de Brian Michael Bendis y profundizaremos en la pregunta más importante: ¿Porqué?.

1729 películas (1/1729): Matadero cinco

2007-04-12T22:24:00.000+02:00

El incensante tecleo de una máquina de escribir imprime sobre el papel "me he despegado del tiempo". En un parapadeo, nos encontramos en un paisaje nevado durante la Segunda Guerra Mundial, y el que antes era un hombre mayor escribiendo en su casa, ahora es apenas un adolescente que huye de la barbarie. Así comienza Matadero Cinco, la adaptación de la novela de Kurt Vonnegut Jr. que realizó George Roy Hill, y que obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 1972.

Antes de entrar en materia con esta película, quiero explicar porque la incluyo en esta lista: me resulta curioso que las obras más citadas por los cinéfilos a la hora de hablar de Hill sean El Golpe y Dos hombres y un destino, y nos olvidemos de películas, en mi opinión bastante más interesantes, como la aquí citada o El Castañazo. El otro motivo es que el recientemente fallecimiento del autor de la novela original me ha devuelto a la cabeza las bellas imágenes de esta película.

La historia de Matadero cinco nos presenta a Billy Pilgrim, un hombre que vive en una narración desestructurada, a medio camino entre sus recuerdos y sus deseos: por un momento es un optometrista de mediana edad, con dos hijos y una esposa y de repente está quemando cadáveres tras el bombardeo de Dresde, o formando parte del particular de zoo de una raza extaterrestre de la cuarta dimesión en el planeta Trafalmadore. En cierto modo, el personaje de Pilgrim viaja en su propia Divina Comedia, entre un infierno blanco nieve y un paraíso de cianuro.Estamos en un viaje entre los sinsentidos de la vida y las razones para continuarla.

Podría decirse que no es una película de viajes en el tiempo, ni una película bélica, tampoco es una comedia a pesar de que es imposible ver algo de seriedad en ese estilo de socarrón, más presente en la novela que en la película. Para el aspecto que relacciona esta película con los viajes en el tiempo tenemos la perspectiva de los habitantes de Trafalmadore, seres que viven en la cuarta dimensión, y por lo tanto, ven al mismo tiempo todos los instantes de la Historia. Desde el punto de vista de película bélica es la novela de Vonnegut que partía de una idea más seria sobre el bombardeo de Dresde y la matanza allí ocurrida, pero que resultó siendo una novela pseudoautobiográfica y de ciencia ficción, aunque este último aspecto sea discutible desde el momento en que se deja a la libre interpretación si los saltos en el tiempo son tales o recuerdos atropellados, o si el planeta al que es abducido Pilgrim es real o parte del shock producido por la serie de tragedias absurdas que marcan su vida. Podría decirse entonces, que se trata de una película ilógica e inclasificable, como la vida que cuenta, como todas las vidas.

ESpots para EScorto 2007

2007-04-04T04:29:00.000+02:00

Séptimo Vicio tiene este año el gran honor de ser no sólo medio colaborador sino patrocinador oficial de Escorto 2007. En concreto, este patrocinio se materializará en el premio Escorto al Mejor ESpot, cuya cuantía económica (400 euros) será concedida por esta casa. Con ello, Séptimo Vicio hace firme su alianza con uno de los festivales de cortometrajes con más futuro y proyección de este país. Además, la sección Espots fue una de las propuestas más originales de la pasada edición, con un poder de convocatoria que nadie habría podido imaginar. Desde aquí nuestro máximo deseo de repetir ese éxito de participatición y superarlo. En vuestras manos queda.

Henrique Lage y Lauva Regal, coordinadores de los ESpots, nos remiten a continuación las bases:

En esta nueva edición del Festival de Cortometrajes Escorto de El Escorial, hemos querido avanzar un paso más allá con la esperanza puesta en demostrar la valía y la creatividad vigentes en el mundo audiovisual. Para ello, nos ha parecido que aquella iniciativa que con rubor adolescente surgió en nuestra primera edición, y que supuso una novedad en cuanto al tratamiento de un festival hacia su público y participantes, madure y se convierta en una convocatoria abierta y adulta; estamos hablando, cómo no, de los ESpot de EScorto. Para ello, hemos considerado oportuno que cualquiera pueda dar su visión del festival, realizando uno de estos ESpots y, además, seleccionando para su visionado dentro del certámen a los más ingeniosos y premiando de entre ellos al mejor.... o a uno que se le acerque mucho. Como únicas premisas, queremos aportar estas condiciones para común entendimiento:

Podrá participar cualquier persona mayor de 18 años, con un máximo de 3 obras cuyo material sea inédito.

Cada ESpot comenzará y acabará con las cortinillas oficiales que se pueden descargar en la página web.

Su duración podrá oscilar entre un mínimo de 30 segundos y un máximo de 1 minuto.

Las obras no habladas en castellano deberán estar subtituladas a este idioma.

La temática no hará publicidad ajena al festival (véase la promoción de obras propias del autor).

El vídeo deberá enviarse en un archivo no superior a los 10 megabytes, preferentemente en formato Quicktime (mov) a contactoltp@gmail.com adjuntando los siguientes datos:

- Título del ESpot
- Imágen del ESpot para la web (318x133 píxels) y otra imágen de mayor
tamaño por seguridad.
- Nombre del autor o autores y curriculum
- Link del autor (si tiene)
- Notas del autor

Para mayor facilidad, tenéis a vuestra disposición la Ficha Oficial de los ESpots .

El plazo de recepción de ESpots está abierto desde el lunes 2 de abril y se cerrará el viernes, 19 de agosto de 2007. Los nominados se darán a conocer como tope en la última semana de ese mes.

Cada semana se actualizará -dentro de lo posible- la lista de aceptados a concurso avisando a los autores seleccionados vía electrónica.

Todos los ESpots recibidos serán subidos a la página web siempre y cuando no incumplan los anteriores puntos y el comité de selección no considere que atenten contra la dignidad, los derechos humanos o no tengan un mínimo de calidad para ser exhibidos. Los seleccionados se proyectarán en el festival y los nominados serán programados todos juntos para la gala, donde se dará el premio de un modus operandi no revelado hasta dicho evento.

Los ESpots comienzan su difusión en internet meses antes del festival y luego se emiten durante el mismo. Por eso vamos a explicaros cómo tenéis que mandárnoslos:

Para internet: los ESpots irán enmarcados entre dos "Escortinillas" que podéis descargaros de la web. Colocadlas al principio y al final de vuestro ESpot, comprimidlo en MOV (que no ocupe más de 10 mb), y enviadlo por correo a contactoltp@gmail.com . Los colgaremos en la web del festival y a finales del verano, abriremos el plazo de votaciones.

AVISO: sólo se contabilizará un voto por dirección IP, y el ganador se obtendrá de realizar una media entre las votaciones (así todos tendrán las mismas opciones, desde el primer ESpot que colguemos al último).

Para el festival: enviadnos vuestro Espot sin las cortinillas tal cual lo tengáis en el ordenador, como archivo AVI o MOV. Simplemente grabadlo en un CD adjuntándonos un documento en Word con la información básica (equipo técnico y artístico, biofilmografía del director, fotogramas, etc), y nosotros haremos un DVD con todos para proyectarlo en el festival. Mandad el CD a dirección:

ESCORTO´07
II Festival de cortometrajes de El Escorial
Casa de la Cultura 28280 El Escorial- Madrid
Para mas información pueden contactar con el festival a través de:
Web: www.escorto.es
e-mail: escorto@escorto.es
Teléfono: 699143928-658672378
fax: 918906352

Que disfrutemos mucho de vuestros trabajos y vosotros haciéndolos, que es lo principal. Nos vemos en EScorto.

Mas Información | Séptimo Vicio, Escorto, El Zoom Erótico.

¡Que viva el director!

2007-04-01T22:41:00.000+02:00

En lo que considero uno de los momentos más emblemáticos de la ficción televisiva mundial, Jerry Seinfeld y ese personaje inmortal que es George Constanza, deciden probar suerte y vender una serie de televisión sobre la vida del propio Jerry, que incluirá a personajes secundarios entre los que se encuentra un alter ego de George (que por si no lo saben, es ya de por sí un alter ego de Larry David). Más concretamente: estamos presenciando una serie de televisión sobre un cómico, basada en la vida de ese mismo cómico, y dentro de esta se ve como pretende vender un proyecto de serie sobre su propia vida, del que llegaremos a ver como se graba el primer capítulo. Si eso ya no les parece alucinante, lo que viene a continuación les hará cambiar de parecer: en el momento en el que Jerry y George están reunidos con los ejecutivos de la cadena, estos últimos les preguntan sobre el tema principal de la serie que pretenden vender, y es en este momento, cuando con una sonrisa nerviosa ambos afirman que la serie va sobre "nada en absoluto" (sic).

"¿Nada en absoluto?"

Lo interesante de una serie de televisión que fuese sobre "nada en absoluto" es la ingente cantidad de posibilidades que presentaría. Ponganse en el lugar de los guionistas, ese puñado de profesionales a los que, de repente, les otorgamos la libertad creativa. El "haz lo que debas" de Michael Ende. Una serie en la que puede pasar de todo, sin restricciones, ni ataduras... hasta el mismo límite de la locura. Lo más parecido que llegado a ver en televisión de algo así fue la propia Seinfeld, aunque esta giraba en torno a unos personajes, y si, Larry David ya era genial antes de que desmenuzase su vida en Curb your enthusiasm. Asi que aquí tenemos la paradoja: una serie que va sobre "nada en absoluto" es aquella donde en realidad puede pasar absolutamente de todo. ¿Comprendido?. Bien, pues ahora pulsen aquí.

Han visto bien: yakuzas, meteoritos que amenazan la Tierra, dramas intimistas, ninjas a cámara lenta, robots, muñecos inflables, comedia absurda, niños boxeadores, fantasmas ridículos, máscaras antigas, una gran explosión. Si, lo han adivinado, una película que trata sobre absolutamente TODO.

Aunque ese "todo" sea muy relativo (siete géneros y siete etapas del cine japonés), la nueva película de Takeshi Kitano, "Kantoku Banzai", es lo más parecido a una película que trata "sobre todo" que podamos encontrar hasta el día de hoy. Una película sin reglas, una película que podría ser la suma de muchas películas, como mínimo, alguna parte de la película tendrá que gustarte. Así que mientras ya hace bastante tiempo que Jerry y George intentaron vender una serie en torno a a la vida de un cómico como una serie que no iba sobre nada en absoluto, Kitano nos presenta ahora una comedia sobre un director que quiere hacer una película distinta a todas las que ha hecho... y termina haciendo siete distintas. En ambos casos, el protagonista y autor son la misma persona, que trata de decirnos a viva voz cuales son sus intenciones, y ambos casos, todo está permitido al servicio del más noble de los objetivos: hacernos reir. "Kantoku Banzai" se estrena en el festival de Cannes y en junio en Japón, aquí supongo que ni la oleremos hasta dentro de dos años.

PD: Cierto, tantos artículos seguidos sobre Kitano empachan. Pero la ocasión merece la pena.

La Décima dimensión

2007-03-30T00:51:00.000+02:00

Interesantísimo video flash donde explica con detalle y de forma bastante intuitiva como funciona eso de las diez dimensiones (¡y tú que te habías quedado en la tercera, tontuelo!), eso sí, en inglés. Podríamos debatir como afecta esta teoría a las leyes de la Termodinámica, pero por esta vez pase. Muy recomendable, incluso para los que aún le dan vueltas a la botella de Klein.

Gracias a thehardmenpath

Escorto 2007 turns on!

2007-03-28T14:17:00.000+02:00

ESCORTO 2007: Un festival en crecimiento que lanza su segunda edición.

ESCORTO, Festival de Cortometrajes de El Escorial, organizado por el Ayuntamiento de El Escorial y ADIRCE Cortometrajes -Asamblea de Directores Cinematográficos Españoles / Sección Cortometrajes-, hace pública la convocatoria de su segunda edición, que se celebrará a lo largo de los días 5, 6, 7 y 8 de septiembre de 2007 bajo la dirección de Diego López Cotillo y Raúl Cerezo. Tras los éxitos de público y participación cosechados en la primera edición, el festival contará este año con un incremento en la dotación económica de los premios más relevantes, así como con la convocatoria, de nuevo, de las secciones que más expectación despertaron entre los incondicionales seguidores del cortometraje español. Y no se olvida de incluir novedades que aporten un mayor dinamismo y posibilidad de participación para todos aquellos cuya actividad se relaciona con la expresión cinematográfica en el mundo del corto. Personalidades relevantes, vivo intercambio de experiencias y opiniones y, sobre todo, buen cine: todo ello en ESCORTO 2007, www.escorto.es.

Como resultaba obligado, ESCORTO 2007 se propone repetir los aciertos de su primera edición, ampliando la dotación económica de los premios de su sección oficial: el premio Escorto del Ayuntamiento de El Escorial estará dotado con 1200 € y el premio Web Esfera 7, de nueva creación, que consistirá en el diseño gratuito de una página web para el ganador del mismo, valorado en 1500 €. Así mismo, el premio Escorto ADIRCE Cortometrajes estará dotado con 900 €, y el premio Escorto Especial del Jurado con 600 €. Se citan aquí los de mayor relevancia, pero toda una serie de galardones se encargarán de otorgar el reconocimiento merecido a cada una de las muchas disciplinas que contribuyen a la creación de una obra cinematográfica. De modo similar, se convoca un premio valorado en 300 € destinado a una sección paralela que resultó fundamental para el espíritu del festival: la sección de Spots ESCORTO. Además de estas convocatorias, se incluye una nueva oportunidad de participación: el concurso Cartel ESCORTO, que permitirá la elaboración de propuestas de creación a diseñadores gráficos a partir de un motivo común para todos los participantes que próximamente se hará público. El ganador de esta sección verá su trabajo convertido en el cartel de la presente edición del certamen, así como podrá disfrutar de un premio en metálico de 100 €.

No hay que olvidar otras secciones de vital importancia, como la exhibición de interesantes trabajos fuera de concurso en la Sección Informativa o la proyección de títulos emblemáticos en la historia del cortometraje, que este año irá acompañada de la presencia de algunos de sus directores, todos ellos figuras de referencia dentro del cine español. Volverán los coloquios en los que críticos, realizadores y, en suma, amantes del cortometraje expondrán sus ideas a una audiencia que, según se espera, participará tan vivamente como lo hizo en la pasada edición. Y para dar cabida a todos los que deseen asistir a la entrega de premios, este año ESCORTO dispondrá de una nueva sede para la gala de clausura. Fue tanta la expectación en la pasada edición que más de uno no pudo disfrutar de ella. Este año eso no volverá a ocurrir: ESCORTO está aprendiendo a crecer.

Dada la voluntad divulgativa del comité organizador, cuanto se ha mencionado llegará, sin duda, a un importante número de personas. Tal vez el mayor acierto del festival resida en su vocacional uso de las nuevas tecnologías: la difusión a través de Internet en múltiples webs, foros, blogs y, sobre todo, la propia página del festival, hacen de ESCORTO un inmejorable y sumamente activo punto de encuentro y difusión. El objetivo no es otro que dar a conocer el trabajo de quienes dan sus primeros pasos en el difícil mundo del cine a través del cortometraje, o bien, tras una dilatada experiencia, deciden seguir recurriendo a él como forma autónoma de expresión.

No hay que olvidar que el cortometraje ofrece, como pocos medios de expresión audiovisual, una vía de creación no supeditada a las servidumbres lingüísticas, expresivas y, tal vez por encima de todo lo demás, económicas, que pueden acabar encontrándose en producciones cinematográficas de mayor duración. ESCORTO se convierte así en un festival que pone gran empeño en dar a conocer propuestas de expresión que contribuyan a enriquecer el lenguaje cinematográfico con inteligencia, estilo y, por encima de cualquier otra cosa, calidad artística. No lo dudes, hay un lugar para ti en ESCORTO 2007.

Víctor Bárcena

Miembro del comité organizador de ESCORTO 2007.

1729 películas (0/1729): El año pasado en Marienbad

2007-03-24T22:31:00.000+01:00

Un profesor mío de Literatura, que por desgracia ya no está entre nosotros, solía decir que lo mejor de un libro no era tanto leerlo si no compartirlo con los demás. Casi todas las aficiones tienen algo de rito colectivo, de forma directa o indirecta; y el cine no iba a ser menos. Por eso, uno de los motivos por los que la palabra "cine" tiene 109 millones de entradas en Google no es tanto por la presencia del séptimo arte en nuestras vidas como el afán de compartir las experiencias que bebemos de cada película. De ahí surgen tantos foros, blogs, páginas de críticas, noticias y de puntuar cada nuevo film que sale. En el fondo, nos interesa más hablar de las películas que hemos visto, que verlas. Y frases como "tengo que ver esta película" son las que nos arrastran a deborar cintas no tanto por el disfrute en sí como por la recomendación que de ella se nos ha hecho. Dentro de esto, claro está, destacan las siempre injustas, absurdas e inútiles listas de "mejores películas" o "películas favoritas" que todos leemos y nos indignamos, incluso aunque vengan de las publicaciones más serias o los nombres más afamados.

No nos engañemos: cada una de esas listas son un acto ególatra para demostrar, ante el resto de la plebe, lo mucho que sabemos o hemos visto, y que tambien formamos parte del colectivo social que adora/desprecia una película en concreto. Asi que no pienso mentir para decir que en realidad, si se me ha ocurrido abrir esta sección es porque me apetece, sin más; sin saber si los títulos que aquí pienso recomendar serán de sus gustos o no. Lo que está claro es que serán de los míos. Para ello, he elegido un número concreto: 1729 películas. Porque mil me parecen pocas y dos mil demasiadas, y además, obedece un sentido homenaje al número de Hardy-Ramanujan (y tercer número de Carmichael), que por algo soy hombre de ciencias y además es mi número favorito.

la primera película que he elegido no obedece al simple capricho, es El año pasado en Marienbad por un motivo muy claro: representa absolutamente todos los valores que yo le doy al cine, es un juego de recuerdos, de memoria, de imágenes en movimiento, de interpretaciones, de encuadres, de miradas, diálogos y sonidos. Me devuelve a lugares en los que nunca he estado.

Para todos los que no conozcan la película, los dejo en situación: Durante una fiesta de alto nivel en un lujoso hotel, rodeado de muros, jardínes y estatuas, La señora A se encuentra por casualidad con el insistente señor X, que repite sin cesar acontencimientos presuntamente ocurridos en el mismo lugar, entre ellos dos, hace exactamente un año, sin embargo, la señora A parece no recordar lo mismo, y las interrupciones de un misterioso personaje llamado señor M (¿su marido? ¿un guardián? ¿un ser omnisciente?) y las conservaciones banales que a medias se oyen por los pasillos, no hacen si no aportar más intriga a una confusa situación donde se entrecruzan realidades, sueños, deseos, pasiones, universos, versos y personas.

Y es bien cierto que hoy por hoy es absurdo no hablar maravillas de la moderna cinta de Alain Resnais, como tambien es mencionar por enésima vez las similitudes, intencionadas, con la imprescindible obra de Bioy Casares, "La invención de Morel". Tampoco descubro nada nuevo si comento como utiliza el director de Hiroshima, mon amour los recuerdos como arma de seducción.

De la película que nos ocupa se pueden sacar mil y una interpretaciones, pero rara vez se habla de sus intenciones: ¿es realmente un retrato psicológico de la infidelidad? ¿es una historia de realidades paralelas o mundos virtuales? ¿es la representación en imágenes de la persuasión como quería/creeía su guionista, Robbe-Grillet? ¿es la muerte acechando en un inconsciente limbo de decadencia? ¿es el estado febril de un shock causado por un arrebato de violencia doméstica? ¿o es quizás el intento de representar matemáticamente, entre la síntesis de literatura y lenguaje cinematográfico, una historia de amor?. Al fin y al cabo, los nombres de los personajes no dejan de ser variables, en un entorno virtual, donde está presente siempre el juego de azar, aquel juego en el que "se puede perder pero no se pierde".

Lo cierto es que la inolvidable voz de Giorgio Albertazzi nos lleva por un laberinto de postales, cada cual más sugerente, y nos hipnotiza, haciendonos creer que lo que realmente sucede en la película lo hemos vivido en carne y en el pasado, nos seduce, nos sugestiona para pensar que hemos estado allí antes, escuchando las conversaciones de los ricos, bebiendo sus decadentes cócteles, fingiendo interés por representaciones obscenas de la realidad y su inexpresiva y antidescriptiva música.

Asi que una vez terminada, sus reiterativos paisajes y diálogos, que golpean nuestra cabeza sin descanso, se nos antojan recuerdos de un momento fugaz de dicha; es entonces cuando recordamos a Delphine Seyrig llorando y negando que conozca al extraño señor X y los lugares y encuentros que este menciona, es entonces cuando nos damos cuenta que nosotros tambien estábamos aquel año en Marienbad... y que podemos volver siempre que queramos.

P.D.: No es fortuita la imagen que abre este post, se deja como ejercicio para el lector relaccionar el episodio de Futurama "La paracaja de Farnsworth" con la película aquí analizada.

La razón para ver Takeshis'

2007-03-23T02:35:00.000+01:00

Hoy estrenan "Takeshis", esa película que Kitano estrenó hace ya 2 años y que se ha quedado en un limbo comercial, debido a lo extravagante de su propuesta. Venga, busca en la cartelera de hoy, si tienes suerte, quizás la encuentres.

¿Recomendarla?. Oye, pues me es difícil recomendarla, no es para todos los gustos, no. Es más, me atrevería decir que si no te has empollado bien la filmografía y vida del director de "Brother", no vas a disfrutar ni un segundo de película. Si, algo así como lo que pasaba con "El almuerzo desnudo" y William S. Burroughs; casi es más accesible "Inland Empire". Quizás esta guía que escribí hace tiempo sea de utilidad, aunque no dejaré de recomendar los libros "Takeshi Kitano" de Luis Miranda y "Yakuza Cinema: crisantemos y dragones" de Daniel y Carlos Aguilar, si se tiene verdadero interés por este señor de tic en el ojo. No puedo evitar ver en ese monográfico que le dediqué al protagonista de "Hana-Bi", varios errores, no sólo de escritura si no de concepto, y la sensación de haberse quedado desfasado, y tan sólo han pasado 3 años desde que lo escribí. De todas formas, si hay dudas, que ni el monográfico o los libros resuelven, preguntadme directamente, siempre me ha interesado el cine de este hombre.

Pero bueno, si lo que buscais es una explicación breve de este confuso nuevo film, aquí la teneis: la historia sucede en un mundo donde conviven dos Takeshi Kitano: el Kitano director y el Beat Takeshi, actor cómico fracasado. Eso viene a ser un reflejo de la doble visión que se tiene del autor, el cineasta de prestigio en Europa, y el payaso televisivo en Japón. El Kitano director está rodando una nueva película y recibe todo tipo de alabanzas por ella, mientras el Takeshi actor se presenta a varias pruebas para la misma película y no consigue ninguna. En ese momento, el Kitano director comienza a ser perseguido por la yakuza que financia su pelicula y por sus propios personajes, asi como su familia y su productora, todos quieren darle caza y obligarle a ser serio y comercial, pero el se esconde dentro del sueño del Takeshi actor, que cree vivir ese caos, y finalmente, se reconoce a si mismo siendo protagonista de su propia película de yakuzas, copiando los esquemas de anteriores películas suyas, ridiculizandolos, haciendo lo que se espera de él, pero llevado al extremo, como hastiado de eso mismo, comprobando que son fórmulas cansadas, secuencias aisladas, momentos perdidos. La pelicula empieza y arranca con una misma secuencia, aparentemente fuera de todo lo anterior, que muestran esa película diminuta que Kitano quiere rodar y no le dejan, y al mismo tiempo, funciona como recordatorio del trabajo que le lanzó a la fama: su papel del entrañable Sargento Hara en "Feliz Navidad, Mister Lawrence".

O yo que se, tambien puede que no tenga sentido...

Lo verdadera razón para sentarse a ver esta mezcla de "Otto e mezzo", "Lost Highway" y "Humor Amarillo" es esperar lo inesperado, reirse, asustarse y emocionarse. Y dejarse llevar por un torrente de sinsentidos agradables, con más corazón que cabeza. That's Kitano, that's Takeshis'.

Las aventuras galácticas de Jaime de Funes y Arancha

2007-03-21T00:48:00.000+01:00

Mi momento favorito de "las aventuras galácticas de Jaime de Funes y Arancha" no es esa secuencia de vómito por parte de Nacho Vigalondo, ese Alejandro Tejería escalando pasillos estrechos, ni esa ruptura narrativa donde el exhibicionismo fotográfico da lugar a una exposición sobre balas en el pecho, ni el momento en el que esos mongolems de rostros dickianos balbucean algo en alemán. Ninguna de esas. El momento que consigue que me lo haya visto un montón de veces esta pequeña pieza de ocho minutos es ese entrañable monstruo Zoltar que recuerda pasodobles y pastelerías de su infancia, por un momento, no puedes más que sentir pena por ese muñeco de goma inexpresivo, pero al mismo tiempo, hay cierto patetismo que me incita a reirme del pobre desgraciado. En definitiva, lo que pudo haber sido esta serie se encierra en un único plano, incorporado a posteriori en montaje.

Me gusta el monstruo Zoltar.

Menuda semanita...

2007-03-18T21:05:00.000+01:00

"Pulsa para ampliar"

La fuga psicogénica es un trastorno disociativo del individuo caracterizado por un periódo de amnesia casi total pero selectiva, mediante el cual el afectado se esconde de la situación de vida inmediata y comienza una parte de vida totalmente opuesta.

The Decemberist - O Valencia

2007-03-12T02:10:00.000+01:00

No voy a mentir a nadie: soy un desastre musical. En realidad soy un desastre en muchas cosas, pero lo de la música es particularmente sangrante: escucho música como quien oye llover.No, no me se la letra completa de mi canción favorita, me invento la de las canciones que no están en mi idioma, y si me preguntaseis ahora mismo cuando es el concierto de Héroes del Silencio no sabría responderos sin tirar de Google. Lo curioso es que me encanta la música, y la cantidad de viajes y caminatas que ya sea por motivos de trabajo o personales me toca hacer, las hago siempre con los cascos puestos. Es por ello por lo que suelo estar bastante perdido en cuanto a tendencias y gustos actuales, pero de vez en cuando hay algo que me despierta por un momento de mi letargo, y lo evidente es que sea por motivos no musicales. The Decemberist no es un grupo que me llame suficientemente la atención, pero me he quedado con este video suyo, aún no sé muy bien el porqué.

El video en cuestión es de su tema O Valencia, se trata de la versión larga, que muchos programas y canales musicales mutilan sin piedad, sin mostrar lo que ocurre después de terminar la canción. Detesto los videoclips donde sólo vemos a los grupos cantando y tocando su tema delante de la cámara, y me fascinan todos los que innovan o los que me cuentan algo interesante, y O Valencia no es que sea el colmo de la originalidad, pero al menos tiene la suficiente fuerza para que me moleste en buscarlo por el Tutubo.

Uno de los aspectos a los que no paro de darle vueltas en este video es a su estilo Guy Ritchie. El señor esposo de Madonna, que anda tan perdido por estos mundos últimamente, creó un estilo propio, paradójicamente heredero del videoclip, que levantó ampollas en sus dos primeras películas: la alocada y divertida Lock, Stock and two smoking barrels, y su inevitable versión "para dummies": Snatch, cerdos y diamantes. El problema del que fue llamado "el Tarantino británico" (sic) es que su particular e incasable estilo tenía dos errores que se hicieron evidentes con el paso del tiempo: lo primero fue que resultó no ser tan particular, y como esporas, se han reproducido copias más o menos afortunadas, pero copias al fin y al cabo, y copias que normalmente se quedaban con la parte más superficial de este director; el segundo problema fue consecuencia del primero, que su estilo dejó de ser tan incansable por repetitivo, y sobre todo, porque cualquiera podría hacerlo incluso mejor que él, y si no, echenle un vistazo a algunos planos de El caso Slevin. Claro que tambien hay el otro extremo, para muestra quedense con Ases calientes o como convertir un divertimento de balas y tacos en un sermón sobre el poder corrupto o alguna mojigatada más propia de León de Aranoa que del cine de acción.

Pues bien, ahora quedense con el video y como le da la vuelta al estilo Ritchie, primero con una secuencia muy comedida, para pasar al desmadre paródico pasado de rosca y guiño a Wes Anderson incluído, y remata la canción con lo mismo que Joe Carnahan quiso hacer en su última película y no supo: un giro dramático. Lo que viene a continuación del "2 months later" es la broma llevada al extremo: los personajes vuelven al encorsetado punto de partida y hacen un triple salto mortal sin salirse de su baldosa, es decir, combinan la faceta más absurda del video, y de la clase de películas en las que se inspira, con una dirección más sobria y formal, lo que lleva a la confusión de preguntarse si ese final es intencionadamente paródico o una mala idea que se toma demasiado en serio. Esa confusión sobre la que gira cualquier buena comedia televisiva hoy en día: la incomodidad del espectador ante la imposibilidad de saber como debe tomarse lo que ve. Y así es como empezamos hablando de The Decemberist para terminar haciendo un velado homenaje a Curb your enthusiasm o The Office, pasando por la crítica al cine de acción moderno desde la perspectiva de un videoclip. Sin haber hablado de la canción o del grupo. ¿Entienden ahora porqué me considero un desastre para la música?

Teaser trailer de "No digas nada"

2007-03-07T23:45:00.000+01:00

Teaser no digas nada

No digas nada es la primera película de Felipe Jiménez Luna, un tipo que en principio no os sonará de nada, pero que si os digo que hace 10 años tenía un cortometraje, protagonizado por Carlos Iglesias, con una trama que posteriormente vimos en la pelicula El show de Truman, seguro que ya empezais a recordar.

La historia de No digas nada nos sitúa así: Tras asesinar al profesor del que estaba enamorada, Silvia le empieza a coger el gustillo a la cosa y hace lo propio con un vendedor de artículos nazis. Sus compañeros de clase, hartos de encubrirla, deciden que ellos también quieren quitarse de encima a los profesores y vecinos que les hacen la vida imposible. Así que se organizan en comités de asesinatos, enterramientos... Mientras, un incompetente policía tratará de resolver el caso de las misteriosas desapariciones.

Sólo de pensar el revuelo que se armará por una pelicula donde alumnos asesinan a un profesor, en los tiempos de corrección política que vivimos, se me hace la boca agua. La pelicula está protagonizada por Santi Rodriguez, Claudia Molina, Elio González, Jimmy Barnatan, Darío Paso, Rebeca Cobos, Jimmy Castro, Israel Rodriguez, Alba Alonso, Elsa Herrera, Luisa Ezquerra y Antonio Barroso. Cuenta con música de Def con Dos (que siempre es un aliciente) y es una producción de Yacaré Films. La pelicula se estrena en el próximo festival de Málaga, y lo hará al público en verano de este mismo año. Corred a verla.

(Si, yo tambien me he dado cuenta de la errata en lo de Jack el Destripador)

Pulsad, pulsad...

2007-03-02T17:00:00.000+01:00

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¡Necesito la pasta!

Ganadores de La Audiencia de Salamanca 2007

2007-02-26T17:55:00.000+01:00

Y los ganadores son....

CRISÁLIDA, de Francisco Calvelo
Un corto de presupuesto ínfimo rodado con imaginación e ingenio. La historia de una desaparición y un secuestro, convergen, como una tela de araña, en la parte más oscura de la mente de un monstruo de lo cotidiano.

ZAPATOS LIMPIOS, de Oriol Puig
De nuevo, una historia de prespuesto risible. La forma más curiosa de desmembrar y diseccionar el cine desde dentro, con mucha personalidad y un original punto de vista. Un director de cine quiere hacer una película con los únicos recursos de los que dispone: un amigo gordo y una máquina de limpiar zapatos.

PROVERBIO CHINO, de Javier San Román
Una historia sobre el racismo con mucho humor y buen gusto. Sergio quiere trabajar en un restaurante chino, pero el color de su piel juega un papel determinante en sus posibilidades.

Enhorabuena, nos vemos los días 14, 15 y 16 de marzo en Salamanca.

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